Uti vår hage

 

Uti vår hage (En nuestro jardín), canción popular sueca, interpretada por Ana Laan (del disco Orégano)

Uti vår hage

Viento (de Frank O'Hara)

Snow Falls (fragmento de Three Voices), de Morton Feldman, basado en el poema de O'Hara

A Morton Feldman

Quién hubiera pensado
                                que la nieve
girando siempre en círculos
como un pensamiento
                                 en la esfera de vidrio
cerca de mí y mi oso

El encierro
               entonces me pareció bello
el giro de la nieve
                            nunca nada cayó
ni mi pequeño oso
                            malos pensamientos
cautivos en el vidrio

la belleza cedió su sitio al mal

Y la nieve sólo gira
                            en vientos fatales
brevemente
                            después cae

siempre aborreció el encierro
                                            bestias
amo el mal 

 

Joan La Barbara

El grito del silencio (Especial voces contemporáneas)

El Grito del Silencio

Programa especial dedicado a los cantantes contemporáneos.

El grito del silencio (Cantantes contemporáneos, parte 1)

Urcloud.com
[Duración: 33 minutos]
Fátima Miranda, Demetrio Stratos y Cathy Berberian

El grito del silencio (Cantantes contemporáneos, parte 2)

Urcloud.com

[Duración: 27 minutos]

Badi Assad, Diamanda Galás, Meredith Monk, Dawn Upshaw

Bach: Oratorio de Navidad BWV 248

Poca música de navidad tan bella como esta:

Bach: Weihnachtoratorium (Oratorio de Navidad), BWV 248
Sir John Eliot Gardiner
Bernarda Fink
Monteverdi Choir, English Baroque Soloists

Demetrio Stratos

Demetrio Stratos (1945-1979)

La voz, el instrumento musical prodigioso que se dice es el primero de toda la humanidad, es en realidad una herramienta casi siempre poco aprovechada.

Cuando digo que es poco aprovechada no sólo me refiero a que la mayoría de nosotros no posee un aparato fonador apto para cantar, sino que en casi todos los casos, ni siquiera los cantantes aprovechan los recursos sonoros de su organismo. Pocos cantantes, en especial cantantes hombres, han usado su capacidad vocal al máximo como lo hizo en su efímera carrera (murió a los 34), el italiano Demetrio Stratos, conocido por ser el vocal de bandas de rock progresivo de culto, como I Ribelli y AREA.

I Ribelli / Pugni chiusi

Stratos comenzó sus estudios y experimentos vocales al percatarse, con su hija Anastassia (cuando no había aprendido a hablar), que los bebés poseen una capacidad vocal y sonora muy amplia, la cual irán perdiendo conforme aprenden un lenguaje. Es por esta razón que muchas de las canciones de Stratos no poseen palabras, con lo cual el sonido deja de estar supeditado al vocablo y al fonema para asumir toda la libertad que requiere.

De acuerdo a información de Wikipedia, Demetrio Stratos podía cantar a una frecuencia de 7,000 Hz, cuando un tenor promedio alcanza los 523 Hz, y una soprano, en la nota Do6, los 1,046; lo cual no significa que fuera un fenómeno, sino que había desarrollado técnicas extendidas de la voz muy diferentes a los de un cantante convencional. De hecho era capaz de crear multifónicos con su voz, hasta cuatro sonidos a la vez.

La importancia de las indagaciones de Demetrio Stratos se pueden apreciar en varios niveles de la música contemporánea, tanto en cantantes académicos como en cantantes de música popular como Badi Assad, entre otros.

Cometa Rossa

O titziras o mitziras

Pueden bajar el libro de Janete El Haouli, Demetrio Stratos en busca de la voz-música (PDF) en esta página.

Yann Tiersen, La Dispute

La Dispute (con bochornosos errores de dedo)

Creo, y sin miedo a represalias, que Yann Tiersen es un compositor remarcable. La mayoría de nosotros lo conoció por el film francés Amélie; sin embargo, su creatividad va más allá de los soundtracks (aunque ya había participado en Good Bye Lenin). En lo personal creo que sin la música de Yann Tiersen, las películas que han usado algunas de sus obras no hubieran tenido el impacto deseado.

Como sea, es agradable escuchar esta música, y también interpretarla. Existe algo de sencillez, incluso de minimalismo; y en algunas ocasiones, como cuando toca al lado Shannon Wright, un toque de rock bastante artístico (tipo Elysian Fields).

Yann Tiersen y Shannon Wright,

Something to live for

El «Giro Extraño» del Tango

Juguete Rabioso/La Chicana

El Tango es algo así como la música que respira soledad, agonía, desprecio, arrogancia, felonías, traiciones y quizá por último muerte.

