Theft

Lansing D. McLoskey (Cambridge) "Theft", para piano y voz, interpretada por Guy Livingston

(para el proyecto "Don't Panic! 60 Seconds for Piano")

Theft. 

The funny thing about life is that it's temporary; that is to say, temporary in the intemporal sense of the word, meaning that all living things and all that we do are subject to the precepts and effects of time. If you live an average lifespan and escape such non-time-related hazards as fire, wolves, cancer, steep precipices, Mack trucks, and bolts of lightening you can count on somewhere in the vicinity of thirty-nine million minutes for you to use as you see fit according to your free will and constraints that may be imposed upon you by environmental, health, economic, and political boundaries. Though this may sound more than sufficient, consider that the first nine million are spent learning to simply function and trying to figure out what your priorities are. Thirteen million of them are spent sleeping and another five million or so eating to obtain the energy needed to deal with the little remaining time. Of course in order to buy all this food and protect yourself from the wolves and lightening you'll spend some nine million working by the sweat of your brow. Untold millions are spent enduring uninteresting conversations, watching bad TV shows and doing things that you don't like. You ever feel like someone just stole a minute of your life?

Robo

Lo curioso acerca de la vida es que es temporal; es decir, temporal en el sentido intemporal de la palabra, lo que quiere decir que todas las cosas vivas y todo lo que hacemos está sujeto a los preceptos y efectos del tiempo. Si usted  tiene una esperanza de vida promedio y logra escapar a peligros no relacionados con el tiempo como fuego, lobos, cáncer, precipicios escarpados, camiones Mack, y rayos, puede contar con algunos de los siguientes treinta y nueve millones de minutos que le quedan por usar como le plazcan de acuerdo a su voluntad y las imposiciones que quizá le imponga el medio ambiente, la salud, la economía y las barreras políticas. Aunque esto parezca más que suficiente, tiene que considerar que los primeros nueve millones de minutos serán gastados aprendiendo a simplificar funciones y tratando de identificar cuáles son sus prioridades. Trece millones de minutos serán usados en dormir y otros cinco millones en comer para obtener la energía que necesitará para lidiar con el resto del tiempo. Claro que para poder comprar toda esa comida y protegerse a usted mismo de lobos y rayos, tendrá que usar unos nueve millones de minutos trabajando con el sudor de su frente. Sin mencionar los millones de minutos usados en conversaciones aburridas, mirando malos programas de televisión y haciendo cosas que no le gustan. ¿Alguna vez ha sentido que alguien le robó un minuto de su vida?

El Piano... Silencio

Silence 
(Thomas Hood, 1798-1845)

THERE is a silence where hath been no sound,

There is a silence where no sound may be,

         In the cold grave--under the deep, deep sea,

Or in wide desert where no life is found,

Which hath been mute, and still must sleep profound;

         No voice is hush'd--no life treads silently,

         But clouds and cloudy shadows wander free,

That never spoke, over the idle ground:

But in green ruins, in the desolate walls

         Of antique palaces, where Man hath been,

Though the dun fox or wild hyaena calls,

         And owls, that flit continually between,

Shriek to the echo, and the low winds moan--

There the true Silence is, self-conscious and alone.

 _____

* La parte sombreada del poema, es la frase que al final de la película se le escucha decir a Ada (protagonista del film El Piano), con la bella música de Michael Nyman como fondo.

Ada se describe a ella misma en el fondo del océano, junto a su piano en total silencio, donde el sonido nunca ha existido, donde el sonido no puede ser, en la tumba fría del mar.

Una escena poética, tanto por los detalles de la fotografía, la voz de la protagonista enunciando el poema de Hood y la música de Nyman.

Más que en cualquier otra película, en esta, la música tiene un rol protagónico esencial

Ligeti: Trois études

Pierre-Laurent Aimard interpreta tres estudios para piano del primer libro de György Ligeti. Los estudios son: Étude I: Désordre; Étude III: Touches bloquées; y Étude VI: Automne à Varsovie

En este sitio podrán encontrar el disco György Ligeti Edition Vol. 3, donde se encuentran los 15 estudios para piano y Música Ricercata, obras interpretadas por el pianista francés Pierre-Laurent Aimard

Alamaailman Vasarat

"It's all about art and its absence."

¿Alguna vez conocieron un ensamble con esta dotación instrumental? Un saxofón soprano, una trombón, dos cellos amplificados y/o distorsionados, y sintetizador.

Si has escuchado un ensamble así, seguramente se trataba de Alammailam Vasarat (Martillos del Inframundo).

Ellos se autodenominan como una banda de kebab-kosher-jazz-film-traffic-punk-music, y quizá ni con esa gran denominación podrían cubrir todas las gamas sonoras que logran con su peculiar estilo.

