El Rincón de la Música

Piano de juguete

2011-12-02T12:47:00.001-08:00

Pauta 12 (octubre, 1984)

2011-11-04T14:45:00.000-07:00

La de la foto, es la Revista Pauta de Octubre de 1984 [el año en que nací]. Se trata del número 12 (hasta el momento hay unas 112).

Entre los temas que contiene está: "Mata discurso del Colegio Nacional", "García Terrés. Respuesta a Eduardo Mata", "Ravel por Ravel, Alfonso Reyes y Victoria Ocampo", "José Gorostiza ante la música", "Warfield: los armónicos y las cuerdas", etc.

Las cosas que se publicaban mientras yo empezaba a existir...

Piano de juguete

2011-10-24T22:23:00.001-07:00

Dejé de escribir...

2011-10-24T22:22:00.001-07:00

... hasta que descubrí que tenía que hacer hablar al silencio para escuchar mis entrañas.

La música que respeto* (de Eusebio Ruvalcaba)

2010-12-08T22:40:00.000-08:00

Para César Rito Salinas

La que me remueve los sentimientos más profundos. Aquella cuya audición me deja exhausto. Como luego de hacer el amor o escuchar a mi hijo toser sin detenerse. Por horas.
La que me recuerda mi infancia, cuando mis padres me dormían con música de cámara; la que sin quererlo amanecía silbando.
La que inequívocamente me hace llorar. Como si escuchara una plegaria o el Sermón de la montaña, o viera a mis hijos correr de la mano. O se me apareciera mi padre ya muerto.
La que parece elevarse hasta el firmamento. Esa música que semeja un grito desesperado de libertad. Simplemente la alegría de crear por encima de preceptor y cometidos.
La que me conmueve por mal tocada que esté o por vulgar que sea. Aquella que me obliga a llevarme el trago a la boca, acariciar a una mujer o declararle a un hombre mi cariño.
Toda la de Mozart.
Toda la de Bach, que conozco.
Toda la de Brahms, casi toda la de Schumann y casi toda la de Schubert.
La de Beethoven, sobre todo aquella que se yergue y destroza los cristales en torno.
La que tocan Anne-Sophie Mutter, Linda Brava, Chantal Juillet, Akiko Suwanai, Ulrike-Anima Mathé, Leila Josefowicz, Midori y Elisa Lee Koljonen, y que escucho cuando me hartan los violinistas varones, que llega a pasar.
La que no puede ponerse de fondo, ni en los elevadores o el súper.
La que se baila en los antros más sórdidos.
La que inventan los niños al piano o a la tina.
La que hacen los zapatos de tacón.
La que hacen las medias de las mujeres al caminar.
La que hace el aparato de las tortillerías.
La marcial.
La del corazón que se escucha en el estetoscopio.
La de los hielos.
La inejecutable: esa que pone en rídiculo a los violinistas arrogantes.
La del himno nacional, porque así me lo inculcó mi abuelo Eucario.
La del saxofonista que toca tras la puerta de las cantinas.
La que canta mi hijo de cuatro años.
La que le llevaría a una mujer a su ventana.
Toda la que no se toca en las fiestas de las quinceañeras.
Toda la que no tocan los guitarristas domésticos en las fiestas domésticas.
La que me cantaba mi madre.
La de Cri-Crí.
La Hammerklavier de Beethoven que le escuché a Angélica Morales en un cumpleaños de mi padre, cuando yo frisaría los once o doce años.
La de los Beatles.

____

* Tomado de Con los oídos abiertos. Aproximaciones al mundo de la música (2002). Paidós Amateurs.

Theft

2010-06-01T16:38:00.000-07:00

Lansing D. McLoskey (Cambridge) "Theft", para piano y voz, interpretada por Guy Livingston

(para el proyecto "Don't Panic! 60 Seconds for Piano")

Theft.

The funny thing about life is that it's temporary; that is to say, temporary in the intemporal sense of the word, meaning that all living things and all that we do are subject to the precepts and effects of time. If you live an average lifespan and escape such non-time-related hazards as fire, wolves, cancer, steep precipices, Mack trucks, and bolts of lightening you can count on somewhere in the vicinity of thirty-nine million minutes for you to use as you see fit according to your free will and constraints that may be imposed upon you by environmental, health, economic, and political boundaries. Though this may sound more than sufficient, consider that the first nine million are spent learning to simply function and trying to figure out what your priorities are. Thirteen million of them are spent sleeping and another five million or so eating to obtain the energy needed to deal with the little remaining time. Of course in order to buy all this food and protect yourself from the wolves and lightening you'll spend some nine million working by the sweat of your brow. Untold millions are spent enduring uninteresting conversations, watching bad TV shows and doing things that you don't like. You ever feel like someone just stole a minute of your life?

Robo

Lo curioso acerca de la vida es que es temporal; es decir, temporal en el sentido intemporal de la palabra, lo que quiere decir que todas las cosas vivas y todo lo que hacemos está sujeto a los preceptos y efectos del tiempo. Si usted tiene una esperanza de vida promedio y logra escapar a peligros no relacionados con el tiempo como fuego, lobos, cáncer, precipicios escarpados, camiones Mack, y rayos, puede contar con algunos de los siguientes treinta y nueve millones de minutos que le quedan por usar como le plazcan de acuerdo a su voluntad y las imposiciones que quizá le imponga el medio ambiente, la salud, la economía y las barreras políticas. Aunque esto parezca más que suficiente, tiene que considerar que los primeros nueve millones de minutos serán gastados aprendiendo a simplificar funciones y tratando de identificar cuáles son sus prioridades. Trece millones de minutos serán usados en dormir y otros cinco millones en comer para obtener la energía que necesitará para lidiar con el resto del tiempo. Claro que para poder comprar toda esa comida y protegerse a usted mismo de lobos y rayos, tendrá que usar unos nueve millones de minutos trabajando con el sudor de su frente. Sin mencionar los millones de minutos usados en conversaciones aburridas, mirando malos programas de televisión y haciendo cosas que no le gustan. ¿Alguna vez ha sentido que alguien le robó un minuto de su vida?

Desde el otro lado* (por Julio Cortázar)

2010-05-21T14:20:00.000-07:00

Michel Portal, Mozambic

Volver sobre cosas ya escritas puede parecer demasiado fácil, pero en mi caso al menos siempre me ha sido más fácil inventar que escribir. Ocurre sin embargo que ciertas repeticiones, que prefiero llamar recurrencias, se me dan con la misma evidencia que diariamente nos da a todos la inevitable salida del sol. Y si esta cotidiana maravilla no nos asombra puesto que conocemos la relojería general del cosmos, hay otras repeticiones perceptibles en un dominio que ninguna ciencia ha explicado todavía, repeticiones que pertenecen a esos intersticios de lo habitual donde leyes que no son las de la física o la lógica se cumplen de una manera casi siempre inesperada. Todo esto para decir que anoche entré una vez más en esa zona de arenas movedizas, y que trato ahora de contarlo para esos lectores a quienes también les pasan cosas así y no las desechan como meras coincidencias.
      Hace años que conozco a Michel Portal y que admiro su prodigiosa capacidad de instrumentista. Usted le alcanza cualquier variedad de saxo, flauta, clarinete, fagote, trombón, quena, clavecín y hasta el difícil y secreto bandoneón, y Michel lo vuelve música, y qué música. Así, para abreviar la biografía, lo mismo se lo encuentra como solista en un concierto de la llamada música clásica (Brahms y Schumann no tienen secretos para él) como mezclado en la compleja telaraña de una obra de Stockhausen; pero apenas le queda un poco de tiempo libre, Michel arma un cuarteto o un quinteto de jazz y ahí es la entrega y la creación en libertad, la invención de quien pasa de un instrumento a otro con la gracia de un gato jugando con ovillos de lana. Ocurre que somos amigos pero nos vemos apenas, andamos por órbitas tan diferentes, cuando lo busco está en Japón o viceversa, pero anoche descubrí que su grupo actuaba en una cave de París y me largué para escucharlo y por lo menos charlar dos minutos con Michel, es así como se vive en este siglo donde se ha perdido toda armonía entre el tiempo y nosotros, entre la infinita variedad que nos rodea y nuestra cada vez menor disponibilidad para abrazarla. Señalo de paso —es parte de este todo incomprensible que quisiera por lo menos insinuar — que la víspera yo había estado a punto de ir a escuchar a Michel y que circunstancias nimias me obligaron a dejarlo para la noche siguiente.
      Desde el fondo de la cave humosa y gótica y llena de pelos y barbas y de hermosas criaturas de todo sexo, escuché a Michel y a su quinteto. Él me reconoció mientras disponía sobre una mesa los cinco o seis instrumentos que utilizaría, y me hizo un gesto de saludo. Tocó —tocaron — admirablemente, improvisando casi una hora sobre temas que se iban abriendo y multiplicando como un follaje de árbol. El jazz no impide pensar (la improvisación tiene sus caídas inevitables y en esos huecos momentáneos uno se reencuentra y vuelve a su mundo mental); en algún momento me acordé de mi primer contacto con Michel en el festival de Avignon y de cómo en un café él me había hablado de mi relato "El perseguidor". Viniendo de un músico, y qué músico, su preferencia por ese cuento me había dado una de esas recompensas que justifican toda una vida, y mi manera de decírselo fue hablar largamente con él de Charlie Parker, el hombre Parker y no ya el personaje de mi relato. Su amor y el mío por la música de Bird nos hizo amigos para siempre.
      Yo había pensado en todo eso escuchando a Michel, aunque nada hubiera de Charlie Parker en lo que se tocaba esa noche, y después llegó el intervalo y Michel cruzó la sala para encontrarse conmigo. Siempre un poco perdido, un poco en otra cosa, sentí que ahora estaba más allá que nunca de lo que la gente llama normal. Nos abrazamos, le dije de mi felicidad al escuchar su música. "No, no", se defendió apretándome el hombre con una mano como si también yo estuviera a punto de convertirme en uno de sus instrumentos. "No, esta noche es otra cosa, verte ahí y de golpe, de golpe... " Nos mirábamos, yo esperaba sin saber qué. "Es increíble", dicho Michel, "que estés aquí esta noche, Julio. Vengo de tocar en otra parte, estuve tocando con un saxo que me prestaron, un saxo increíble de viejo y gastado, con iniciales de nácar y una boquilla casi inservible. Olía a incienso de iglesia, te das cuenta, tocar en él era... ". Su deslumbramiento y su angustia batallaron en un largo silencio, en sus ojos clavados en mí. "Adivina, Julio, adivina de quién era". No había nada que adivinar, la figura estaba cerrada, la maravilla cumplida. "El saxo del Bird", dije, y Michel que acaso había temido que en ese instante todo se viniera abajo, se apretó contra mí, feliz, como temblando. Supe que la viuda de Charlie Parker estaba en París, que ese saxo estaba desinado a un museo (hay uno muy simple y pobre y hermoso en Nueva York) y que las cosas habían girado y se habían ordenado para que esa tarde Michel pudiera tener entre las manos el saxo del Bird, acercar los labios a esa boquilla donde había nacido el prodigio de Out of Nowhere, de Lover Man, de tantos y tantos saltos a lo absoluto de la música, de eso que malamente yo había tratado de decir en "El perseguidor".
Nadie, claro, se dio cuenta de lo que ocurría entre Michel y yo. Me quedé todavía un rato y me fui sin volver a verlo. Nos seguiremos encontrando aquí y allá, pero si no es así ya no importa. La figura se cerró anoche, eso que llaman azar juntó otra vez tanta baraja dispersa y nos dio nuestro instante perfecto fuera del tiempo idiota de la ciudad y las citas a término y la lógica bien educada. Ahora ya nada importa, realmente; anoche fuimos tres, anoche lo vimos junto a nosotros desde el otro lado.

(1979)

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Texto tomado de Papeles Inesperados, libro de textos inéditos de Julio Cortázar.

Charlie Parker, Out of nowhere

El Apagón (La Chicana)

2010-05-16T19:16:00.000-07:00

La Chicana, "El Apagón" (canción de Acho Estol, compositor y guitarrista de La Chicana), canción incluida en el álbum "Un Giro Extraño"

El Apagón

Si supieras las cosas que encontré
hurgando en tu cajón de madrugada.
El cerebro me apuraba el corazón
pero no se me notaba.

Si leyeras las cosas que escribí
esa noche mientras vos te maquillabas.
Me atoraban las metáforas de amor
pero no las escupí.

Tu mirada es un lago de aceite en el mar
tu pelo un gemido del sol.
Te quejabas por el vento y yo siempre te escuché.
Pero no te lo mostraba, a mi no me importa nada,
yo me quedo en la vereda disfrutando el apagón.

Despegaste temprano aquella vez,
yo rodé para tu lado de la cama.
Le escribías una carta a un senador
y quemabas el café.

Tu mirada es un lago de aceite en el mar
tu pelo un gemido del sol.
En mi pecho hay un músculo divagador,
no creas que no es para vos.
Arrancáme del techo el dibujo del sol,
apagá los violines de Dios.
Que se vea el abismo que une a los dos,
que se sepa que es raro el amor.