Ha pasado tanto por el tango y el tango ha pasado por tantos rincones del mundo, que a la hora de tratar de hacer un recuento de los hechos y los daños, es probable que vayamos dando tumbos de un lado a otro sin sacar conclusiones verosímiles.

La mitología del tango vive ahora y sin embargo, ya no es sino una parodia de la vida misma, una mueca de la boca que ironiza la tragedia de vivir esta vida que no aguanta tanta muerte.

Y ahora, el giro, el extraño viraje que ha dado el tango en el nuevo milenio que se ha quedado sin Astor o algún otro astro que brille con tanta intensidad por estos lares.

Es un giro extraño pues hay otros pequeños satélites del tango en este mundo de idilios perniciosos.

La Chicana es un vuelco tremendo al tango, es una vuelta, un retorno y un volver a la tragedia anónima y vivaz. Es una música que canta y una voz que hechiza. Es un bandoneón, guitarra y pulmones que invitan al canto y al baile de arrabal.

Es un respirar.

Acho Estol y Dolorés Solá, un dueto que le ha dado un nuevo respiro a la canción argentina, y sin duda, mucho, mucho de que hablar... y cantar.

Un Giro Extraño


Ayer hoy era mañana/La Chicana

en el pasado todo el tiempo dura igual
un mal segundo una década normal

Para la memoria...

Hoy se cumplen 40 años de un crimen que aún sigue impune.

Vamos Estudiantes (Daniel Viglietti)


Vamos, estudiantes,
por calles y plazas,
vamos, que la vida
nos llama.

Vamos, compañeros,
con la frente alta,
quien lucha por algo
lo alcanza.

Hoy son brazos,
mañana, ¿qué serán?
¿qué serán, qué serán?

Hoy son piedras,
es cosa de pensar,
de pensar, ¡de pensar!

Vamos caminando,
los puños cerrados
y los corazones
alzados.

Vamos como un río
por calles y esquinas
gritando lo que dijo
Artigas:

Los tiranos
un día temblarán.
Temblarán, temblarán.

Viento frío
les vamos a arrimar.
¡A arrimar, a arrimar!

Somos aire nuevo
de la primavera,
contra nuestra voz
no hay barreras.

Sobre el aire oscuro
vamos a vencer,
andamos formando
un amanecer.
________________

Gotan Project, "Queremos Paz"

...quieren hacernos pagar muy caro

el precio de esa paz.

Nosotros contestamos que ese precio

no puede llegar más allá de

las fronteras de la dignidad.

Ernesto "Che" Guevara (1964).

Gotan Project: Diferente

No eran buenas esas épocas,

malos eran esos aires.

Fue hace 25 años, y vos existías,

sin existir todavía.

Épocas, de la Revancha del Tango

Hace tiempo hice una pequeña reseña [pinchar aquí] sobre esta agrupación que ha sabido mezclar el tango rioplatense con la música electrónica, los samplers y los dj's.

Esta vez simplemente dejo este video para que disfruten como yo lo he hecho.

Gotan Project, "Diferente", del disco Lunático (2007)

¿El tango de Gotan es en verdad diferente?, es posible que quizá se parezca un poco a lo que Libedinsky hace con Narcotango o Santaolalla con Bajofondo Tango Club, pero me parece que Gotan Project ha ido un poco más allá, apostándole a la composición y no sólo al sampleo, a la reinterpretación y no al simple remix.

Amélie-les-crayons

Recomiendo escuchar a Amélie-les-crayons; en lo personal creo que se trata de música que alegra el corazón.

Esta agrupación surge en Lyon, Francia, en el 2002, y esta compuesta por Amélie (voz), Laurent (contrabajo), Heiko (piano, clarinete, tuba y saxofón) y Michel (acordeón), y en realidad cada integrante representa un personaje de una historia que protagoniza Amélie. Cada disco es parte de la historia, y cada canción representa un fragmento que además retrata la personalidad de los personajes.

Ta P'tite Flamme

quand je suis loin je pense à toi

à ta p'tite flamme à tes yeux

et je me sens mieux

quand je suis loin je pense à toi

à ta p'tite flamme à tes yeux

et je me sens deux

Cuerdas silentes

"...y las sombras,
el eco de las sombras"
Juan Rulfo

Un espejo desierto
refleja el
eco de mi sombra

y el fractal
deseo de
un instante
por detener
al infinito /

las cuerdas
silentes de
un piano roto

retumban
en mi oído

y vibran
incesantes /

las horas
perdidas
entre los
dedos

entre la llama
y el hielo

entre el dolor
y la sangre /

las huellas
que dejaron
tus manos

aún se ciñen
en la nada /

y el sonido
que era sombra

se refleja
en el espejo

se adormece
en mis oídos /

tañido
de mi cuerpo
___________

Murmullos del Páramo, o de lo sonoro en Rulfo

La ópera del compositor mexicano Julio Estrada, titulada Murmullos del Páramo, supone una adaptación del sonido que propone Juan Rulfo en su novela Pedro Páramo. A lo que me refiero es que la ópera de Estrada no es propiamente una adaptación "literaria", porque dentro de su obra, trata de interpretar una serie de elementos sonoros que componen la atmósfera (soundscape) que el escritor plasmó en su fantástica historia. Como lo cita el compositor en su website:

«Los textos de Juan Rulfo muestran su tendencia característica a convocar la presencia de lo sonoro a través de sus descripciones, sutiles sugerencias que parecen buscar un eco interior en la sensibilidad y memoria auditivas de cada lector. Leer Pedro Páramo es, desde la escucha íntima, una experiencia casi musical que tiene lugar al darse el juego entre las diversas sonoridades convocadas por la novela y la respuesta ante ellas. Ese mismo proceso dialéctico entre el texto de Rulfo y el oír individual es el germen de la ópera Pedro Páramo».

Hago esta recomendación, no sólo porque Murmullos del Páramo es una de las propuestas musicales más interesantes de los últimos años en México, sino también por el excelente elenco que ha representado esta ópera en diversas locaciones.

En la versión que tengo (interpretada en Stuttgart, Alemania), estos son los intérpretes:

Fátima Miranda (Doloritas)
Sarah Maria Sun (Susana San Juan)
Suzanne Leinz (murmullos de Susana)
Andreas Fischer (Pedro y Bartolomé)
Neue Vocalsolisten Stuttgart
Llorenç Barber (Ruidista)
Stefano Scodanibbio (Contrabajo)
Mike Svoboda (Trombón)
Ko Ishikawa (Shô)
Magnus Andersson (Guitarra)
Guillermo Anzorena (Miguel)
Julio Estrada (director musical, voz de Abundio)
Sergio Vela (dirección escénica)

Algunas voces hacen representaciones textuales de algunas partes fundamentales de la novela, pero resulta singular el despliegue de sonidos, especialmente los que realizan Fátima Miranda y Fischer (con su voz), Scodanibbio (al contrabajo), Svoboda (con el trombón), Ishikawa (con el organillo Shô), y quizá de manera fundamental Llorenç Barber (que con diferentes elementos crea sonoridades durante gran parte de la obra).

Sin duda ésta no es una ópera convencional, por lo que quizá resulte un poco extraño para el escucha acostumbrado a la ópera tradicional. En lo personal creo que estas representaciones tienen un gran valor; no sólo por la calidad de su realización, sino porque por sí misma, la obra de Julio Estrada tiene su propio peso en el panorama musical contemporáneo.

Links de Interés

Website de Julio Estrada, donde hay más detalles de esta obra: http://julioestrada.net/?page_id=21

En esta página, que es el podcast de Zael Ortega (Artes Electroacústicas), podrán escuchar el programa radiofónico dedicado a Murmullos del Páramo de Julio Estrada, así como fragmentos de la obra: http://arteselectroacusticas.podomatic.com/entry/eg/2006-12-10T14_07_50-08_00

Nota
Otro disco interesante, dedicado a Juan Rulfo, y editado hace no mucho tiempo por Quindecim, es Rumor de Páramo, en el que la pianista Ana Cervantes pide a diversos compositores de varios países (la mayoría mexicanos), que realicen una composición pianística, con reminiscencias Rulfianas. Los resultados son muy interesantes, y eclécticos, ya que la manera en que cada compositor aborda el tema es muy personal, sin embargo, me parece que cada uno cumple su cometido. Esta es la lista de compositores que participan en este disco (con la nacionalidad incluida):

Georgina Derbez (México)
Charles B. Griffin (EUA)
Jack Fortner (EUA)
Tomás Marco (España)
Horacio Uribe (México)
Eugenio Toussaint (México)
Vicente Barrientos (México)
Anne Lebaron (EUA)
Federico Ibarra (México)
Carlos Cruz de Castro (España)
Mario Lavista (México)
Stephen McNeff (Reino Unido)

La Misa Tango de Luis Bacalov

En música, una misa es una composición de carácter sacro empleada para la ceremonia católica que lleva el mismo nombre.

De acuerdo a Manuel Valls Sorina (1981, p. 49), una misa es "un acto fundamental del culto católico romano. Por lo que se refiere a la música, es una composición escrita sobre las cinco partes del «ordinario de la misa», a saber: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei."

En música, el tango es una composición de carácter profano (urbano); esencialmente se trata de una danza que, a pesar de poseer un compás de 4/4, tiene un ritmo binario. Debido a su origen rioplatense (Buenos Aires y Montevideo), las letras del tango están tradicionalmente escritas con el argot local conocido como lunfardo.