Dejo este video (con un toque surrealista), para que deleiten sus oídos.

Si quieren escuchar un poco más de esta peculiar agrupación, quizá puedan empezar con Maahan, del 2007.

Lección de música (de Douglas F. Hofstadter)

Otra vez el Ismo* 

Cage ha encabezado un movimiento dirigido a anular los límites entre arte y naturaleza. En música, la noción correspondiente es que todos los sonidos son iguales: una especie de democracia acústica. Así, el silencio tiene exactamente la misma importancia que los sonidos organizados. Leonard B. Meyer, en su libro Music, the Arts, and Ideas, ha denominado "trascendentalismo" a este movimiento musical, y afirma:

Si la distinción entre arte y naturaleza es errónea, la evaluación estética carece de pertinencia. No hay mayor fundamento para juzgar una sonata para piano que para juzgar una piedra, un trueno o una estrella de mar. "Los enunciados categóricos tales como correcto e incorrecto, bello y feo, típicos del pensamiento racionalista de la estética tonal", escribe Luciano Berio, "ya no son útiles para comprender por qué ni cómo un compositor actual trabaja con las formas audibles y la acción musical".

Más adelante, Meyer expone la posición filosófica del trascendentalismo:

... Todas las cosas, en todo tiempo y espacio, están inextricablemente conectadas entre sí. Todas las divisiones, clasificaciones y distribuciones asignadas al universo son arbitrarias. El mundo es un acontecimiento complejo, continuo y único.

Creo que "trascendentalismo" es una denominación excesivamente abultada para este movimiento. En su lugar, yo lo llamaría "ismo". Tratándose de un sufijo sin prefijo, sugiere una ideología sin ideas, lo cual, pese a lo que pueda interpretar el lector, quizá sea el caso. Y, puesto que "ismo" abarca lo que sea que fuere, es una denominación perfectamente adecuada. Ismo es el espíritu del zen en el campo del arte; y, así como el objetivo central del zen es el desenmascaramiento del yo, el problema central del arte de nuestro siglo parece ser el descubrimiento de qué es el arte mismo. Todos estos estremecimientos son parte de sus crisis de identidad.

Ya hemos visto que la dicotomía uso-mención, cuando es desarrollada, se transforma en el problema filosófico del dualismo símbolo-objeto, el cual, a su vez, se vincula con el misterio de la mente. A propósito de su cuadro La condición humana I, Magritte escribió:  

Frente a una ventana, vista desde el interior de una habitación, coloqué una pintura que representaba exactamente la parte del paisaje que quedaba oculta por la propia pintura. En consecuencia, el árbol representado impide la visualización del árbol situado detrás suyo, fuera de la habitación. Por así decir, el árbol existe de dos formas simultáneas en la mente del espectador: dentro del cuarto, en la pintura y fuera del cuarto, en el paisaje real. Y esto se asemeja a la manera en que vemos el mundo: lo consideramos exterior a nosotros, pese a que no es sino una representación mental de nuestras experiencias internas.

_____________________
* Hofstadter, Douglas F. (2007). Gödel, Escher, Bach. Un Eterno y Grácil Bucle. Fabula Tusquets Ediotores. Págs. 785 y 787. 

Intervalo vacuo

Del ruido

                al silencio

hay un

               fragmento

de la

                nada

en ese abismo

                  de

                     sombras

pernocta

              un murmullo

que no

                sale

de tu

                 boca

Del ruido

                al silencio

hay un

          intervalo

                        vacío

es un

        sonido

                  inconexo

que sólo

           escuchan

                los ciegos

Oliver Messiaen, Quatuor pour la fin du temps, III. Abîme des oiseaux, interpretado por el Cuarteto Messiaen

Black Angels de George Crumb

Black Angels, del compositor norteamericano George Crumb, es uno de los cuartetos de cuerda más singulares de todos los tiempos.

Para empezar es denominado cuarteto de cuerdas electrónico, pues requiere la amplificación de los instrumentos, además del uso de otros elementos sonoros poco convencionales en una pieza de esta naturaleza.

George Crumb le pide a los intérpretes que además de hacer uso de técnicas extendidas de los instrumentos de cuerdas (como tocar con el lado contrario del arco), que toquen algunos instrumentos de percusión, como un gong, tam-tams, copas con agua, maracas, y además de esto que canten y hasta griten (por eso les coloca micrófonos a cada uno).