Oigo soñar al agua* (de Alberto Blanco)

2010-05-13T09:14:00.000-07:00

I Hear the Water Dreaming (Toru Takemitsu), para flauta y orquesta, interpretada por Patrick Gallois y la BBC Symphony Orchestra, dir. Andrew Davis

a Toru Takemitsu

Estuve escuchando

como si no tuviera yo un oído

ese soplo vital que viene desde el ojo de agua

Me sumergí entonces en mi segundo cuerpo

hasta sentir el poder

en cada uno de mis huesos

El espíritu dejó de ser una imagen

para convertirse en un aliado

y el tiempo salió a darnos la buena nueva

Entonces comprendí que en verdad había oído

al agua soñando en mi cabeza

Y supe que había luz
____________
*Blanco, Alberto (2005). Música de Cámara Instantánea. CONACULTA

Zozobra de las Vibrazonas* (de Heriberto Yépez)

2010-04-20T11:33:00.000-07:00

El resquebrajado recuerdo de un aleteo
La pura imagen mental de su actividad pretérita
Es la salvación de la libélula.

La luna sin su brillo: piedra difunta, rictus que circula.

Una campana imaginada (a veces) basta.

Para que la piel murmure su desmoronamiento.

Una muralla se ablanda por una sombra.

La fantasía de un combate vivo
es el último eco
en el cráneo roto
del guerrero muerto.

(Somos) La petrificación de un canto.

Partitura endurecida.

La piedra rechaza toda brujería.

[Su fijadura prohíbe] )(sensaciones ondulantes)(

Ella T,O,D,A, es pensamiento. Dura.

La sílaba ya sólida

se pasita

hasta tomar la forma

de una última letr

El helecho deviene esqueleto.

Posdata:

Es así como la música reverbera

De uno a otro:

Diapasiones.

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*Publicado en la revista Pauta No. 112, Octubre - Diciembre de 2009

György Ligeti, Continuum para clavecín, interpretada por Elisabeth Cojnacka

El Piano... Silencio

2010-03-13T14:49:00.000-08:00

Silence
(Thomas Hood, 1798-1845)

THERE is a silence where hath been no sound,

There is a silence where no sound may be,

In the cold grave--under the deep, deep sea,

Or in wide desert where no life is found,

Which hath been mute, and still must sleep profound;

No voice is hush'd--no life treads silently,

But clouds and cloudy shadows wander free,

That never spoke, over the idle ground:

But in green ruins, in the desolate walls

Of antique palaces, where Man hath been,

Though the dun fox or wild hyaena calls,

And owls, that flit continually between,

Shriek to the echo, and the low winds moan--

There the true Silence is, self-conscious and alone.

_____

* La parte sombreada del poema, es la frase que al final de la película se le escucha decir a Ada (protagonista del film El Piano), con la bella música de Michael Nyman como fondo.

Ada se describe a ella misma en el fondo del océano, junto a su piano en total silencio, donde el sonido nunca ha existido, donde el sonido no puede ser, en la tumba fría del mar.

Una escena poética, tanto por los detalles de la fotografía, la voz de la protagonista enunciando el poema de Hood y la música de Nyman.

Más que en cualquier otra película, en esta, la música tiene un rol protagónico esencial

Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe se casan

2010-03-11T12:56:00.000-08:00

Liliana Felipe interpreta "Tienes que decidir"

Me acabo de enterar que Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe, por fin, han consumado su matrimonio. Me alegro, no tanto por ellas (aunque qué chingón), sino por el movimiento que han representado y el que tanto tiempo y esfuerzo le ha costado a muchos activistas (y a muchos #bugaprogay, como yo).

Yo sé que a ellas el acto de casarse ni les va ni les viene, ellas no necesitan un papelito para estar juntas, trabajar juntas y hasta quererse. ¿Después de como 30 años de ser pareja no hasta parece un estorbo eso del matrimonio? Yo sólo opino y juzgo de acuerdo a lo que he escuchado en sus declaraciones.

Además de ellas, otras 4 parejas, han logrado casarse por el nuevo estatuto civil que hace poco entró en vigor en el Distrito Federal, el de los matrimonios del mismo sexo (#matrimoniosgay o #matrimoniodf).

Aún queda mucho por hacer, por ejemplo, que en el IMSS se modifique la ley para que estas parejas tengan las mismas prerrogativas que un matrimonio heterosexual; también hay que tomar en cuenta las disposiciones que salgan del recurso de inconstitucionalidad promovido por la PGR; y bueno, las que vayan saliendo.

Ustedes se preguntarán, qué hace este comentario en un blog de música. Si usted es un lector ducho (como sé que lo es), sabrá que Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez, además de activistas, son excelentes artistas. A Liliana Felipe la tengo en especial estima porque es una magnífica cantante, pianista y compositora.

Hace poco tiempo las vi en "Diálogos entre Darwin y Dios", obra teatral de tipo monólogo, el cual conjuga las excelentes caracterizaciones de Jesusa, y la genialidad musical de Liliana; yo me atacaba de la risa, así como todo el auditorio.

Se dice que Jesusa, al subir al carro de boda (una esplendorosa bicitaxi) gritó: ¡Viva la Igualdad!

Y sí, hoy estamos contentos porque somos más iguales que antes, ¿que iguales a quién?... eso sí quién sabe, pero ya es hora de que todo esto se vaya extendiendo en nuestro país, así como todas las leyes que aún marginan, discriminan y degradan a grupos de la población, por muy pequeños que estos sean.

Photo by Pajaropolitico

Celia Inside (The Cardigans)

2010-03-08T17:15:00.000-08:00

Esta canción en especial (no sé la razón) me revitaliza un poco cada vez que la escucho. La línea "so you should give them just what they need water and poetry" (así que deberías darles justo lo que necesitan agua y poesía), me parece tan cierta e ideal, tan simple y encantadora como la voz de Nina Persson.

En general me gusta The Cardigans, y no me cuesta trabajo aceptarlo; creo que la música de esta banda sueca es mucho más que lo poco que han presentado de ellos MTV o VH1. Incluso muchos consideran que son un One Hit Wonder.

Esta vez sólo me guiaré por el placer que me causa su música, y omitiré cualquier tipo de análisis.

Pues bien, gócenla:

The Cardigans, Celia Inside (en vivo)

you don't want the sun to shine in

so you turn the curtains down

your eyes still don't show me a thing

and you don't feel it's sunny outside

you don't want no joy for a while

but you stay up late at night

it hurts you that she's still alive

so you'll raise flowerbeds inside

but she, she will not get bothered at all

she's just watching the water at fall

so you should give them just what they need

water and poetry

cause she will not bother at all

she's just watching the water at fall

you should give them just what they need

cause she will not bother at all

but you won't say you're not adored

by her beauty... Celia inside

you don't want to feel her at all

but who's that fellowman of hers

with who, your dear Celia moved

and they'll sleep happily inside

... but you won't say you're not adored

by her beauty

and her purity

and her lovely.... Celia inside

Chopin y Liszt*

2010-02-27T14:29:00.000-08:00

[en el bicentenario de Chopin]

Chopin tenía gran facilidad para hacer imitaciones tan fieles al original que, entre sus anécdotas, se cuenta que, un día, copió a Liszt en su manera de vestir, hablar y tocar, con tal exactitud que un ingenuo admirador de provincias que asistía a la representación, al encontrarse unos días después con el auténtico Franz Liszt, le dijo indignado: «¡Ah! ¡No, Chopin, esta vez no me engañará usted!»

[...]

En esa jungla de intereses y envidias que es cualquier profesión, Chopin y Liszt se llevan por entonces de forma ejemplar con mutuo respeto hacia sus respectivas habilidades. Así nace la bonita anécdota que ningún director de cine ha dejado de utilizar al filmar sus biografías.

Era una noche de mayo y los invitados estaban reunidos en el salón de la casa. Liszt tocaba un Nocturno de Chopin, pero, siendo él mismo compositor, no se limitaba a interpretarlo tal y como estaba escrito. Así intercalaba variaciones de todas clases, saliendo y entrando a su capricho de la partitura. Todos estaban admirados de su habilidad... menos Chopin que no podía ocultar su nerviosismo al ver tratar su obra con tanta libertad. Por fin se acercó al piano y dijo:

—Querido amigo, si me haces el honor de tocar algo mío, toca lo que está escrito; sólo Chopin puede corregir Chopin.

Liszt se levantó, un poco molesto.

—De acuerdo. Tócalo tú, entonces.

—Con mucho gusto.

Cuando Chopin se sentaba, una mariposa se acercó al quinqué y se quemó en la llama, apagándolo. Alguien quiso reavivar la llama, pero el músico se opuso.

—Al contrario. Apagad también todas las velas. Me basta la luz de la luna. Debió ser el sueño de todos los melómanos del mundo. Chopin tocando sus obras durante una hora iluminado únicamente por los rayos que entraban por la ventana. Cuando terminó, los presentes se levantaron entusiasmados; el primero fue Liszt, que le dijo, abrazándole:

—Querido amigo, tenías razón..., las obras de un genio como tú son sagradas, y quien se atreva a corregirlas comete una profanación. Chopin le tranquilizó, Liszt, dijo, era capaz de tocar temas de cualquiera, ya fuere Weber o Beethoven, como nadie, y volvieron a abrazarse entre los aplausos del público. La anécdota corrió por todos los salones de París, y Chopin la repetía con la satisfacción de quien ha ganado una partida difícil. Días después, en el mismo salón donde había ocurrido la pugna anterior, rogó a su amigo que se sentara al piano mientras ordenaba a un criado que apagase todas las luces para que el ambiente fuese más íntimo; esa vez sin siquiera la luz de la luna. Ya a oscuras la sala, y cuando Chopin iba a empezar, Liszt le dijo al oído que le dejara la banqueta; el otro, imaginando que se trataba de una broma, se deslizó silenciosamente hasta la butaca vecina. Entonces Liszt procedió a interpretar todas las composiciones que Chopin había tocado en la velada famosa, y lo hizo con tal pureza que los emocionados asistentes creían que el polaco repetía su concierto anterior. De pronto, se detuvo, prendió una cerilla y encendió las velas que había encima del piano. Asombro en la sala. ¡Creíamos que era Chopin!, a lo que el bromista contestó, saludando: «Como veis, Liszt puede ser Chopin cuando quiera, pero Chopin, ¿podría ser Liszt?» Nunca se supo, porque Chopin, tal vez por temor, quizá por orgullo, no aceptó el desafío, con lo que la pugna quedó en tablas.

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* Texto tomado del libro George Sand y Frédéric Chopin. Parejas que hicieron historia (1999), de Fernando Díaz-Plaja, Plaza & Janés

En el sitio del diario La Nación se puede encontrar otra versión del mismo relato

De cronopios melómanos

2010-02-12T10:48:00.000-08:00

[Hoy hace 26 años falleció Julio Cortázar]

Si hay un escritor dedicado a su arte tanto como a la música ese quizá es Cortázar. En efecto su talento narrativo trascendió sus habilidades musicales. Como se sabrá fue un trompetista amateur y un melómano como pocos. Algunas anécdotas señalan que Cortázar además tocó el clarinete y el piano.

En textos como El Perseguidor o en la monumental Rayuela, nos demuestra su enorme sapiencia musical, así como su gusto refinado por el jazz.

Sin embargo, sus conocimientos y gustos musicales no sólo se quedan estancados en el jazz. Cortázar era un genuino conocedor del arte musical, y no sólo del entorno academista clásico, también del contemporáneo. Esto último puede corroborarse con la enorme cantidad de datos musicales que abundan en Rayuela y en otros tantos textos compilados en La Vuelta al Día en Ochenta Mundos.

Para no ir muy lejos, esta vez quisiera señalar un texto que me ha llamado mucho la atención. Se trata del cuento inédito (publicado ahora en Papeles Inesperados) titulado Manuscrito hallado junto a una mano, en el cual Cortázar nos muestra al gran narrador que fue, pero también al gran melómano.

La estructura del cuento está explicada en el mismo título. La historia contada es un manuscrito que (hipotéticamente) es hallado junto a la mano del escritor y nosotros somos los descubridores de ese texto. Desde ahí empieza la complejidad narrativa de Cortázar, la cual nos recuerda a otro cuento célebre, Continuidad de los parques.

Otro aspecto que es de llamar la atención es la enorme cantidad de referencias musicales, en especial a violinistas de alto calibre. Los violinistas que conforman el cuento son, quizá, algunos de los más grandes de todos los tiempos:

Nathan Milstein

Ruggiero Ricci

Isaac Stern

Arthur Grumiaux

Zino Francescatti

Yehudi Menuhin

Ricardo Odnoposoff

Christian Ferras

Ivry Gitlis

Jascha Heifetz

Leonid Kogan

David Oistrakh

Narrarles el cuento y la relación de los violinistas antes mencionados con los hechos de la historia, sería arruinarles toda la sorpresa. En 6 páginas, Cortázar hace gala de su gran capacidad de unificar hechos ficticios con eventos y personajes reales, y luego arrancarnos una sonrisa, el mismo placer que quizá él haya sentido al escuchar a este grupo de violinistas reunidos, con la brevedad, la ironía y el virtuosismo de un Capricho de Paganini.

Nathan Milstein interpreta "Paganiniana"

Doce razones por las que no escucho ópera (de Eusebio Ruvalcaba)

2009-12-23T12:37:00.000-08:00

Como cada diciembre, un gordo llega y nos colma de regalos, ¿no es así?... bueno, no; pero yo sí les dejo un regalito que descubrí en un libro de Eusebio Ruvalcaba, genial escritor, ensayista, poeta, pero sobre todo, melómano; ya que además fue hijo de músicos, su padre fue el gran violinista (primer violín del Cuarteto Léner), Higinio Ruvalcaba.