De acuerdo a lo declarado por Borges en Evaristo Carriego (1930), el tango posee un origen incierto; en realidad los orientales aseguran que fue escrito en Montevideo y los bonaerenses insisten que fue en los barrios de Buenos Aires. A pesar de estas incongruencias históricas, nadie descarta la idea de que todo comenzó en los lupanares y los barrios bajos, como una alegoría a las antiguas peleas entre gauchos; es por esto que al inicio sólo lo bailaban los hombres, aunque según se cita: "...en las esquinas lo bailaban parejas de hombres, porque las mujeres del pueblo no querían participar en un baile de perdularias" (Borges, J. L., 2005, p. 170).

¿Por qué una misa-tango?

La relación del tango con la tradición católica es quizá evidente si se considera que el Bandoneón, instrumento indispensable para el tango como lo conocemos, nació en Alemania como un órgano portátil, es decir, tenía la función de evangelizar de forma itinerante.

Antes de la llegada del Bandoneón a Buenos Aires (en 1900, apróx.), los instrumentos esenciales del tango eran la guitarra y la flauta [escuchar Histoire du tango, de Piazzolla], por lo que la llegada del nuevo instrumento provocó cambios sustanciales en la fisonomía de este tipo de composición. En lo personal creo que la sexualidad, misoginia y violencia del tango antiguo se transformó en sensualidad, misterio y un toque de decadencia. Otra característica que propició el bandoneón fue la actual forma de bailarlo: en pareja.

Luis Bacalov

Es un compositor argentino, pero reconocido internacionalmente, esencialmente por las composiciones que ha realizado para algunos soundtracks, como: Il Postino (El Cartero "de Neruda"), Django y la Pasión Según San Mateo.

Al escuchar el magnífico soundtrack de Il Postino se puede constatar que Bacalov ya estaba muy empapado por el tango y el bandoneón.

Misa-Tango y el panteísmo

Para la composición de esta singular obra, que nos recuerda a las Misas herejes de Evaristo Carriego y la Misa Criolla de Ariel Ramírez, Luis Bacalov cambió el texto de la liturgia tradicional, eliminando todas las alusiones directas a Jesús, para que así esta misa fuera una obra para todas las creencias Abrahámicas: Judaísmo, Cristianismo e Islamismo. Incluso el credo dice: "Creo en un único dios todopoderoso".

Los Intérpretes

Las voces solistas seleccionadas para la grabación de esta obra fueron las de Plácido Domingo (tenor) y Ana María Martínez (mezzo-soprano), así como a Héctor Ulises Passarlla en el bandoneón.

Cabe destacar que en este disco se encuentra Tangosain, del mismo Bacalov; y dos obras de Astor Piazzolla con excelentes arreglos: Adiós Nonino y Libertango.

Dirige a la Rome Santa Cecilia Academy Orchestra, el afamado conductor koreano Myung-Whun Chung, quien también ha hecho un magnífico trabajo dirigiendo obras del compositor francés Oliver Messiaen, quien estuvo muy relacionado con la tradición litúrgica en la música.

Escuchen esta obra, se los recomiendo bastante.

Bibliografía

• Borges, J. L., (2005). Obras Completas Vol. 1. Emecé: Argentina
• Valls Sorina, M. (1981). Diccionario de la música. Alianza Editorial: Madrid
• http://www.musicweb-international.com/film/2001/Apr01/bacalov.html
• http://en.wikipedia.org/wiki/Luis_Bacalov

Los "Caligramas" Musicales de George Crumb

Makrokosmos I: 12. Spiral Galaxy [Symbol] Aquarius

Existen compositores cuya creatividad y virtuosismo los han apartado del mundo convencional, incluso de la misma convención musical. Quizá ese sea el caso de George Crumb, que sin renunciar a la notación creada por Guido D'arezzo hace varios siglos, así como a las nomenclaturas desarrolladas por los compositores que le antecedieron, ha imaginado un mundo musical en que espirales, cruces, círculos y otras formas geométricas no sólo se desbordan ante nuestros oídos, sino ante los ojos de quien intente interpretar sus obras.

La peculiaridad de sus partituras, así como de la forma en que hay que interpretarlas, le ha dado gran fama en el complejo mundo musical; sin embargo, sus aportes van más allá de lo que pareciera una simple curiosidad.

Cuando vi estas partituras recordé los caligramas creados por Apollinaire, Girondo y el maestro Tablada.

Makrokosmos II: 12. Agnus Dei [Symbol] Capricorn

Quizá la primera pregunta que surja es ¿Cómo se toca esto?