También cabe destacar que la pieza posee una connotación bien clara, pues se trata de un grupo de piezas fúnebres, danzas, pavanas y trenos o lamentos fúnebres, inspirados en la Guerra de Vietnam, pero también con claras alusiones místicas y religiosas. Como lo dice el blog oficial del compositor, el nombre Black Angels hace referencia a la figura del ángel caído, pero también hay referencias simbólicas a lo largo de la obra, como las escalas descendentes que utiliza (Mi, La y Do#), que según la página del compositor representa los "proféticos" números 7 y 13. Asimismo los músicos entonan una especie de conteos rituales en diferentes lenguas, incluyendo el lenguaje Swahili.

Black Angels también hace uso de la citación musical, utilizando obras como el Cuarteto de Cuerdas No. 14 ("La muerte y la doncella") de Franz Schubert, varias referencias del cántico medieval Dies Irae (Día de ira), el uso del intervalo llamado popularmente Diabolus in musica o Tritono (la cuarta aumentada) y el Il Trillo del Diavolo (el Trino del Diablo) de Giuseppe Tartini.

La obra se divide en 3 movimientos (Salida, Ausencia y Retorno), pero cada uno de ellos a su vez se divide en partes:

1. DEPARTURE
   1. Threnody I: Night of the Electric Insects
   2. Sounds of Bones and Flutes
   3. Lost Bells
   4. Devil-music
   5. Danse Macabre
2. ABSENCE
   1. Pavana Lachrymae
   2. Threnody II: Black Angels!
   3. Sarabanda de la Muerte Oscura
   4. Lost Bells (Echo)
3. RETURN
   1. God-music
   2. Ancient Voices
   3. Ancient Voices (Echo)
   4. Threnody III: Night of the Electric Insects

Black Angels de George Crumb, interpretado por Arsis4

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Escucha... El grito del silencio

Este martes (23 de junio) a las 7pm (GMT -5:00) en El grito del silencio:

Especial Guitarra Contemporánea (en homenaje a Leo Brouwer, quien dará clases magistrales de guitarra en la Ciudad de Puebla):

Leo Brouwer (Tercer movimiento de su Sonata para guitarra, interpretada por Graham Anthony Devine);
Giacinto Scelsi (Ko-Tha - tre danze di shiva per chitarra trattata come uno strumento a percussione - II, interpretada por Michael Kiedaisch)
Giacinto Scelsi (Improvisation X para guitarra, contrabajo y trombón, interpretado por Michael Kiedaisch, Stefano Scodanibbio y Michael Svoboda)

Badi Assad (Libra Sonatine, Fuoco de Roland Dyens);

Al Di Meola (Tema de María, de A. Piazzolla);
Eduardo Isaac y Badi Assad (Fragmento de Köln Concert de Keith Jarrett)
Sérgio & Odair Assad (Zita, de la Suite Troileana de A. Piazzolla);
Eliot Fisk (Capricho No. 5 de N. Paganini, arr. para guitarra)
Omaggio a Berio (Experimento sonoro que utiliza obras de Michel Chion, Luciano Berio y Heitor Villa-Lobos)
y muchos ruidos más...

por Hambre Radio

Escúchalo también este jueves (25 de junio) a las 7pm (GMT -5:00) por Radio Rebumbio 

¡ESCUCHA!...

El Grito del Silencio

[donde la radio hace ruido]

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Escúchame todos los martes de 7 a 8 pm (GMT -5:00), por Hambre Radio (http://www.hambreradio.net/)

...y los jueves de 7 a 8 pm (GMT -5:00), por Radio Rebumbio
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Música experimental
Arte Sonoro
Radioarte

Música Electroacústica y Electrónica
Jazz

Rock experimental
Y más ruidos...

Cuarteto de genios* (de Alberto Blanco)

a Igor Stravinsky

En mayo de 1922, en París,
justo después de la publicación del Ulises
y medio año antes de la muerte
del autor de En busca del tiempo perdido 

Se encontraron
por única vez, en una cena,
cuatro genios del siglo XX:
Joyce, Proust, Picasso y Stravinsky.

Joyce había leído unas cuantas páginas de Proust
y no había reconocido allí ningún talento.
Proust, por su parte,
nunca había oído hablar de Joyce.

Picasso ocupó la velada
cortejando a las jóvenes presentes
mientras que el aristocrático Stravinsky
no le prestó atención a nadie.

Proust se la pasó lamentándose
de su pobre digestión
y Joyce hizo otro tanto
sobre sus legendarios dolores de cabeza.

Podemos imaginar la lujosa mesa
como un bodegón
-una naturaleza muerta-
de Picasso;

Y la música de fondo
como un cuarteto de cuerdas de Stravinsky
punteando por los largos silencios
de la incómoda conversación.
___________________
*Blanco, A. (2005). Música de cámara instantánea. CONACULTA

 

gracias a Google es bien sabido que hoy es el 127 aniversario del compositor de Petrushka,  El pájaro de fuego y La consagración de la primavera

La Consagración de la Primavera, de I. Stravinsky, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londrés, dirigida por Pierre Boulez

Crótalo

Composición de I. Adiego para castañuelas y violoncello (con poema de Federico García Lorca), interpretado por Iñaki Etxepare y Ludovica Mosca

Crótalo (Federico García Lorca)

Crótalo.