El siguiente texto lo añado textual porque me parece muy entretenido e informativo, además porque me sentí extrañamente aludido e identificado en él. Dice así:

Doce razones por las que no escucho ópera*

Para Aída Aguilar

1. Por ignorante.
2. Porque cuando le preguntaron a Brahms la razón por la que no había compuesto ópera, respondió sin más: «Hay dos cosas que nunca haré: casarme y componer una ópera». Como mero escucha, yo me sumo a las preferencias brahmsianas, aunque demasiado tarde en cuanto al matrimonio.
3. Porque no creo nada de lo que está pasando en el escenario.
4. Por que no tengo paciencia para escuchar una historia que avanza a pasos de tortuga.
5. Porque musicalmente la ópera nunca me dará lo que me da la música de cámara: la intimidad, el recogimiento y el alborozo individual, ni tendrá jamás esa inmutable capacidad de permitirme mirar hacia dentro de mí, gozar la música en el sentido más profundo, reconciliarme con la vida y agradecer el hecho de estar vivo. Algo que solamente leyendo El sermón en la montaña es posible obtener, en mi caso.
6. Porque el mundillo de la ópera inequívocamente me remite al taurino.
7. Porque, por regla general, las sopranos son incapaces de sentarse a escuchar respetuosamente un cuarteto de cuerdas -bueno, ni siquiera irrespetuosamente.
8. Porque la voz la prefiero un millón de veces a través del género lied o bien de la música sacra, géneros antitéticos de la ópera.
9. Porque las oberturas me parecen tan increíblemente bellas, digamos perlas en las que está concentrado todo el arte de la música; creo que las oberturas son la mejor puerta de entrada a la música. Las oberturas me dan todo. Su unidad es perfecta, principian y terminan de un modo expedito, nada en ellas sobra o falta. Por lo que me pregunto: ¿cómo voy a ser capaz de ponerme a escuchar una ópera, que musicalmente constituye lo opuesto de la obertura? En otras palabras, ¿cómo podría pasar de un poema a una telenovela sin alterar mi sistema nervioso, terminar psicotizado, salir a la calle y asesinar a una piadosa ancianita?
10. Porque los atrilistas de una orquesta sinfónica no tienen nada que ver con el divismo de los cantantes; antes bien, los tenores y sopranos que se dignan dirigirles la palabra a los músicos del foso se cuentan con los dedos de la mano. Desde luego, esto no tiene nada que ver conmigo, porque ni soy músico ni toco en una sinfónica, pero lo saco a colación nomás por no dejar.
11. Porque solamente se puede gustar de un género como la ópera -o como cualquier género- cuando se lo mama desde niño, desde el vientre materno, y en mi casa nunca se escuchó más que música de cámara.
12. Porque prefiero vivir con esa laguna en mi cultura. Después de todo, no deja de ser excitante saber que hay una puerta cuyo umbral uno nunca se atreverá a cruzar.

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* Tomado de Con los oídos abiertos. Aproximaciones al mundo de la música (2002). Paidós Amateurs.

Eusebio Ruvalcaba

Este post no es para desdeñar a la ópera, yo mismo he intentado escuchar diversas óperas y, en ocasiones, lo he logrado. He visto al menos media docena de óperas en formato DVD, y quizá dos o tres no me han conducido al reino de Morfeo.

También existen algunas óperas contemporáneas cuyo trama es mucho más interesante que aquellas óperas decimonónicas.

Quizá es por eso que la mayoría de los cantantes y productores de ópera, programen más conciertos con las Arias aclamadas y concidas, que esas costosas producciones a las que sólo asiste gente con muchos recursos, pero con pocas covicciones con respecto al arte y la música.

Ligeti: Trois études

2009-12-13T21:08:00.000-08:00

Pierre-Laurent Aimard interpreta tres estudios para piano del primer libro de György Ligeti. Los estudios son: Étude I: Désordre; Étude III: Touches bloquées; y Étude VI: Automne à Varsovie

En este sitio podrán encontrar el disco György Ligeti Edition Vol. 3, donde se encuentran los 15 estudios para piano y Música Ricercata, obras interpretadas por el pianista francés Pierre-Laurent Aimard

Sinfonía Vapor

2009-12-01T21:24:00.000-08:00

El sábado pasado (28 de noviembre), y como ya había mencionado), se llevó a cabo el concierto denominado Sinfonía Vapor.

El concierto se denomina así porque conmemora una obra del compositor Melesio Morales -la homónima Sinfonía Vapor-, que fue compuesta ex profeso para la inauguración de la estación de ferrocarriles de la Ciudad de Puebla en el año 1869. Dicha estación es actualmente el Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos.

El concierto tuvo una duración aproximada de una hora, con una afluencia enorme de gente, ya que esta vez la difusión fue muy amplia.

La Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, dirigida por Antonio Tornero, dio una cátedra de cómo debe interpretar una orquesta sinfónica profesional. Las obras interpretadas no fueron sencillas, y la ejecución en general fue de alto nivel.

Les dejo un par de fotos del concierto.

Música de Ferrocarriles

2009-11-26T22:45:00.000-08:00

Si están en Puebla este sábado (28 de noviembre) les recomiendo ampliamente asistir a este concierto, donde se interpretarán las siguientes obras:

Música Para charlar de SILVESTRE REVUELTAS
Máquina Férrea (Tocatta Ferrocarrilera) de LEONARDO CORAL
Las Cuatro Estaciones Férreas de ARTURO MÁRQUEZ
Sinfonía Vapor de MELESIO MORALES

El concierto corre a cargo de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, dirigida por Antonio Tornero, quienes además anunciaron este año realizar la primera grabación de la Sinfonía Vapor de Melesio Morales, junto a las obras antes mencionadas, como ellos mismos anunciaron en su blog.

Todas las obras del concierto son alusivas a los ferrocarriles. y de ahí que la interpretación de las mismas sea en el Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos.

Este repertorio ya ha sido interpretado en este sitio desde hace varios años, y conmemora el hecho de la inauguración de la estación ferroviaria en Puebla en 1869. De hecho la pieza de Melesio Morales, la cual utiliza una locomotora real, fue compuesta para aquella ocasión.

Melesio Morales

Para más información, consultar la cartelera cultural del MNFM.

Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos
11 Nte. 1005, Col. Centro. C.P. 72000 Puebla, Pue

Alamaailman Vasarat

2009-11-19T07:35:00.000-08:00

"It's all about art and its absence."

¿Alguna vez conocieron un ensamble con esta dotación instrumental? Un saxofón soprano, una trombón, dos cellos amplificados y/o distorsionados, y sintetizador.

Si has escuchado un ensamble así, seguramente se trataba de Alammailam Vasarat (Martillos del Inframundo).

Ellos se autodenominan como una banda de kebab-kosher-jazz-film-traffic-punk-music, y quizá ni con esa gran denominación podrían cubrir todas las gamas sonoras que logran con su peculiar estilo.

Dejo este video (con un toque surrealista), para que deleiten sus oídos.

Si quieren escuchar un poco más de esta peculiar agrupación, quizá puedan empezar con Maahan, del 2007.

Klezmerson

2009-11-10T21:45:00.000-08:00

¿Qué les puedo decir? Hace poco escuché en vivo a Klezmerson. Desde hacía un par de meses había escuchado su segunda producción discográfica (Klezmerol, 2009), y había quedado encantado. Sin embargo, en vivo son mucho mejores.

Klezmerson, como su nombre lo dice, interpreta música klezmer (música judía de los países de Europa del Este), y la fusiona con otros estilos, esencialmente jazz, rock, son y otros ritmos.

La dotación instrumental que tienen se asemeja un poco a la del Bar Kokhba Sextet de John Zorn, sin que en ningún momento se pierda la originalidad de la banda.

Es la única agrupación mexicana de klezmer que conozco. Esperemos que el proyecto siga creciendo, y que otros músicos mexicanos se interesen por este género musical que sigue expandiéndose en todo el mundo.

[Más adelante hablaré de Alamaailman Vasarat, banda de klezmer finlandesa que se presentó en el FIP]

Por lo mientras escuchen a Klezmerson.

Y si les gustó, chequen esta página, donde pueden bajar el disco.

Lección de música (de Douglas F. Hofstadter)

2009-10-26T16:46:00.000-07:00

Otra vez el Ismo*

Cage ha encabezado un movimiento dirigido a anular los límites entre arte y naturaleza. En música, la noción correspondiente es que todos los sonidos son iguales: una especie de democracia acústica. Así, el silencio tiene exactamente la misma importancia que los sonidos organizados. Leonard B. Meyer, en su libro Music, the Arts, and Ideas, ha denominado "trascendentalismo" a este movimiento musical, y afirma:

Si la distinción entre arte y naturaleza es errónea, la evaluación estética carece de pertinencia. No hay mayor fundamento para juzgar una sonata para piano que para juzgar una piedra, un trueno o una estrella de mar. "Los enunciados categóricos tales como correcto e incorrecto, bello y feo, típicos del pensamiento racionalista de la estética tonal", escribe Luciano Berio, "ya no son útiles para comprender por qué ni cómo un compositor actual trabaja con las formas audibles y la acción musical".

Más adelante, Meyer expone la posición filosófica del trascendentalismo:

... Todas las cosas, en todo tiempo y espacio, están inextricablemente conectadas entre sí. Todas las divisiones, clasificaciones y distribuciones asignadas al universo son arbitrarias. El mundo es un acontecimiento complejo, continuo y único.

Creo que "trascendentalismo" es una denominación excesivamente abultada para este movimiento. En su lugar, yo lo llamaría "ismo". Tratándose de un sufijo sin prefijo, sugiere una ideología sin ideas, lo cual, pese a lo que pueda interpretar el lector, quizá sea el caso. Y, puesto que "ismo" abarca lo que sea que fuere, es una denominación perfectamente adecuada. Ismo es el espíritu del zen en el campo del arte; y, así como el objetivo central del zen es el desenmascaramiento del yo, el problema central del arte de nuestro siglo parece ser el descubrimiento de qué es el arte mismo. Todos estos estremecimientos son parte de sus crisis de identidad.

Ya hemos visto que la dicotomía uso-mención, cuando es desarrollada, se transforma en el problema filosófico del dualismo símbolo-objeto, el cual, a su vez, se vincula con el misterio de la mente. A propósito de su cuadro La condición humana I, Magritte escribió:

Frente a una ventana, vista desde el interior de una habitación, coloqué una pintura que representaba exactamente la parte del paisaje que quedaba oculta por la propia pintura. En consecuencia, el árbol representado impide la visualización del árbol situado detrás suyo, fuera de la habitación. Por así decir, el árbol existe de dos formas simultáneas en la mente del espectador: dentro del cuarto, en la pintura y fuera del cuarto, en el paisaje real. Y esto se asemeja a la manera en que vemos el mundo: lo consideramos exterior a nosotros, pese a que no es sino una representación mental de nuestras experiencias internas.

_____________________
* Hofstadter, Douglas F. (2007). Gödel, Escher, Bach. Un Eterno y Grácil Bucle. Fabula Tusquets Ediotores. Págs. 785 y 787.

Uti vår hage

2009-09-18T17:03:00.000-07:00

Uti vår hage (En nuestro jardín), canción popular sueca, interpretada por Ana Laan (del disco Orégano)

Uti vår hage

Viento (de Frank O'Hara)

2009-09-11T10:58:00.000-07:00

Snow Falls (fragmento de Three Voices), de Morton Feldman, basado en el poema de O'Hara

A Morton Feldman

Quién hubiera pensado
que la nieve
girando siempre en círculos
como un pensamiento
   en la esfera de vidrio
cerca de mí y mi oso

El encierro
               entonces me pareció bello
el giro de la nieve
                            nunca nada cayó
ni mi pequeño oso
                            malos pensamientos
cautivos en el vidrio

la belleza cedió su sitio al mal

Y la nieve sólo gira
                            en vientos fatales
brevemente
                            después cae

siempre aborreció el encierro
                                            bestias
amo el mal

Joan La Barbara

Confianzas (de Juan Gelman y Gotan Project)

2009-09-07T14:15:00.000-07:00

se sienta a la mesa y escribe
«con este poema no tomarás el poder» dice
«con estos versos no harás la Revolución» dice
«ni con miles de versos harás la Revolución» dice

y más: esos versos no han de servirle para
que peones maestros hacheros vivan mejor
coman mejor o él mismo coma viva mejor
ni para enamorar a una le servirán

no ganará plata con ellos
no entrará al cine gratis con ellos
no le darán ropa por ellos
no conseguirá tabaco o vino por ellos

ni papagayos ni bufandas ni barcos
ni toros ni paraguas conseguirá por ellos
si por ellos fuera la lluvia lo mojará
no alcanzará perdón o gracia por ellos

«con este poema no tomarás el poder» dice
«con estos versos no harás la Revolución» dice
«ni con miles de versos harás la Revolución» dice
se sienta a la mesa y escribe

Gotan Project, Confianzas, electrotango y poesía de Juan Gelman

Mirada sonora

2009-08-30T21:00:00.000-07:00

Hay un pedazo de mí que se escapa de la música...

ese trozo de silencio absorbe con sus ojos las melodías adversas del tiempo

traza una melodía torpe que marcan los pasos en la banqueta

se consume mientras los otros caminan en cadencias sinuosas y tangentes

en una bicicleta sin ruedas volamos por veredas invisibles

heridos por el viento de las voces que no callan

zigzagueamos zigzagueamos zigzazigzazigza...

como el sonido que no cabe en los oídos

Elysian Fields: Jack in the Box

2009-08-27T10:17:00.000-07:00

Algún buen samaritano subió este video de una de mis canciones favoritas de Elysian Fields. Disfruten la belleza de Jennifer Charles, pero sobre todo su voz, que es maravillosa.