El compositor norteamericano George Crumb (1929) se ha caracterizado por llevar al extremo la interpretación. Uno de los casos más singulares es Makrokosmos I y II, un conjunto de piezas para piano amplificado (24 en total), que están relacionadas con los signos zodiacales. Según Crumb, estas piezas (con dedicatoria a David Burge), están inspiradas en dos grandes compositores del siglo XX, Béla Bartók y Claude Debussy. Inclusive el nombre se deriva de un conjunto de piezas de estudio para piano tituladas por Bartók, "Mikrokosmos". Asimismo, alude su admiración por los 24 preludios de Debussy (también divididos en dos series de 12 piezas).

En Makrokosmos, Crumb, tiene el ideal de llevar más allá el idioma del piano, lo cual la convierte en una de las obras más complejas de todos los tiempos.

Al pianista se le pide realizar varias acciones como silbar y vocalizar directamente al aparato resonador del piano, usar objetos metálicos que interactúen directamente con las cuerdas, varios tipos de pizzicato (con las uñas y las yemas de los dedos, así como directo en las cuerdas), hacer glissandos en las cuerdas, enmudecer las cuerdas para crear armónicos; en fin, Makrokosmos es una obra que requiere gran preparación, y no sólo para la interpretación, también para la audición, ya que es una pieza larga y de mucha contemplación, así como de cambios bruscos en el temperamento y las dinámicas. Sin duda escuchar en vivo estas piezas sería una experiencia altamente sinestésica, ya que su teatralidad hace que varios sentidos se confabulen para que pueda ser percibirla con toda cabalidad.

Otra muestra de esta teatralidad es "Vox balaenae" (Voces de ballena), en la que tres intérpretes enmascarados (flauta transversa, cello y piano [los 3 amplificados electrónicamente]) emulan el canto de las ballenas, que en realidad trata de recobrar el sentido sonoro a la "voz", sin que el signo lingüístico tenga una relevancia semántica, algo que también intentan los Poetas Sonoros, y otros cantantes como Demetrio Stratos, Meredith Monk, Joan La Barbara, Fátima Miranda (en Epitafio a las Ballenas), Diamanda Galas, entre otros.

[Esta vez les dejo los links de una interpretación de Makrokosmos...
Makrokosmos I y II, interpretado por Emmy Henz-Diemand
http://rapidshare.com/files/50541562/George_Crumb_-_Makrokosmos_I___II.part1.rar.html
http://rapidshare.com/files/50631081/George_Crumb_-_Makrokosmos_I___II.part2.rar.html
http://rapidshare.com/files/51844436/George_Crumb_-_Makrokosmos_I___II.part3.rar.html
... y para escuchar Vox Balaenae (Voces de ballena), les dejo este link donde pueden descargarla:

http://my.opera.com/STEFANfromPARIS/blog/show.dml/1171301?cid=3350043]

"Por" la imaginación de Spinetta

En el disco "Artaud" de Luis Alberto Spinetta y Pescado Rabioso de 1973, seleccionado por la revista Rolling Stone como el mejor disco de rock argentino, existen enormes reminiscencias a la poesía de Antonin Artaud.



Es por esto que más allá de su trascendencia en el rock argentino, este disco significa una de las uniones más auténticas de la música popular y la poesía, ya que el "género" canción (otrora lied concebido por Schubert y otros compositores románticos al unir la poesía de Goethe, Schiller y diversos poetas de la época, con piezas breves y temas llenos de lirismo), que ha sido usado de forma excesiva por la industria musical actual, en la mayoría de los casos carece de la profundidad y la plasticidad de la poesía, especialmente el poema moderno: el verso libre, poesía concreta, poesía sonora, etc.



Una de las canciones más interesantes de este disco, aunque no la más conocida o trascendental (que quizá sean "Todas las hojas son del viento" y "Cantata de puentes amarillos") es "POR", ya que el flaco Spinetta crea esta canción sin usar frases o versos, sino diversas palabras sueltas sin unirlas sintácticamente. No sé si la elección de las palabras haya tenido una razón en especial, a mí me gusta pensar que fue aleatoria la forma en que se compuso esta canción.



A manera de homenaje, hice un poema usando cada palabra de esta peculiar canción, uniéndolas para crear frases en el orden en el que fueron concebidas; sin embargo, el resultado quizá no provoque la ilación esperada, ya que pareciera estar escrito con alguna técnica surrealista, como la escritura automática.







“Por” la imaginación de Spinetta





Un ÁRBOL

pierde su HOJA

en el SALTO

de la LUZ



APROXIMACIÓN

del MUEBLE a la LANA

quien GUSTO en

el PIE TE arrastra

como el MAR

en su propio GAS



y la MIRADA

de aquella NUBE

sobre la LOBA

en el DEDO



mientras la

CAL del GESTICULADOR

y su HIJO

en la CAMA

se amalgama con

el sabor a MENTA

en su SIEN

de REY sin cresta



al FIN el SOL /

AMIGO en su

CRUZ llena de ALGAS

ha DADO al CIELO un

RIEL de ESTALACTITA



para que el MIRADOR

y su CORAZÓN de HOMBRE

reciba un RAYO

de FELPA y con

la SED de todos

se arranque una

EXTREMIDAD

dormida



todo mientras

la INSOLACIÓN

y al PARECER un CLAVO

del COITO de DIOS

creen TEMOR

en la MUJER

POR pura casualidad

Inti-Illimani en Puebla

Sábado 18 de noviembre a las 20:00 hrs.



Zócalo de Puebla abarrotado por todo tipo de personas, entonando un sólo himno, una sola voz que retumbaba: "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido".



A pesar del pleito judicial que la agrupación chilena Inti-Illimani tiene por el uso del nombre, -ya que solamente Jorge Coulon permanece como miembro creador, en tanto de Horacio Salinas, Horacio Durán y José Seves, entre otros, se retiraron hace algún tiempo y crearon una agrupación alternativa llamada Inti-Illimani Histórico-, los poblanos lo pasaron por alto para reunirse entorno a la música que marcó un hito dentro de la histora, no sólo por el contenido social y el colorido artístico, sino por la relevancia de esta agrupación dentro de los sucesos ocurridos en Chile en 1973, más específicamente, el golpe de estado al gobierno de Salvador Allende.



Inti-Illimani, como es bien conocido, permanecieron exiliados durante 15 años en Italia, país donde desarrollaron su carrera de músicos y activistas sociales; difundiendo la música folclórica latinoamericana al mismo tiempo que aprendían y mezclaban los estilos de la música étnica del país adriático.



El concierto se desarrolló de manera magistral, con la ya bien conocida capacidad técnica de sus integrantes, especialmente en el charango, ya que cada que empezaba el rasgueo de este instrumento, la gente arremetía con júbilo y emoción. Las canciones más coreadas, quizá, fueron "El Aparecido" de Víctor Jara, "Sobre tu Playa", "Samba Landó" y, con especial énfasis, "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido" de Quilapayún. Cabe destacar, asimismo, que desde el principio del concierto la gente pedía, casi con ansiedad, esta última pieza, ya que Inti-Illimani fue quien difundió este himno internacional de protesta. La interpretación de "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido", fue similar -con un solo de guitarra al principio- al del disco en vivo, Viva Italia, que conmemora el 30 aniversario de la agrupación, y de la misma manera, el concierto concluyó con "La Fiesta de San Benito".



Este es uno de los conciertos más emotivos a los que he asistido en mi ciudad. Hay que reconocer la calidad de los músicos, pero también el calor que irradian sus canciones, la unidad que provocan en la gente, y esa fuerza que a pesar de los años no desiste: la resistencia.



Nota: Esuché a mucha gente pedir el himno "Venceremos"; de hecho Ricardo, Emmanuel, Alfredo y yo, gritamos al unísono ¡VENCEREMOS!; sin embargo, a veces el esquema de los conciertos no se rompe. También hay que entender que Inti-Illimani quiere dejar un poco atrás el pasado, sobre todo las canciones que apelan directamente a la resistencia, a la protesta, y que ellos sean recordados principalmente por su música, lo cual es entendible.



Nota2: En la actualidad hay dos agrupaciones de Inti-Illimani, como lo comenté al principio: Inti-Illimani Histórico, y la que escuchamos, Inti-Illimani Nuevo, nombre que tienen que usar en tanto la corte da un fallo para derechos del nombre; sin embargo, ellos se niegan a usarlo. A pesar de todo, la fuerza de la agrupacion esta latente, esperemos que cualquier decisión que se tome en el futuro sólo sea para bien de la música.

Dos noticias (ficticias) de un encuentro (inventado)

Un periodista entrevistando a John Cage, le dice, quizás tratando de adularlo, que a veces los círculos musicales comentan que tras su visita a Darmstadt, su obra se había convertido en una influencia para Stockhausen.

A ello el compositor responde «No, yo creo que la gente sabe perfectamente bien lo que les interesa. Y alguna vez Karlheinz y yo hablamos e intercambiamos ideas. ¿Conoces la historia del silbido?»

«No, no creo», confiesa el periodista.

J.C. «Bueno, él había escrito una canción para Cathy Berberian, a quien yo también compuse algunas obras. En mi visita a Darmstadt me hizo la siguiente pregunta: “si estuvieras escribiendo para una cantante, ¿escribirías música, o escribirías para la cantante?” Y yo contesté, naturalmente: “Escribiría para la cantante”, a lo cual replicó: “bueno, esa es la diferencia entre tú y yo, porque yo escribiría música” Así que escribió la canción para Cathy, donde le pedía que silbara. Ella no podía silbar. Así que esa es la diferencia entre nosotros dos».