Elysian Fields, Jack in the Box

Tres peras y el gusanito de la música* (de Alberto Blanco)

2009-08-18T09:31:00.000-07:00

Esto no es una pera, es Satie detrás de una pera detrás de Magritte

(la imagen original fue tomada de Wikipedia, pero la idea es de otra blogger)

a Eric Satie

Perdido

ventanas

abiertas

a la luz

retirándose

del corazón

Más allá

todo espacio

genera

toda especie

III

La certeza

de no tener

certeza

fruto

de la luz

madura

___________________
*Blanco, A. (2005). Música de Cámara Instantánea. México: CONACULTA.

Eric Satie, "Trois morceaux en forme de poire" (Tres piezas en forma de pera), interpretadas por Aldo Ciccolini

Satie por Joan Miró

Intervalo vacuo

2009-07-31T21:54:00.000-07:00

Del ruido

al silencio

hay un

fragmento

de la

nada

en ese abismo

sombras

pernocta

un murmullo

que no

sale

de tu

boca

Del ruido

al silencio

hay un

intervalo

vacío

es un

sonido

inconexo

que sólo

escuchan

los ciegos

Oliver Messiaen, Quatuor pour la fin du temps, III. Abîme des oiseaux, interpretado por el Cuarteto Messiaen

Helikopter Streichquartett (documental)

2009-07-18T14:56:00.000-07:00

Rara vez hago reseñas de documentales, pero creo que éste vale la pena.

Una de las obras musicales que más me ha impresionado por su realización es el Cuarteto de los Helicópteros de Karlheiz Stockhausen. Pero no sólo por la obra en sí (que por supuesto es genial), sino porque el proyecto implica un trabajo técnico notable.

Según mi información la interpretación de esta obra se ha llevado a cabo una sola vez conforme a los estrictos lineamientos del compositor. Aunque también cabe señalar que el ambicioso proyecto es parte de una obra titulada Mittwoch Aus Licht (Miércoles de Luz), ópera que, a su vez, es parte del ciclo Licht, la obra musical más ambiciosa y de mayor envergadura de Stockhausen.

Para que esta obra se pueda llevar a cabo se necesita un cuarteto de cuerdas, cuatro helicópteros, cuatro excelentes pilotos y una infraestructura para proyectar audio y video en vivo lo que acontece dentro de los artefactos voladores mientras se interpreta la obra, pues consiste en el sonido de los instrumentos de arco junto con el sonido de los rotores de los helicópteros; es decir, el sonido de cada intérprete, en cada helicóptero, es transmitido en vivo a una audiencia que puede escuchar en 4 canales de audio el sonido en conjunto, además de que 4 cámaras al mismo tiempo, transmiten toda la acción.

Stockhausen no estaba convencido en componer una obra para cuarteto de cuerdas, a pesar de la insistencia de los organizadores del Festival de Salzburgo, ya que le parecía un tanto anacrónico; sin embargo, como él lo señala, luego de tener un sueño en el que un cuarteto de cuerdas tocaba en el interior de cuatro helicópteros a pleno vuelo, se convenció. Sin embargo, no todo fue tan simple, porque en el Festival de Salzburgo no les pareció viable la idea de Stockhausen; por lo que fue hasta 4 años después (1995), cuando pudo interpretarse esta pieza, en el Festival de Holanda, a cargo del cuarteto de cuerdas contemporáneo más emblemático de nuestros días, el Arditti String Quartet.

Sin duda esta pieza es una oda al ingenio y la tecnología, pues el discurso es muy claro, combinar los instrumentos tradicionales con máquinas modernas, el posmodernismo en su máxima expresión.

Este documental está disponible en el blog Aula Electroacústica (click aquí).

Rohan de Saram abordando al helicóptero número 1 (no le crean a la picture, en realidad su violoncello no es tan psicodélico)

Black Angels de George Crumb

2009-07-08T17:47:00.000-07:00

Black Angels, del compositor norteamericano George Crumb, es uno de los cuartetos de cuerda más singulares de todos los tiempos.

Para empezar es denominado cuarteto de cuerdas electrónico, pues requiere la amplificación de los instrumentos, además del uso de otros elementos sonoros poco convencionales en una pieza de esta naturaleza.

George Crumb le pide a los intérpretes que además de hacer uso de técnicas extendidas de los instrumentos de cuerdas (como tocar con el lado contrario del arco), que toquen algunos instrumentos de percusión, como un gong, tam-tams, copas con agua, maracas, y además de esto que canten y hasta griten (por eso les coloca micrófonos a cada uno).

También cabe destacar que la pieza posee una connotación bien clara, pues se trata de un grupo de piezas fúnebres, danzas, pavanas y trenos o lamentos fúnebres, inspirados en la Guerra de Vietnam, pero también con claras alusiones místicas y religiosas. Como lo dice el blog oficial del compositor, el nombre Black Angels hace referencia a la figura del ángel caído, pero también hay referencias simbólicas a lo largo de la obra, como las escalas descendentes que utiliza (Mi, La y Do#), que según la página del compositor representa los "proféticos" números 7 y 13. Asimismo los músicos entonan una especie de conteos rituales en diferentes lenguas, incluyendo el lenguaje Swahili.

Black Angels también hace uso de la citación musical, utilizando obras como el Cuarteto de Cuerdas No. 14 ("La muerte y la doncella") de Franz Schubert, varias referencias del cántico medieval Dies Irae (Día de ira), el uso del intervalo llamado popularmente Diabolus in musica o Tritono (la cuarta aumentada) y el Il Trillo del Diavolo (el Trino del Diablo) de Giuseppe Tartini.

La obra se divide en 3 movimientos (Salida, Ausencia y Retorno), pero cada uno de ellos a su vez se divide en partes:

DEPARTURE

Threnody I: Night of the Electric Insects
Sounds of Bones and Flutes
Lost Bells
Devil-music
Danse Macabre

ABSENCE

Pavana Lachrymae
Threnody II: Black Angels!
Sarabanda de la Muerte Oscura
Lost Bells (Echo)

RETURN

God-music
Ancient Voices
Ancient Voices (Echo)
Threnody III: Night of the Electric Insects

Black Angels de George Crumb, interpretado por Arsis4

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Escucha... El grito del silencio

2009-06-22T11:57:00.001-07:00

Este martes (23 de junio) a las 7pm (GMT -5:00) en El grito del silencio:

Especial Guitarra Contemporánea (en homenaje a Leo Brouwer, quien dará clases magistrales de guitarra en la Ciudad de Puebla):

Leo Brouwer (Tercer movimiento de su Sonata para guitarra, interpretada por Graham Anthony Devine);
Giacinto Scelsi (Ko-Tha - tre danze di shiva per chitarra trattata come uno strumento a percussione - II, interpretada por Michael Kiedaisch)
Giacinto Scelsi (Improvisation X para guitarra, contrabajo y trombón, interpretado por Michael Kiedaisch, Stefano Scodanibbio y Michael Svoboda)

Badi Assad (Libra Sonatine, Fuoco de Roland Dyens);

Al Di Meola (Tema de María, de A. Piazzolla);
Eduardo Isaac y Badi Assad (Fragmento de Köln Concert de Keith Jarrett)
Sérgio & Odair Assad (Zita, de la Suite Troileana de A. Piazzolla);
Eliot Fisk (Capricho No. 5 de N. Paganini, arr. para guitarra)
Omaggio a Berio (Experimento sonoro que utiliza obras de Michel Chion, Luciano Berio y Heitor Villa-Lobos)
y muchos ruidos más...

por Hambre Radio

Escúchalo también este jueves (25 de junio) a las 7pm (GMT -5:00) por Radio Rebumbio

¡ESCUCHA!...

El Grito del Silencio

[donde la radio hace ruido]

un espacio para los oídos que escuchan

Escúchame todos los martes de 7 a 8 pm (GMT -5:00), por Hambre Radio (http://www.hambreradio.net/)

...y los jueves de 7 a 8 pm (GMT -5:00), por Radio Rebumbio
(http://www.radiorebumbio.com/)

Música experimental
Arte Sonoro
Radioarte

Música Electroacústica y Electrónica
Jazz

Rock experimental
Y más ruidos...

Cuarteto de genios* (de Alberto Blanco)

2009-06-17T14:24:00.000-07:00

a Igor Stravinsky

En mayo de 1922, en París,
justo después de la publicación del Ulises
y medio año antes de la muerte
del autor de En busca del tiempo perdido

Se encontraron
por única vez, en una cena,
cuatro genios del siglo XX:
Joyce, Proust, Picasso y Stravinsky.

Joyce había leído unas cuantas páginas de Proust
y no había reconocido allí ningún talento.
Proust, por su parte,
nunca había oído hablar de Joyce.

Picasso ocupó la velada
cortejando a las jóvenes presentes
mientras que el aristocrático Stravinsky
no le prestó atención a nadie.

Proust se la pasó lamentándose
de su pobre digestión
y Joyce hizo otro tanto
sobre sus legendarios dolores de cabeza.

Podemos imaginar la lujosa mesa
como un bodegón
-una naturaleza muerta-
de Picasso;

Y la música de fondo
como un cuarteto de cuerdas de Stravinsky
punteando por los largos silencios
de la incómoda conversación.
___________________
*Blanco, A. (2005). Música de cámara instantánea. CONACULTA

gracias a Google es bien sabido que hoy es el 127 aniversario del compositor de Petrushka, El pájaro de fuego y La consagración de la primavera

La Consagración de la Primavera, de I. Stravinsky, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londrés, dirigida por Pierre Boulez

Crótalo

2009-06-09T06:12:00.000-07:00

Composición de I. Adiego para castañuelas y violoncello (con poema de Federico García Lorca), interpretado por Iñaki Etxepare y Ludovica Mosca

Crótalo (Federico García Lorca)

Crótalo.

Escarabajo sonoro.

En la araña

de la mano

rizas el aire

cálido,

y te ahogas en tu trino

de palo.

Crótalo.

Escarabajo sonoro.

El grito del silencio (Especial voces contemporáneas)

2009-06-03T08:36:00.001-07:00

El Grito del Silencio

Programa especial dedicado a los cantantes contemporáneos.

El grito del silencio (Cantantes contemporáneos, parte 1)

Urcloud.com
[Duración: 33 minutos]
Fátima Miranda, Demetrio Stratos y Cathy Berberian

El grito del silencio (Cantantes contemporáneos, parte 2)

Urcloud.com

[Duración: 27 minutos]

Badi Assad, Diamanda Galás, Meredith Monk, Dawn Upshaw

Fragmento de "La Ignorancia"* (Milan Kundera)

2009-05-29T10:01:00.000-07:00

[Ver también Kundera sobre Schoenberg]

Ya en 1930 [Schoenberg] escribía: «La radio es un enemigo, un despiadado enemigo que avanza irresistiblemente y contra la que toda resistencia es vana»; la radio, «sin sentido alguno de la medida, nos atiborra de música (...), sin preguntarse si queremos escucharla, si tenemos la posibilidad de percibirla», de tal manera que la música pasa a ser un simple ruido, un ruido entre otros ruidos.

La radio fue el pequeño arroyo en el que todo empezó. Llegaron después otros medios técnicos para reproducir, multiplicar, aumentar el sonido, y el arroyo se convirtió en un inmenso río. Si antaño se escuchaba música por amor a la música, hoy aúlla constantemente por todas partes «sin preguntarse si queremos escucharla», aúlla por altavoces en los coches, en los restaurantes, en los ascensores, en las calles, en las salas de espera, en los gimnasios, en las orejas taponeadas por los walkman; música reescrita, reinstrumentada, acortada, desgajada, fragmentos de rock, de jazz, de ópera, flujo en que todo se entremezcla sin que se sepa quién es el compositor (la música convertida en ruido es anónima), sin que se distinga el principio del fin (la música convertida en ruido no sabe de formas): el agua sucia de la música en la que muere la música.
________________
Kundera, M. (2005). La Ignorancia. Maxi Tusquets. Fragmentos tomados de las páginas 147 y 148.

... y es que los sonidos son promiscuos, pues fornican con todos los oídos.

Sonidos promiscuos

Urcloud.com

Si te quiero es porque sos...

2009-05-19T20:31:00.000-07:00

Nacha Guevara y Mario Benedetti

Te quiero

Urcloud.com

Tus manos son mi caricia

mis acordes cotidianos

te quiero porque tus manos

trabajan por la justicia

si te quiero es porque sos

mi amor mi cómplice y todo

y en la calle codo a codo

somos mucho más que dos

Poema de Mario Benedetti, interpretado por Nacha Guevara, con la voz del mismo Benedetti impostada en la grabación.

___________________

Bandoneón (rúbrica de radio, fondeado con Fuga y Misterio de Piazzolla)

Urcloud.com

Bandoneón

Me jode confesarlo

pero la vida e también un bandoneón

hay quien sostiene que lo toca dios

aunque yo estoy seguro de que es Troilo,

ya que dios apenas toca el arpa
y mal...

La Mar Enfortuna

2009-05-11T20:10:00.000-07:00

Al menos hay un centenar de artistas que me gustaría ver y escuchar en vivo; sin embargo, en estos momentos, si pudiera elegir, escogería el siguiente concierto:

La Mar Enfortuna en el Festival de la Cultura Judía, en Cracovia

Lamma Badah

Ta Ostatnia Niedziela (Tema de Piazzolla)

Gacel del amor que no se deja ver (poema de Federico García Lorca)

El Eliyahu

Persona soy yo, el buen Sidi

Estudio en grises* (de Alberto Blanco)

2009-05-07T19:47:00.000-07:00

a Claude Debussy

La danza de las teclas es el velo
de aquel paisaje gris que se adivina
detrás de la ventana que ilumina
al pianista y al piano frente al cielo

En otro piano despertó el anhelo
que hoy ya toca a su fin cuando declina
la tarde donde el sol se difumina
como un paisaje impresionista al vuelo

París de cielo gris y piedra gris,
de nubes blancas y de bocas rojas
como un lugar común que para mí

Ha dejado de ser sólo un Matisse,
sólo un Utrillo más donde las hojas
secas recuerdan siempre a Debussy.
_____________________________
*Blanco, A. (2005). Música de cámara instantánea. CONACULTA

Arturo Benedetti Michelangeli (1920-1995) interpreta Reflets dans l'eau de Claude Debussy

Cuarteto número ocho* (de Alberto Blanco)

2009-04-30T15:56:00.000-07:00

a Dmitri Shostakovich

Después de un largo otoño de ojos secos
Solamente una cosa es bien sabida:
Con el tiempo la muerte cobra forma
Humana... la raíz está dormida.

Una dramática música se escucha:
El invierno despierta en la ventana...
En el hospicio de las estaciones
La muerte es la paciente soberana
________
*Blanco, A. (2005). Música de cámara instantánea. Conaculta

The Attacca Quartet interpreta el Cuarteto de Cuerdas No. 8 de Shostakovich

El grito del silencio

2009-04-27T19:52:00.001-07:00

El grito del silencio

Urcloud.com

¡ESCUCHA!...

El Grito del Silencio

[donde la radio hace ruido]

un espacio para los oídos que escuchan

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L'après-midi d'un faune

2009-04-22T22:29:00.000-07:00

Caricatura de Mallarmé como un fauno

Ces nymphes, je les veux perpétuer.

Si clair,

Leur incarnat léger, qu'il voltige dans l'air

Assoupi de sommeils touffus.

Aimai-je un rêve?

Mon doute, amas de nuit ancienne, s'achève

En maint rameau subtil, qui, demeuré les vrais

Bois même, prouve, hélas! que bien seul je m'offrais

Pour triomphe la faute idéale de roses.

"L'après-midi d'un faune", Stéphane Mallarmé

Debussy fue sin dudas el compositor más importante de su generación, y uno de los más innovadores en el periodo que comprende el fin del siglo XIX y principios del siglo XX.

Sus parámetros compositivos no sólo se ajustaron perfectamente a la época del Impresionismo y el Post-impresionismo pictórico, además del movimiento Simbolista en la literatura, sino que fueron una renovación total en el sistema de composición. La paleta de colores que añadió fue un respiro para ese exceso de dramatismo que pregonaba la escuela alemana abanderada por Wagner y Strauss.

Como buen Impresionista, a Debussy le gustaba la poesía de sus contemporáneos, y entre estos su favorito era Mallarmé. Cuando este notable poeta escribió L'après-midi d'un faune (La siesta de un fauno), en 1876, Debussy se sintió tan extasiado e inspirado, que decidió musicalizar ese sentimiento. Fue así que varios años después, en 1892, compuso una de sus obras más celebradas, el Prélude à l'après-midi d'une faune; obra que cautivó a muchos, e incluso al mismo Mallarmé, quien le escribió:

¡No esperaba nada semejante! Esta música prolonga la emoción de mi poema y describe la escena más vividamente que el color... Su ilustración de La siesta de un fauno no presenta ninguna disonancia con mi texto, excepto para ir más allá, y penetrar la nostalgia y la luz, con finura, con desazón, con riqueza.

La pieza en sí no es programática, sino una adaptación muy libre del sentimiento que invadió a Debussy al leer este poema. De hecho el mismo Debussy escribió en el programa del estreno de la obra lo siguiente:

La música de este Preludio constituye una ilustración muy libre del hermoso poema de Mallarmé. De ningún modo pretende ser una síntesis de este último. Se trata más bien de las escenas sucesivas a través de las cuales pasan los deseos y los sueños del fauno en el calor de su siesta. Luego, cansado de perseguir el tímido vuelo de las ninfas y de las náyades, sucumbe a un sueño embriagador, en el que por último puede realizar sus sueños de posesión en la naturaleza universal.

Profundo, ¿no es así?

Mejo escúchenlo, y de manos de una de las mejores batutas de la historia, Leopold Stokowkski (el mismo que alguna vez dirigió a Rachmaninov en los años 30), quien dirigió esta magnífica obra en 1972.

Fernando Suárez Paz en Puebla

2009-04-15T21:57:00.000-07:00

Piazzolla y Suárez Paz

El día de mañana (16 de abril), a las 8 pm, Fernando Suárez Paz, el emblemático violinista de Astor Piazzolla, y su quinteto, así como la Camerata Bariloche, se presentarán en el zócalo de Puebla, en el marco del Festival Barroquísimo.

Suárez Paz participó en los 10 años de existencia del Quinteto Nuevo Tango de Piazzolla, grabando discos tan emblemáticos como Concierto en el Teatro Colón, The New Tango (con Gary Burton), Nácar Concert, The Rough dancer and the cyclical night, The Central Park Concert y un enorme etcétera.

A su vez, Suárez Paz, quien como se darán cuenta ahora cuenta con su propio quinteto, ha grabado muchos más discos, llevando a todo el mundo la música que compuso el genial Astor Piazzolla.

En el concierto de mañana tocarán las 4 estaciones de Piazzolla y las 4 estaciones de Vivaldi, combinación que ya había presentado en disco, Gidon Kremer y su Kremerata Baltica.

Esperen la reseña del concierto

Para mayor información consultar la programación del festival.

Fernando Suárez Paz y su quinteto interpretan Escualo, pieza que Piazzolla le dedicó a este genial violinista

Hika* (de Alberto Blanco)

2009-04-14T20:54:00.000-07:00

a Leo Brouwer

Mariposa
que se posa:
hojas secas.

Hojas secas
que se elevan:
mariposa.
________

* Blanco, Alberto. (2005). Música de cámara instantánea. CONACULTA.

Leo Brouwer, Hika (a la memoria de Toru Takemitsu), interpretada por Roman Viazovskiy

Ver también And then I knew't was the wind

60 X 60 a circle of sound

2009-04-06T22:39:00.000-07:00

Counting Time

Urcloud.com

La idea es similar a lo que realizó Guy Livingston con Don't panic, 60 seconds for piano (que ya había posteado anteriormente). Sesenta compositores crean una obra de un minuto o menos. Sin embargo, a diferencia del proyecto de Livingston, éste fue pensado para ser un concierto, y más adelante se editó un disco con todas las piezas.

De acuerdo con lo que dice la página de la casa productora del disco (Vox Novus), el material está hecho para escucharse de tres maneras (muy estilo Rayuela): en primera instancia, como está dispuesto, es decir, en el orden de los tracks; la segunda de forma aleatoria; y por último, escuchar cada pieza por separado y de forma repetida, para descubrir los métodos compositivos de cada autor.

El disco es una especie de composición en colectivo, y aunque en realidad es bastante ecléctica, es inevitable percatarse de los estilos diversos de los creadores de cada pieza.

El proyecto en sí es bastante interesante, no sé si el resultado será el esperado, pues un disco jamás causará el mismo impacto que un concierto. Aun así, me parece que vale la pena darle una oída a este proyecto.

En la página de Aula Electroacústica están las ligas para bajarlo.

Lección de Música* (Charles Bukowski)

2009-04-04T23:56:00.000-07:00

La música clásica era mi principal refugio. Escuchaba la mayor parte de ella en la radio, y sigo haciéndolo. Y nunca deja de sorprenderme, incluso ahora, cuando oigo algo fuerte y nuevo que no había oído antes, y ocurre bastante a menudo. Mientras escribo esto estoy escuchando en la radio algo que no había oído hasta ahora. Me regalo con cada nota como un hombre hambriento de una nueva oleada de sangre y significado, y ahí está. Toda esta masa de música sublime, siglos y siglos de música, me deja completamente maravillado. Debe de ser que una vez vivieron muchos grandes espíritus. No me lo puedo explicar, pero es mi gran suerte en la vida tener esto, sentir esto, alimentarme de ello y celebrarlo. Nunca escribo nada sin la radio puesta, con música clásica sintonizada; siempre ha sido parte de mi trabajo, escuchar esta música mientras escribo. Quizá, algún día, alguien me explique por qué una parte tan grande de la energía del Milagro se encuentra en la música clásica. Dudo que alguien me lo diga alguna vez. Siempre tendré que preguntármelo. ¿Por qué, por qué, por qué no hay más libros que tengan ese poder? ¿Qué le pasa a los escritores? ¿Por qué hay tan pocos buenos?

____________________

*Tomado de la Revista Pauta, vol. 92, octubre-diciembre de 2004 (originalmente publicado en Bukowski, C. El Capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco. Anagrama, 2000)

Bach, Variaciones Goldberg, interpretadas por Glenn Gould

Desde Cracovia...

2009-03-29T22:42:00.000-07:00

Balkan Dance

Urcloud.com

La Bester Band, antes llamada The Cracow Klezmer Band, es una agrupación de cuatro virtuosos que han llevado la música Klezmer, así como el folclor de su país natal y los Balcanes, a extremos inigualables.

Este cuarteto, además, ha participado en el proyecto colectivo de John Zorn y otros músicos judíos, conocido como Masada.

La música de estos intérpretes polacos guarda el misticismo de una tradición musical de cientos de años, combinada con la improvisación y la manufactura virtuosa de cada instrumento, desde el acordeón inigualable de Jarosław Bester, así como el violín, el clarinete, el contrabajo y las percusiones.

Todos sus discos han sido editados por el sello Tzadik, de John Zorn.

Bester Quartet y la Sinfonietta de Cracovia

A pesar de que hayan pasado 182 años...

2009-03-25T20:25:00.000-07:00

Últimamente no escucho mucho a Beethoven, aunque cuando lo hago suelen ser las obras para piano (especialmente las últimas sonatas) y las obras de música de cámara, como la Gran Fuga para Cuarteto de Cuerdas Op. 133, aquí interpretado por el Alban Berg Quartet, quienes han grabado la integral de los cuartetos de cuerda de Beethoven.

Instrumentación (de Luis Buñuel)*

2009-03-08T21:47:00.000-07:00

Una de las grandes melancolías de mi final de vida

es no poder oír la música.

Violines
Señoritas cursis de la orquesta, insufribles y pedantes. Sierras del sonido.

Violas
Violines que llegaron ya a la menopausia. Estas solteronas conservan aún bien su voz de media tinta.

Violoncellos
Rumores de mar y de selva. Serenidad. Ojos profundos. Tienen la persuasión y la grandeza de los discursos de Jesús en el desierto.

Contrabajos
Diplodocus de los instrumentos. El día que se decidan a dar su gran berrido, ahuyentarán a los espectadores despavoridos: ahora les vemos oscilar y gruñir satisfechos por las cosquillas que les hacen contrabajistas en la barriga.

Flautín
Hormiguero del sonido.

Flauta
La flaua es el instrumento más nostálgico. ¡Ella que en manos de Pan fue la voz emocionada de la pradera y del bosque, verse ahora en manos de un buen señor gordo o calvo!... Pero aun así, continúa siendo la Princesa de los instrumentos.

Clarinete
Es una flauta hipertrofiada. Algunas veces, el pobre, suena bien.

Oboe
Balido hecho madera. Sus ondas, profundos misterios líricos. El oboe fue hermano gemelo de Verlaine.

Corno inglés
Es el oboe ya madro, con experiencia. Ha viajado. Su exquisito temperamento se ha tornado más grave, más genial. Así como el oboe tiene quince años, el corno tiene treinta.

Contrafagot
Es el fagot del terreno terciario.

Arpas
Balcones dorados por donde unas señoritas endomingadas asoman sus bustos.

Xilófono
Juegos de niños. Agua de madera. Princesas tejiendo en el jardín rayos de luna.

Trompeta con sordina
Clown de la orquesta. Contorsión, pirueta. Muecas.

Cornos
Ascensión a una cumbre. Salida del sol. Anunciación. ¡Oh! El día que se desenrrollen como un "espantasuegras".

Trombones
Temperamento un poco alemán. Voz profética. Sochantres de vieja catedral con hiedras y veleta mohosa.

Tuba
Dragón legendario. Su vozarrón subterráneo hace temblar de espanto a los demás instrumentos, que se preguntan cuándo llegará el príncipe de bruñida armadura que los libere.

Platillos
Luz hecha añicos.

Triángulo
Tranvía de plata por la orquesta.

Tambor
Truenecillo de bambalina. "Algo" amenazador.

Bombo
Obcecación. Grosería. Bom. Bom. Bom.

Timbal
Odres de aceitunas sonoras.

Tres jóvenes mujeres surrealistas que sostienen en sus brazos las pieles de una orquesta (1936), de Salvador Dalí

*Publicado en la revista Pauta, Cuaderno de Teoría y Crítica Musical, No. 107, Julio - Septiembre de 2008.