/Risas/

[al mismo tiempo, pero del otro lado del Atlántico]

Como en raras ocasiones, Karlheinz permitió ser entrevistado. El periodista, que temblaba un poco, preguntó la opinión que tenía de los compositores norteamericanos, en especial de aquel defensor de la indeterminación y el azar en la música, John Cage.

Karlheinz casi siempre reacio a preguntas directas, dice lo siguiente «¿Conoce usted aquella anécdota de Cathy Berberian y una canción que compuse para ella?».

/El periodista niega con la cabeza/

K.S. «Bueno, sucedió, si mal no recuerdo, de esta manera. Yo sabía de Cathy por Luciano [Berio], en esos momentos estaban de visita en Darmstadt. Eran buenas épocas, a finales de los 50, cuando asistían a dar seminarios Boulez, Ligeti, Kagel, y muchos otros; yo mismo impartí varias conferencias de música electroacústica y los avances que hasta esa época fueron tan determinantes para nosotros. Cage también estaba en Alemania, y todos sabíamos del gran potencial de la voz de Cathy. Así que decidí escribirle una canción, una en la que luciera su voz sin acompañamientos. Alguna vez me encontré con John Cage, y le hice una simple pregunta: “si estuvieras escribiendo para una cantante, ¿escribirías música, o escribirías para la cantante?”; él dijo que escribiría para la cantante, y de alguna manera intuía su respuesta, ya que era común que escribiera música para intérpretes determinados, como las composiciones que hizo para Joan La Barbara. Y claro, yo respondí: “bueno, esa es la diferencia entre tú y yo, porque yo escribiría música”. Después me enteré que Cathy no podía silbar, y la obra exigía que silbara. Creo que John ahora se mofa de eso, y va contando esa anécdota a todos lados. Tan fácil que era simplemente darle un silbato… ».

«¿Y qué opina de… de… de John Cage?», tartamudea el periodista, quien no logra interpretar la respuesta anterior.

/Karlheinz lo mira fijamente. Se levanta de su asiento/

[La entrevista ha concluido]

Gotan Project - Del arrabal al lounge

Y un día el bandoneón se puso de moda…

Cuando Astor Piazzolla inauguró el Nuevo Tango, tal vez no imaginaba los alcances que tendría el añejo sonido del bandoneón en todo el mundo. Una cosa es cierta, y lo confirma Borges en Evaristo Carriego, el tango (sea bonaerense, oriental o platense [nadie se pone de acuerdo]) nació en los lupanares, entre duelos y dagas, canciones y guitarras, entre hombres valientes y desalmados; pero sobre todo, entre la soberbia y la muerte. Esos muertos viven: en el tango (El tango, poema musical, de Borges y Piazzolla).

Tengo que ser honesto, cuando supe que había grupos haciendo tango con DJ’s, no pude hacer otra cosa que criticar dicha acción, pero en aquel instante pensé que estaba siendo tan injusto como aquellos clásicos tangueros que calificaron a Piazzolla como un hereje. Después de escuchar y crear una opinión más o menos objetiva, debo decir que el trabajo de algunos intérpretes, como Carlos Libedinski, o Piazzolla Remixed, donde colaboraron múltiples artistas; son remarcables, y hasta saludables para la evolución del tango como género universal (hace muchos años sobrepasó las fronteras criollas). Para constatar esto habrá que identificar las nacionalidades que componen a Gotan Project, ya que está integrada por un DJ francés (Philippe Cohen Solal), un músico suizo (Christoph H. Müller) y un intérprete argentino de bandoneón y guitarra (Eduardo Makaroff); un grupo de genealogías tan diversas, como la música que han creado y moldeado.

En la actualidad, y con el éxito en las manos, pueden presumir una discografía envidiable (4 álbumes, 3 de estudio y 1 en vivo) para los cinco años que llevan como agrupación. Si no conocen a Gotan Project (nótese que Gotan hace la misma alusión que creó Daniel Viglietti en No tan gotán) yo les recomiendo que escuchen el disco que los llevó al éxito, La Revancha del Tango. Los ritmos sugerentes, las melodías decadentes, el bandoneón con su melodía erótica, la nostalgia que supone cada una de las letras, así como un discurso contestatario, marca la pauta de este maravilloso álbum. Para que los disfruten los adictos al tango, y asimismo, los entusiastas del lounge.

Gotan Project (web site en español)

La musa inepta en la Angelópolis

La musa, contenta de su non-esbelta figura, visitó esta vez la muy heroica ciudad de Puebla, para darse vuelco en un agasajante y festivo evento, que continúa las celebraciones de los 475 años de la fundación de esta magnánima ciudad.