Music Box

2009-03-04T22:11:00.000-08:00

Músicos
           invisibles
los que
con manos
           tangibles
suministran
vida a los
artilugios
           autómatas

un cucú
que canta o
magnifica al
sonido que se
cruza en su camino

un carrusel
          cabalga
la música
inflamada

la tristeza
de una pianola
           preparada

cuerda a cuerda
o trino a trino

una chasquido
se convierte
en cinta

una lámina
que aguarda
el zumbido
de una mosca

el
métrico
pulsar
de los silencios
entre cada
sonido

el rollo
sucumbe
ante la
inercia

las notas
una

     a

         una

               se

                    disipan

                                  en

                                             la

                                                       nada

Cravo e Canela de Milton Nascimento

2009-03-02T18:55:00.000-08:00

Esta pieza es un ejemplo de los alcances que puede tener el piano preparado (creado por John Cage), ya no en la música experimental, sino en la popular; lo cual, prácticamente, convierte al piano en una orquesta de percusiones.

Bandoneón* (Mario Benedetti)

2009-02-17T17:49:00.000-08:00

Mario Benedetti y Daniel Viglietti: Bandoneón / No tan gotán

me jode confesarlo
pero la vida es también un bandoneón

hay quien sostiene que lo toca dios

pero yo estoy seguro que es troilo

ya que dios apenas toca el arpa

y mal

fuere quien fuere lo cierto es
que nos estira en un solo ademán purísimo
y luego nos reduce de a poco a casi nada
y claro nos arranca confesiones
quejas que son clamores
vértebras de alegría
esperanzas que vuelven

como los hijos pródigos

y sobre todo como los estribillos

me jode confesarlo

porque lo cierto es que hoy en día

pocos

quieren ser tango

la natural tendencia

es a ser rumba o mambo o chachachá

o merengue o bolero o tal vez casino

en último caso valsecito o milonga

pasodoble jamás

pero cuando dios o pichuco o quien sea

toma entre sus manos la vida bandoneón

y le sugiere que llore o regocije

uno siente el tremendo decoro de ser tango

y se deja cantar y ni se acuerda

que allá espera

el estuche.

*Mario Benedetti (1978-1979). Cotidianas.

...y a tanto homenaje al Bandoneón, ¿dónde está el Bandoneón?

...aquí, a manos de Astor Piazzolla, Tristezas de un Doble A

NOTA Doble A (AA) es la marca de bandoneones más famosa, y por supuesto que Piazzolla usaba uno de estos

El Tango (Borges y Piazzolla)

2009-02-16T06:47:00.000-08:00

El Tango (poema con música), con letra de Borges y música de Piazzolla, interpretado por Daniel Binelli, Jairo y Lito Cruz

El tango*
Jorge Luis Borges

¿Dónde estarán?, pregunta la elegía
de quienes ya no son, como si hubiera
una región en que el Ayer pudiera
ser el Hoy, el Aún y el Todavía.

¿Dónde estará (repito) el malevaje
que fundó, en polvorientos callejones
de tierra o en perdidas poblaciones,
la secta del cuchillo y del coraje?

¿Dónde estarán aquellos que pasaron,
dejando a la epopeya un episodio,
una fábula al tiempo, y que sin odio,
lucro o pasión de amor se acuchillaron?

Los busco en su leyenda, en la postrera
brasa que, a modo de una vaga rosa,
guarda algo de esa chusma valerosa
de los Corrales y de Balvanera.

¿Qué oscuros callejones o qué yermo
del otro mundo habitará la dura
sombra de aquel que era una sombra oscura,
Muraña, ese cuchillo de Palermo?

¿Y ese Iberra fatal (de quien los santos
se apiaden) que en un puente de la vía,
mató a su hermano el Ñato, que debía
más muertes que él, y así igualó los tantos?

Una mitología de puñales
lentamente se anula en el olvido;
una canción de gesta se ha perdido
en sórdidas noticias policiales.

Hay otra brasa, otra candente rosa
de la ceniza que los guarda enteros;
ahí están los soberbios cuchilleros
y el peso de la daga silenciosa.

Aunque la daga hostil o esa otra daga,
el tiempo, los perdieron en el fango,
hoy, más allá del tiempo y de la aciaga
muerte, esos muertos viven en el tango.

En la música están, en el cordaje
de la terca guitarra trabajosa,
que trama en la milonga venturosa
la fiesta y la inocencia del coraje.

Gira en el hueco la amarilla rueda
de caballos y leones, y oigo el eco
de esos tangos de Arolas y de Greco
que yo he visto bailar en la vereda,

en un instante que hoy emerge aislado,
sin antes ni después, contra el olvido,
y que tiene el sabor de lo perdido,
de lo perdido y lo recuperado.

En los acordes hay antiguas cosas:
el otro patio y la entrevista parra.
(Detrás de las paredes recelosas
el Sur guarda un puñal y una guitarra.)

Esa ráfaga, el tango, esa diablura,
los atareados años desafía;
hecho de polvo y tiempo, el hombre dura
menos que la liviana melodía,
que sólo es tiempo. El tango crea un turbio
pasado irreal que de algún modo es cierto,
un recuerdo imposible de haber muerto
peleando, en una esquina del suburbio.

*Borges, J. L. (1964). El Otro, El Mismo. Emecé Editores
_______________

Existen dos versiones de las obras de Borges y Piazzolla, que consisten en El Tango (poema con música), Milonga de Jacino Chiclana, Alguien le dice al Tango, El Títere, Oda Íntima a Buenos Aires, A Don Nicanor Paredes y El Hombre de la Esquina Rosada; ambos puedes bajarlos en la siguiente página: http://lakbzuhela.blogspot.com/2009/01/jorge-luis-borges-el-tango-y-piazzolla.html

Acordeón

2009-02-09T19:38:00.000-08:00

Existe un estigma con el Acordeón, pues regularmente se le asocia a ciertos tipo de música vernácula; esto quizá a que se adaptó con facilidad a la música popular en diversos países, entre ellos México.

Sin embargo, durante el siglo XX, el acordeón cromático o bayan fue usado por diversos compositores, sobre todo por sus características sonoras e interpretativas, las cuales fueron explotadas de diversas maneras.

Dentro del catálogo de obras para acordeón vale la pena señalar la Sequenza XIII de Luciano Berio dedicada a Teodoro Anzellotti; De Profundis y Bajo el signo de escorpión, de Sofia Gubaidulina; esta última para acordeón y orquesta.

Teodoro Anzelloti es uno de los intérpretes más destacados del acordeón, e incluso él ha realizado numerosos arreglos de piezas para piano u otros instrumentos, para interpretarlas con su acordeón. Entre las más destacadas están Rrrrrrr de Mauricio Kagel, Musica Ricercata de György Ligeti, varias piezas de John Cage, como Cheap Imitation, Imaginary Landscape No. 1, Dream, etc. Uno de los discos más interesantes de Anzellotti es en el que interpreta varias piezas originales para piano de Eric Satie.

Otros de los intérpretes importantes del acordeón son Stefan Hussong, Eva Zöllner, Jaroslaw Bester y Mie Miki, quienes al igual que Anzellotti, han expandido las fronteras interpretativas del Acordeón.

Teodoro Anzellotti interpreta las primeras tres piezas de Musica Ricercata de György Ligeti

Algunas otras piezas para acordeón

Joheol (fragmento), de John Zorn, interpretado por Jaroslaw Bester (miembro del Klezmer Cracow Band)

Road Runner, de John Zorn, interpretado por Mie Miki

Sequenza XIII (fragmento) de Luciano Berio, interpretada por Teodoro

Anzellotti, a quien está dedicada esta pieza

Gnossiene No. 5 (original para piano) de Satie, interpretada por Teodoro Anzellotti

Rosalie (Rrrrrrr) de Mauricio Kagel, interpretada por Teodoro Anzellotti

El Pueblo Unido Jamás Será Vencido

2009-02-04T08:04:00.000-08:00

Frederic Rzewski interpreta El Pueblo Unido Jamás Será Vencido

Una de las frases de protesta más famosas de la historia tiene sus orígenes en 1973, cuando la agrupación chilena Quilapayún toma dicha consigna para hacerla canción. Más adelante, otra agrupación de raíces folcloristas, Inti-Illimani popularizó la canción, sobre todo durante su exilio en Italia.

El compositor estadounidense Frederic Rzewski viaja a Chile donde conoce la canción de Quilapayún. En 1975 decide componer una obra para piano tomando como tema El Pueblo Unido Jamás Será Vencido. La pieza de Rzewski cuenta con 36 variaciones del tema original, lo cual la hace una pieza muy larga en extensión, pero además una obra muy demandante en cuestión interpretativa, pues contiene muchos pasajes virtuosísticos y otros donde se apoya de técnicas compositivas contemporáneas así como del lenguaje extendido para la interpretación pianística, como el uso constante de armónicos, golpear la tapa del piano, silbidos, hacer sonidos con la voz, etc.

Variación 12, donde se le pide al pianista que silbe

Algunos han comparado esta pieza con las Variaciones Goldberg de Bach, y las Variaciones Diabelli de Beethoven, ya que más allá del simbolismo de la obra, es una pieza de gran valor musical y artístico.

Existen unas 4 grabaciones de esta obra, la de Ursula Oppens (a quien está dedicada la partitura), la de Stephen Dury, la del virtuoso canadiense Marc-André Hamelin, y la del mismo compositor en una integral de 7 discos donde interpreta toda su obra pianística.

Rzewski, al igual que George Crumb, es uno de los compositores más comprometidos de los Estados Unidos, es por eso que casi todas sus obras poseen algún contenido simbólico con relación a temas sociales, y de hecho esta pieza la dedica también al pueblo chileno, en un momento que él consideraba que existía una enorme injusticia.

El Pueblo Unido Jamás Será Vencido, por Inti-Illimani

Ella se fue (La Chicana)

2009-01-29T21:54:00.000-08:00

Hace algún tiempo ya había hablado sobre La Chicana, que es un grupo argentino (liderado por Acho Estol y Dolores Solá), quienes han dado un "giro extraño" al tango, y más allá de buscar una renovación total, le han dado impulso fusionándolo con otros estilos tradicionales latinoamericanos.

Esta vez quiero poner una canción llamada Ella Se Fue, de Alfredo Rubín, que es el último track del disco Un Giro Extraño.

Esta canción es curiosa, porque al finalizar la misma, los músicos empiezan a tocar una versión del Concierto BWV 1043 de Johann Sebastian Bach, originalmente conocido como el Concierto para dos violines en Re menor, aunque hay una versión para dos clavicordios en Do menor. Bastante interesante la versión de esta pieza que propone La Chicana.

Labios de lady surera,

un sólo beso en el cuore,

ángel de la cabecera,

ella se fue.

Un chicotazo en la raca,

corte de rostro violento,

mugre de biorsi en el alma,

ella se fue.

El príncipe lloró

su llanto roto de bordona

y su corona

tambaleaba encurdelada.

Las luces titilaron

tan perplejas

en la queja

campaneando

el movimiento de la vida.

Fuga de negra en desprecio,

torpe el milonga en su furia,

fiero el aullido en silencio,

ella se fue.

Amarga pena borracha,

absurda ruta perdida,

triste chispazo de vida,

ella se fue.

Bach, Concierto para dos violines en Re menor, BWV 1043

La música de Pollock

2009-01-27T21:50:00.000-08:00

A veces los sonidos son

transmitidos por una

fuerza que lo repele todo,

esa fuerza, que elude

al mismo oído,

parece que encontró

un nicho perfecto

en los cuadros

de Pollock...

Hablar de Pollock no es sólo hablar de pintura, o de arte abstracto, o de la revolución plástica que devino con su curiosa forma de proyectar sobre el lienzo la pintura.

Entonces, cuando nos referimos a Pollock, hay algo de su obra que se escapa de la mirada y debe ser percibido por el resto de los sentidos. Es decir, si Pollock pintaba de una manera tan inusual, ¿por qué tendríamos nosotros que apreciar sus cuadros de la misma manera que vemos a Millet o a Van Gogh?

Pollock tuvo una relación estrecha con algunos de los compositores norteamericanos más importantes del siglo XX, como lo son John Cage y Morton Feldman. Para éste último, Pollock representó un colega y un mentor, cuyas motivaciones estéticas fueron paralelas. El mismo Feldman deja este testimonio:

Poco después de conocer a Rauschenberg, conocí a Jackson Pollock, quien me pidió que escribiera música para una película cuya realización acababa de concluirse. Yo me sentí muy complacido por esto, pues me hallaba en los inicios de mi carrera. Pollock vivía a las afueras de Long Island y sólo venía a la ciudad de manera esporádica, lo cual dificultaba que estableciéramos una continuidad real en nuestra relación. Al pensar en aquella época, me doy cuenta del gran paralelismo que existía entre las ideas musicales que yo tenía en 1951 y el modo de trabajar de Pollock. Él colocaba sus lienzos en el piso y pintaba al caminar sobre ellos. Yo ponía hojas de papel cuadriculado en la pared; cada hoja enmarcaba la misma duración temporal y era una verdadera estructura rítmica visual. Lo parecido a Pollock era mi enfoque de cobertura total (all over) de ese lienzo temporal. En lugar del típico pasaje que atraviesa la página de izquierda a derecha, aquí la cuadrícula horizontal del papel representa el tempo —donde cada cuadro equivale a una pulsación preestablecida— y a la cuadrícula vertical era la instrumentación de la composición.

Los paralelismos no se quedan ahí, el poeta Frank O'Hara también dijo algo similar con respecto a la pintura de Pollock, pero con relación a Anton Webern

…si hacemos una analogía entre ciertas pinturas en “allover” de Jackson Pollock y la técnica serial de Webern, descubrimos que una obra clarifica a la otra —una pintura que parece automática comienza a verse tan astutamente controlada por la sensibilidad de Pollock en su ensamblaje de los detalles hacia una experiencia unificada como los son ciertas piezas seriales de Webern.

Extracto de una película de Pollock del año 1951, la cual muzicalizó Morton Feldman.

Lutoslawski (1913-1994)

2009-01-25T19:04:00.000-08:00

Hace 93 años nació el compositor polaco Witold Lutoslawski.

Lutoslawski dirige su obra Chains I

Capricho Nocturno* (de Alberto Blanco)

a Witold Lutoslawski

Una calle sonámbula
flaqueada por edificios grises
a punto de quedarse dormidos
deambula en la noche
haciendo eses sin despertarse,
movida —tal vez— por algún capricho.

Dando tumbos
la calle oscura se encuentra
con un farol solitario
haciendo guardia...
vacila al cruzarse,
se miran de soslayo...
mas no se dirigen la palabra.

A pesar de haber vivido
juntos tanto tiempo,
la calle nunca ha sabido
qué hace allí despierto un farol solitario
en las altas horas de la noche,
de la misma manera
en que el farol no comprende
los caprichos de una calle dormida.

*Blanco, A. (2005). Música de Cámara Instantánea. México: CONACULTA.
El título Capricho Nocturno alude al segundo movimiento del Concierto para Orquesta de Lutoslawski, Capriccio notturno ed Arioso

Al Piano en Pánico

2009-01-21T19:52:00.000-08:00

A Guy Livingston

Sesenta segundos después
un rayo azotó
las compuertas derribadas

la ciudad del sueño
clamó el despertar
en el claro
de los ojos

tengo miedo a
que preguntes
por el fragmento
de mi alma

qué tal si
sólo se ha
demorado
en salir de la tapa

a un segundo
del último
teclazo

se levanta
y rechina las
cuerdas
silenciadas

Guy Livingston es un pianista bastante polifacético que hace algún tiempo se le ocurrió la idea de hacer un álbum en el que incluyera piezas para piano solo que duraran en promedio 60 segundos. Naturalmente el número de piezas incluidas en el disco también sería de 60 (para promediar una hora en total); y para que el asunto fuera aun más ecléctico e innovador, pidió a 60 compositores diferentes, de 60 ciudades distintas alrededor del mundo, componer una pieza de dicha duración para este proyecto en particular.

El resultado es sencillamente fascinante, un deleite para los amantes del piano, pero también para los interesados en la música contemporánea.

Tengo que reconocer que casi no conocía a ninguno de los compositores que participaron en el proyecto, pero al parecer fueron muy bien seleccionados, pues todas las piezas ofrecen un abanico de posibilidades en el piano impresionantes. Algunas piezas están compuestas con técnicas de composición contemporáneas como el serialismo, otras se van al estilo romántico, al minimalista, algunos emplean los recursos extendidos del piano (como accionar directamente las cuerdas con las manos), e incluso la utilización de la voz y los recursos electroacústicos, por lo que recomiendo bastante el disco.

En este sitio, de Aula Electroacústica, pueden bajar el disco completo.

Ketty Nez (San Francisco)- Moondrunk; esta pieza tiene reminiscencias del Claro de Luna (Moonlight) de Beethoven, y un poco de Debussy

Daniel Landau (Den Haag)- Losing it again (pieza para piano y cinta)

James Baiye (Regina)- Database of Desire (para piano y voz recitada)

La Conspiración Dodecafónica* (De Alberto Blanco)

2009-01-18T18:50:00.000-08:00

Anton Webern por Kokoschka

a Anton Webern

La música dodecafónica ha resultado ser tan resistente a la aceptación pública, que su muy limitado acceso a las salas de concierto ha dado lugar a una verdadera "leyenda negra". Su versión más reciente resulta punto menos que delirante.

De acuerdo con una historia que ha circulado ampliamente en la Red y que ha sido atribuida a la Associated Press, el compositor austriaco Anton Webern habría sido un espía Nazi que ayudó a robar secretos de la bomba atómica de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial.

Luego de haberse hecho de esta información clasificada y altamente confidencia, Webern procedió —siempre según esta historia apócrifa— a cifrar los datos secretos de sus abstrusas partituras dodecafónicas, convencido de que serían inexpugnables.

Un ex oficial Nazi, viviendo hoy en día en Argentina, habría confirmado recientemente lo que ya sospechaban muchos musicólogos: que Anton Webern y sus colegas (Schoenberg y Alban Berg) practicantes, los tres, de la llamada música "serial", se habían valido de esta técnica endiablada para encapsular mensajes cifrados.

De acuerdo con esta historia fantástica, los compositores vanguardistas, encabezados por Webern, habrían trabajado en conjunción con los diseñadores del "Código Enigma" Nazi, valiéndose de su escabrosa música atonal para transmitir datos científicos de gran importancia estratégica.

De ser cierta esta descabellada historia, se explicaría —por fin— por qué la música dodecafónica, serial, atonal (que para los que pergeñan estas patrañas todo da lo mismo y va en el mismo saco) resulta tan desagradable al oído, y provoca el rechazo casi unánime de los oyentes.

La calumnia llegan tan lejos como para afirmar que Hans Scherbius, un oficial Nazi que trabajó con el Ministerio de la Propaganda, Joseph Goebbels, admitió a la edad de 87 años que los Nazis Habían estado siempre, y de manera secreta, detrás de las técnicas de composición dodecafónica.

El hecho de que el régimen Nazi haya considerado a la música dodecafónica oficialmente como "arte degenerado", no tenía otro propósito que el de alejarla de toda sospecha de patrocinio oficial. Si la música de Webern quedaba fuera del canon, las escuelas, las temporadas de conciertos, y aun de las leyes, sería una prueba fehaciente de que no contaba con el apoyo Nazi.

Más aún: se supone que el físico Edward Teller tenía un gran piano Steinway en su departamento del laboratorio Los Alamos, Nuevo México, mediante el cual se transmitían los secretos de Werner Heisenberg en el campo de la energía atómica al espía alemán Klaus Fuchs, que trabajaba por ese entonces en el "Proyecto Mahattan" para hacer la primera bomba atómica. Fuchs asistía a las fiestas que organizaba Teller para promocionar la música de Webern.

A manera de prueba, Scherbius mostró a los reporteros de la Associated Press la partitura Opus 30 de Webern, las "Variaciones para orquesta", sobre un patrón informático, donde se veía claramente que las notas formaban una red matemática... ¡done se describían las radiaciones de neutrones de los isótopos 235 y 238 del Uranio!

Arnold Schoenberg (¡un judío-alemán que tuvo que huir de Alemania perseguido por los Nazis!) habría respondido a su vez con una serie de canciones para soprano y alientos donde se codificaba la manera de trabajar con el iniciador de Berilio y Polonio que habría de resultar crucial en la detonación de la bomba atómica en Trinity Site.

Anton Webern, de 62 años, murió "por un lamentable error" de un soldado norteamericano en Mittersill, Austria, que le disparó al compositor una noche en que, contraviniendo el toque de queda, salió a la calle solo a fumarse un inocente cigarrillo, a una semana escasa del armisticio europeo de la Segunda Guerra Mundial.

*Blanco, A. (2005). Música de Cámara Instantánea. México: CONACULTA.

Variaciones para orquesta Op. 30, interpretadas por la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Pierre Boulez [a ver quién descifra el código enigma]

Rayuela, capítulo 139*

2009-01-14T20:05:00.000-08:00

Portada del libro La Segunda Escuela de Viena,

con las fotos de Alban Berg, Arnold Schoenberg y Anton Webern

Las notas del piano (la, re, mi bemol, do, si, si bemol, mi, sol), las del violín (la, mi, si bemol, mi), las del corno (la, si bemol, la, si bemol, mi, sol), representan el equivalente musical de los nombres de ArnolD SCHoenberg, Anton WEBErn, y AlBAn BErG (según el sistema alemán por el cual H representa el si, B el si bemol y S (ES) el mi bemol). No hay ninguna novedad en esta especie de anagrama musical. Se recordará que Bach[1] utilizó su propio nombre de manera similar y que el mismo procedimiento era propiedad común de los maestros polifonistas del siglo XVI (...) Otra analogía significativa con el futuro Concierto para violín[2] consiste en la estricta simetría del conjunto. En el Concierto para violín el número clave es dos: dos movimientos separados, dividido cada uno de ellos en dos partes, además de la división violín orquesta en el conjunto instrumental. En el «Kammerkonzert» se destaca, en cambio, el número tres: la dedicatoria representa al Maestro y a sus dos discípulos; los instrumentos están agrupados en tres categorías: piano, violín y una combinación de instrumentos de viento; su arquitectura es una construcción en tres movimientos encadenados[3], cada uno de los cuales revela en mayor o menor medida una composición tripartita.

Del comentario anónimo sobre el Con-

cierto de Cámara para violín, piano y 13 ins-

trumentos de viento, de ALBAN BERG (gra-

bación Pathé Vox PL 8660).

*Julio Cortázar, Rayuela

NOTAS

[1]En la notación alemana, el nombre BACH corresponde a las notas Si bemol, La, Do y Si becuadro. Dicho tema fue usado también por Liszt en su Preludio y Fuga en el nombre BACH.
[2]El Concierto para violín de Alban Berg también es conocido como Concierto para violín "A la memoria de un Ángel", porque fue dedicado a la hija fallecida de Alma Mahler, Manon Gropius, que tuvo con el arquitecto Walter Gropius; y como lo señala Cortázar, se divide en dos movimientos, el primero es Andante - Allegretto y el segundo Allegro - Adagio.
[3]Lo movimientos del Concierto de Cámara de Alban Berg son: 1. Thema scherzoso con variazioni, 2. Adagio y 3. Rondo ritmico con introduzione.

Alban Berg / Kammerkonzert

Alban Berg / Concierto para violín (2do mov.), interpretado por Leonidas Kavakos

Kandinsky y Schoenberg

2009-01-12T20:32:00.000-08:00

Sin duda una de las relaciones artísticas más interesantes en la época de las vanguardias se dio entre dos de los correligionarios del movimiento expresionista. Uno era músico y el otro pintor; sin embargo, tanto el uno como el otro entendían y practicaban el arte de una manera total (o al menos esa fue su aspiración). Schoenberg, una de las figuras más importantes de la música en el siglo XX, desarrolló también algunas habilidades pictóricas, y Kandinsky (uno de los fundadores del expresionismo abstracto) tocaba el cello y el piano. Se podría decir que Schoenberg plasmó en su música aquellas imágenes abstractas que podían dilucidarse como colores y formas; y a su vez Kandinsky blandió con su pincel todo tipo de sonidos en el lienzo. Kandinsky sentía una enorme admiración por Schoenberg, lo cual puede reflejarse en su tratado De lo espiritual en el arte:

Schönberg presiente claramente que la libertad total, medio necesario en el que ha de desenvolverse el Arte, no puede ser absoluta. A cada época le corresponde un nivel determinado de esta libertad, y ni la fuerza más genial podrá escapar de sus límites. Pero este determinado nivel ha de ser alcanzado, y de hecho se llega a él ¡a pesar de todas las resistencias que se le opongan! También Schönberg intenta agotar esta libertad, y en su camino hacia la necesidad interior ha descubierto ya verdaderas fuentes de nueva belleza. La música de Schönberg nos introduce en un nuevo terreno, en el que las vivencias musicales no son ya acústicas, sino puramente anímicas. Es el comienzo de la música del futuro.

La próxima vez que escuchen una obra de Schoenberg recuerden las imágenes de Kandinsky, y cuando admiren uno de los fabulosos cuadros de éste último, que sus oídos no los engañen, son los sonidos de Schoenberg que deambulan en el espacio.

Estrellas, de Kandinsky

Fantasia Op. 47, para violin y piano

interpretada por Glenn Gould y Yehudi Menuhin (todo un deleite)

[este post está relacionado con el anterior]

La Ignorancia (fragmento), de Milan Kundera y Clave de Luna, de Alberto Blanco

2009-01-11T06:31:00.000-08:00

[fragmento de La Ignorancia]

En 1921 Arnold Schönberg proclama que, gracias a él, la música alemana seguirá siendo dueña del mundo durante los próximos cien años. Quince años después se ve obligado a abandonar Alemania. Después de la guerra, ya en Estados Unidos y cubierto de honores, sigue convencido de que la gloria jamás abandonará su obra. Reprocha a Igor Stravinsky pensar demasiado en sus contemporáneos y descuidar el dictamen del porvenir. Considera a la posteridad su aliado más seguro. En una carta mordaz dirigida a Thomas Mann ¡apela a la época en la que «después de doscientos o trescientos años» al fin se sabrá cuál de los dos, Mann o él, era el más grande! Murió en 1951. En los decenios siguientes su obra fue celebrada como la más grande del siglo, venerada por los más brillantes compositores jóvenes que se declaraban sus discípulos; pero, más adelante, se aleja tanto de las salas de conciertos como de la memoria. ¿Quién sigue interpretándolo hacia finales de este siglo? ¿Quién lo cita? No, no quiera burlarme tontamente de su prepotencia y decir que se sobrestimaba. ¡Mil veces no! Schönberg no se sobrestimaba. Sobrestimaba el porvenir.