Siempre atenta a la cultura, la musa que ya había partido plaza al visitar la ciudad en la presentación de ópera, “Operissima”, se pregunta ¿por qué no presentan una ópera entera y sólo cachitos?

Pero esta vez, nuestra regordeta amiga, quiso darse un taco de ojo (y de paso de oreja), porque el tenor Fernando de la Mora se presentaba en Puebla, con todo y voces de Ángeles. Tal vez cuando se presenta en Toluca lo hace con las voces del coro de Mefistófeles.

El estudiado programa, como sucede siempre en Puebla (¿recuerdan a la OSEP tocando con la Sonora Margarita?), recorrió diversos estilos musicales, desde la Ópera, los Boleros, y hasta Mariachi. Tan variada fue la velada, que la primera parte (Tres preludios y tres arias de la ópera “Carmen”) estuvo coreada por bostezos, y al final todo mundo cantaba, gritaba, y chiflaba junto al Mariachi Gama 1000.

La musa llegó muy temprano al Complejo Cultural Siglo XXI, pues el boleto sugería llegar con harta puntualidad (45 minutos antes); no faltó, por supuesto, quien llegó 5 minutos tarde. Mientras esperaba, con su regordeta figura dispuesta en su asiento, leía con admiración el programa que las señoritas edecanes (a las que nos les envidiaba nada), le habían obsequiado. Se asombra por el despliegue artístico de De La Mora, que además de haber trabajado bajo la batuta de directores de la talla de: Zubin Mehta, Ricardo Muti, Sir John Pritchard, Richard Bonynge, Lorin Maazel, Charles McKerras, Enrique Patrón de la Rueda y Eduardo Mata, tiene un repertorio insólito. Para remarcar esto, la musa prefiere citar textualmente.

“Su repertorio incluye principalmente ópera francesa e italiana como Hoffmann (Los Cuentos de Hoffmann), Werther (Werther), Romeo (Romeo y Julieta), Fausto (Fausto), Don José (Carmen), Des Grieux (Manon), Gerard (Lakmé), Rodolfo (La Bohème), Rodolfo (Luisa Millar), Alfredo (La Traviata), Pinkerton (Madama Butterfly), El Duque de Mantua (Rigoletto), Leicester (Maria Stuarda), Nemorino (Elixir de Amor), Mario Cavaradossi (Tosca), Macduff), Roberto Devereux (Roberto Devereux), Percy (Ana Bolena), Paco (La Vida Breve), etc.”.

La musa se cuestiona, malhumorada, ¿es el compositor entre paréntesis o la obra?, ¿o quizás sean personajes de la ópera?. Pero aún así, confundida, prefiere no resolver este acertijo.

Así mismo, se percata que el tenor será acompañado por una dama, la soprano Irasema Terrazas, quien también cuenta, de acuerdo al programa, con un repertorio interesante. Se citará textualmente una vez más.

“…interpretando roles en óperas del repertorio tradicional, tanto como en estrenos internacionales: Leïla, Amor, Inés, Venus, Adina, Eurídice, Micaela, Flor, Silvia, Maria, Pamina, Amy, Arianna, Estela, Paulina; y a Freia, Helmwige, Waldvogel y Woglinde en la Tetralogía de Wagner: Der Ring des Nibelungen”.

Lo último que faltaba, ahora también los personajes de ópera se rebelan y no quieren responder a su autor. Resulta que esta soprano también hace papeles en obras de teatro conocidas, como Christine, ¿alguien conoce al autor?, la musa tampoco.

Luis Alvaz
13 – diciembre – 2006

NOTA: La musa inepta es una sección de la revista Pauta, que en la actualidad escribe el escritor y musicólogo Juan Arturo Brennan, a quien personalmente admiro muchísimo. Antes, un gran hombre de letras alternaba con Brennan la redacción de esta divertida sección, Luis Ignacio Helguera, quien falleció hace pocos años. A ambos dedico este pequeño sortilegio, no sin antes invitar a todos a crear una conciencia crítica en los eventos culturales que se presentan en la ciudad de Puebla. En lo personal jamás he estado en contra de la difusión cultural (yo mismo me dedico a eso), sin embargo, nuestra ciudad capital del Estado (por ende, gobierno estatal y municipal), tiene una extraña forma de hacernos llegar la “cultura”. Algunos la llaman Alta Cultura (High-Cult); un término bastante controversial. Yo quisiera que el mundo viera al arte como una cosmovisión, no sólo como un escaparate o un desencuentro con la realidad cotidiana. El arte está mucho más allá de lo que nos presentan en un escenario, el arte está en ti y está en todos. Este mensaje no es unilateral, si quieren compartir sus opiniones conmigo, yo estoy dispuesto a escucharlas y leerlas. Muchas gracias por su atención.