Milan Kundera, La Ignorancia, págs. 146-147

Schoenberg: Concierto para piano Op. 42,

interpretado por Mitsuko Uchida

Clave de Luna

a Arnold Schoenberg

una

sola

noche

pude

ver

que

en otras

vidas me habría

llevado siglos, milenios,

eones: que no estamos separados,

que somos un solo ser, somos un solo cuerpo,

un inmenso océano en el cual miríadas de olas se levantan

hasta alcanzar su cima y hunden de nuevo...

agua en el agua y forma en la forma

que lentamente se disuelve...

creación en la creación,

sonido en el sonido

alma en el alma,

sal en la sal,

retorno

de la

luz

clara

de la luna.

Transfiguración.

Alberto Blanco, Música de Cámara Instantánea

Los deseos de Daniel Barenboim

2009-01-07T20:50:00.000-08:00

Hace 10 años, el pianista y director de orquesta argentino-israelí, Daniel Barenboim, creó la Western-Eastern Divan Orchestra, integrada por músicos de Israel y países árabes, la cual en primera instancia busca la convivencia de ambos pueblos a través de la música.

Si alguien puede opinar sobre el problema actual en la franja de Gaza es Barenboim, no sólo por su compromiso con la paz, sino porque él posee la nacionalidad israelí y palestina, ésta última obtenida apenas el 2008 debido a un concierto que otorgó en Ramala. Luego de recibir la nacionalidad, señaló:

"Espero que mi nueva condición sea un ejemplo de coexistencia palestino-israelí. Creo que los destinos de los pueblos judío y palestino están inexorablemente unidos"

Debido a esto, el propio Barenboim ha reprobado los actos violentos de Israel y Palestina, en un artículo en The Guardian:

Al reconocer el derecho de Israel de defenderse de los cohetes de Hamás, el músico se preguntó si se podía hacer responsable a toda la población de Gaza por una organización terrorista.

En una zona tan poblada como Gaza, es inevitable que mueran civiles en los bombardeos. Si las muertes de civiles son inevitables, ¿qué se busca con eso? ¿Destruir a Hamás? ¿Es posible destruir a Hamás de esa manera? Suponiendo que se destruya a Hamás, ¿qué pasará después? Al final de cuentas, Hamás surgió con el apoyo de Israel, que quería debilitar a Yasser Arafat. Si desaparece Hamás, es seguro que en su lugar nacerá otro grupo más radical.

Daniel Barenboim se ha convertido en uno de los músicos activistas más importantes del mundo. Primero causó revuelo porque fue uno de los primeros músicos (junto con Zubin Mehta) en interpretar música de Wagner en territorio israelí. Este hecho causó un enorme disgustó por parte de la ortodoxia judía, debido a las declaraciones antisemitas que en vida realizó Richard Wagner, y porque además su música fue una suerte de estandarte durante el periodo nazi. Sin embargo, Barenboim, buscaba quebrantar esas barreras raciales argumentando que la música en sí no tiene mensajes raciales o discriminatorios.

La forma en que Barenboim interpretó a Wagner en Israel fue única. Primero que nada, no figuraba en el programa, pero como el compositor sabía que el público pediría un éncore, Barenboim sugirió que fuera un fragmento de Tristan e Isolda, y dijo que quien se sintiera ofendido por la decisión podía retirarse; sin embargo, nadie lo hizo, y el concierto fue todo un éxito. No así las críticas que inmediatamente atacaron a Barenboim por dicho atrevimiento.

Entrevista con Barenboim

"Israel ha ocupado Palestina por 14 años; si tú estás ocupando un territorio eres responsable por la calidad de vida de las personas en el territorio ocupado"

En esta ocasión la postura de Daniel Barenboim seguramente no será bien vista por los Palestinos ni los Israelís, en especial por aquellas posturas demasiado ortodoxas y fundamentalistas. Daniel Barenboim tiene, básicamente, tres deseos para este año, y por tratarse de él es necesario tomarlos en cuenta y analizarlos:

Sólo tengo tres deseos para el próximo año. El primero de ellos es que el Gobierno israelí se dé cuenta de una vez por todas de que el conflicto en Oriente Próximo no puede ser resuelto por la vía militar. El segundo es para que Hamás tenga presente que sus intereses no se imponen con la violencia, y que Israel está aquí para quedarse.

El tercero es para que el mundo reconozca que este conflicto no tiene parangón en la Historia. Es complejo y delicado; es un conflicto humano entre dos personas profundamente convencidas de su derecho a vivir en el mismo y minúsculo pedazo de tierra. Es por esto que ninguna diplomacia o acción militar puede resolver este conflicto.

Corolario

Barenboim y la Western-Eastern Divan Orchestra tenían agendado tocar en Qatar y en El Cairo, pero debido a la "dramática situación en la Franja de Gaza", transladaron esas actuaciones a Berlín (La Jornada).

Daniel Barenboim conduce Tristan e Isolda de Wagner

Octandre en flor* de Alberto Blanco

2009-01-05T20:56:00.000-08:00

a Edgar Varèse

El piano sujeto con alambres de Satie.

El piano preparado con tornillos de Cage.

La guitarra en llamas al revés de Jimi Hendrix.

La guitarra en llamas y sin cuerdas de Frank Zappa.

El arpa con cuerdas de alambre de púas de Harpo Marx.

Como dijo Debussy: "Las reglas no hacen una obra de arte".

O como dijo Edgar Varèse: "La falta

de respeto

por el orden

establecido

es la base de

toda obra

creadora".

*Música de Cámara Instantánea (2005). CONACULTA: México.

_____________________________

Como verán, Varèse era todo un cronopio, un sujeto tan poco convencional como los otros músicos citados por Alberto Blanco en su poema. En la siguiente cita del musicólogo Harold C. Schonberg, es posible advertir la forma en que componía Varèse; sin embargo, como siempre, recomiendo echarle una oreja (muy atenta) a su obra.

«Me perseguía una obsesión: un instrumento nuevo que liberase a la música del sistema temperado», dijo cierta vez [Edgar Varèse]. Buscaba instrumentos nuevos que originasen sonidos nuevos, y de un mundo extraño comenzó a componer música electrónica mucho antes de que hubiese nada parecido a ella. Estaba muy interesado en el ritmo y el timbre —mucho más que en la armonía tradicional— y perseguía el “sonido puro como sustancia viva”. Con el fin de hallar el instrumento de sus sueños trabajó con el inventor ruso Leon Theremin, quien creó un instrumento electrónico llamado theremin, y también con los Bell Telephone Laboratories.

Harold C. Schonberg

Octandre, interpretado por el Gropius Ensemble

Toda la obra de Edgar Varèse se encuentra reunida en un álbum de 2 CD's (no fue muy prolífico) del sello DECCA, interpretado por la Royal Concertgebouw Orchestra, ASKO Ensemble y dirigido por Riccardo Chailly. Es bastante recomendable este álbum que pueden descargar en el blog Música del siglo XX, el resto es ruido.

De cronopios y silencios

2009-01-02T07:56:00.001-08:00

Si Xenakis es un cronopio para días secos y apolíneos[1], quizá John Cage sea un cronopio para escuchar en un momento azaroso y dionisíaco.

El vacío habla en silencio

como nada
             nace la nada
                              de la nada
                                            y en silencio
                                                            cabe el silencio
                                                                              en el silencio
                                                                                            de un vacío
                                                                              nutrido de nada
                                                            o de silencio
                                            que se calla
                              para no decir
             nada y vacío
vacuo rumor

en eterno estado silencioso

Aluisvaz

Imaginary Landscape No. 1

Los ruidos de John Cage

NOTAS
1 [...y en vez de escuchar por ejemplo a Xenakis que es un cronopio para días secoes y apolíneos... pág. 169] Cortázar, J. (1967). La Vuelta al día en ochenta mundos, vol. 2. Melancolía de las maletas. Siglo XXI Editores.

Orquesta Sinfónica de YouTube

2008-12-30T06:24:00.000-08:00

¿Quieres ser parte de la primera orquesta sinfónica creada en y para la internet? Pues entra a la página de la Orquesta Sinfónica de YouTube, sigue las instrucciones y toca junto a otros intérpretes internacionales en el Carnegie Hall, la Internet Symphony No. 1 "Eroica" (sí, como la 3a de Beethoven) del compositor chino Tan Dun.

Creo que más allá de lo que podamos esperar de la pieza creada por este multifacético compositor (para mí lo que compuso en los Juegos Olímpicos fue totalmente decadente y pirotécnico rayando en lo circense), lo interesante radica en la forma en se están seleccionando los intérpretes.

A grandes rasgos el intérprete entra a dicha página, elije su instrumento, baja la partitura, la ensaya, la graba en video, la sube a youtube y espera a que los jueces den el veredicto. Una vez elegidos a todos los intérpretes (quién sabe cuál será el criterio de elección... esperemos que de verdad elijan a los mejores intérpretes).

Partitura para los violines primero de la Sinfonía de Tan Dun.

Un rasgo interesante es que podrán ser dirigidos por el mismo Tan Dun en video para ensayar la obra (aunque ¿de verdad sus gesticulaciones servirán de guía?):

Bueno, quizá suene exagerado (eso lo sabremos hasta que se estrene la obra), pero como dicen: Sé parte de la historia de la música.

Bach: Oratorio de Navidad BWV 248

2008-12-25T11:23:00.000-08:00

Poca música de navidad tan bella como esta:

Bach: Weihnachtoratorium (Oratorio de Navidad), BWV 248
Sir John Eliot Gardiner
Bernarda Fink
Monteverdi Choir, English Baroque Soloists

Demetrio Stratos

2008-12-22T21:33:00.000-08:00

Demetrio Stratos (1945-1979)

La voz, el instrumento musical prodigioso que se dice es el primero de toda la humanidad, es en realidad una herramienta casi siempre poco aprovechada.

Cuando digo que es poco aprovechada no sólo me refiero a que la mayoría de nosotros no posee un aparato fonador apto para cantar, sino que en casi todos los casos, ni siquiera los cantantes aprovechan los recursos sonoros de su organismo. Pocos cantantes, en especial cantantes hombres, han usado su capacidad vocal al máximo como lo hizo en su efímera carrera (murió a los 34), el italiano Demetrio Stratos, conocido por ser el vocal de bandas de rock progresivo de culto, como I Ribelli y AREA.

I Ribelli / Pugni chiusi

Stratos comenzó sus estudios y experimentos vocales al percatarse, con su hija Anastassia (cuando no había aprendido a hablar), que los bebés poseen una capacidad vocal y sonora muy amplia, la cual irán perdiendo conforme aprenden un lenguaje. Es por esta razón que muchas de las canciones de Stratos no poseen palabras, con lo cual el sonido deja de estar supeditado al vocablo y al fonema para asumir toda la libertad que requiere.

De acuerdo a información de Wikipedia, Demetrio Stratos podía cantar a una frecuencia de 7,000 Hz, cuando un tenor promedio alcanza los 523 Hz, y una soprano, en la nota Do6, los 1,046; lo cual no significa que fuera un fenómeno, sino que había desarrollado técnicas extendidas de la voz muy diferentes a los de un cantante convencional. De hecho era capaz de crear multifónicos con su voz, hasta cuatro sonidos a la vez.

La importancia de las indagaciones de Demetrio Stratos se pueden apreciar en varios niveles de la música contemporánea, tanto en cantantes académicos como en cantantes de música popular como Badi Assad, entre otros.

Cometa Rossa

O titziras o mitziras

Pueden bajar el libro de Janete El Haouli, Demetrio Stratos en busca de la voz-música (PDF) en esta página.

Musica Nuda

2008-12-18T10:15:00.000-08:00

Hace poco, vagando por el youtube, me topé (no recuerdo exactamente cómo) con una agrupación italiana que me pareció bastante peculiar porque se trata de un dúo, y por el hecho, también interesante, de que uno de los intérpretes (Ferrucio Spinetti) es un contrabajista (ándele, ese que toca un monstruo llamado contrabajo... algunos lo llaman tololoche, aunque según Wikipedia, este último es más pequeño que su primo europeo... ), y una cantante (Petra Magoni), que de verdad hace bien su papel. La agrupación se hace llamar Musica Nuda.

No es común que un contrabajo tenga un papel tan importante dentro de un ensamble musical; aunque también es menester decir que a partir del siglo XX, el contrabajo tuvo un desarrollo técnico impresionante. Y de hecho, fueron los contrabajistas italianos como Fernando Grillo y Stefano Scodanibbio algunos de los que llevaron al contrabajo a un virtuosismo antes no conocido. Todo esto sin tomar en cuenta las capacidades técnicas de algunos contrabajistas de la escena de jazz como Jimmy Blanton, Paul Chambers, Ray Brown, Christian McBride. y algunos otros hitos de este instrumento.

Stefano Scodanibbio

También hay que recordar la labor maravillosa que hace Víctor Flores cuando acompaña a Horacio Franco en ese, también peculiar, dueto entre una flauta barroca o de pico y un contrabajo (como si de opuestos se tratase).

Horacio Franco y Víctor Flores

Pero regresando a nuestro tema en cuestión, el dueto Musica Nuda merece un punto y aparte, porque entregan bastante en el escenario (como se puede constatar en sus videos), y no sólo una calidad interpretativa digna de mencionar, sino una suerte de teatralidad, así como una interacción con el público que rara vez se ve en otros artistas. Quizá sea mejor que lo juzguen ustedes mismos.

Couleur Café

Para bajar su último disco, dirigirse a esta página.