Crótalo.

Crótalo.

Escarabajo sonoro.

En la araña

de la mano

rizas el aire

cálido,

y te ahogas en tu trino

de palo.

Crótalo.

Crótalo.

Crótalo.

Escarabajo sonoro.

Fragmento de "La Ignorancia"* (Milan Kundera)

[Ver también Kundera sobre Schoenberg]

Ya en 1930 [Schoenberg] escribía: «La radio es un enemigo, un despiadado enemigo que avanza irresistiblemente y contra la que toda resistencia es vana»; la radio, «sin sentido alguno de la medida, nos atiborra de música (...), sin preguntarse si queremos escucharla, si tenemos la posibilidad de percibirla», de tal manera que la música pasa a ser un simple ruido, un ruido entre otros ruidos.

La radio fue el pequeño arroyo en el que todo empezó. Llegaron después otros medios técnicos para reproducir, multiplicar, aumentar el sonido, y el arroyo se convirtió en un inmenso río. Si antaño se escuchaba música por amor a la música, hoy aúlla constantemente por todas partes «sin preguntarse si queremos escucharla», aúlla por altavoces en los coches, en los restaurantes, en los ascensores, en las calles, en las salas de espera, en los gimnasios, en las orejas taponeadas por los walkman; música reescrita, reinstrumentada, acortada, desgajada, fragmentos de rock, de jazz, de ópera, flujo en que todo se entremezcla sin que se sepa quién es el compositor (la música convertida en ruido es anónima), sin que se distinga el principio del fin (la música convertida en ruido no sabe de formas): el agua sucia de la música en la que muere la música.
________________
Kundera, M. (2005). La Ignorancia. Maxi Tusquets. Fragmentos tomados de las páginas 147 y 148.

... y es que los sonidos son promiscuos, pues fornican con todos los oídos.

Sonidos promiscuos

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Cuarteto número ocho* (de Alberto Blanco)

a Dmitri Shostakovich

Después de un largo otoño de ojos secos
Solamente una cosa es bien sabida:
Con el tiempo la muerte cobra forma
Humana... la raíz está dormida.

Una dramática música se escucha:
El invierno despierta en la ventana...
En el hospicio de las estaciones
La muerte es la paciente soberana
________
*Blanco, A. (2005). Música de cámara instantánea. Conaculta

The Attacca Quartet interpreta el Cuarteto de Cuerdas No. 8 de Shostakovich

El grito del silencio

El grito del silencio

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60 X 60 a circle of sound

Counting Time

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La idea es similar a lo que realizó Guy Livingston con Don't panic, 60 seconds for piano (que ya había posteado anteriormente). Sesenta compositores crean una obra de un minuto o menos. Sin embargo, a diferencia del proyecto de Livingston, éste fue pensado para ser un concierto, y más adelante se editó un disco con todas las piezas.

De acuerdo con lo que dice la página de la casa productora del disco (Vox Novus), el material está hecho para escucharse de tres maneras (muy estilo Rayuela): en primera instancia, como está dispuesto, es decir, en el orden de los tracks; la segunda de forma aleatoria; y por último, escuchar cada pieza por separado y de forma repetida, para descubrir los métodos compositivos de cada autor.

El disco es una especie de composición en colectivo, y aunque en realidad es bastante ecléctica, es inevitable percatarse de los estilos diversos de los creadores de cada pieza.

El proyecto en sí es bastante interesante, no sé si el resultado será el esperado, pues un disco jamás causará el mismo impacto que un concierto. Aun así, me parece que vale la pena darle una oída a este proyecto.

En la página de Aula Electroacústica están las ligas para bajarlo.

Cravo e Canela de Milton Nascimento

Esta pieza es un ejemplo de los alcances que puede tener el piano preparado (creado por John Cage), ya no en la música experimental, sino en la popular; lo cual, prácticamente, convierte al piano en una orquesta de percusiones.

Acordeón

Existe un estigma con el Acordeón, pues regularmente se le asocia a ciertos tipo de música vernácula; esto quizá a que se adaptó con facilidad a la música popular en diversos países, entre ellos México.

Sin embargo, durante el siglo XX, el acordeón cromático o bayan fue usado por diversos compositores, sobre todo por sus características sonoras e interpretativas, las cuales fueron explotadas de diversas maneras.

Dentro del catálogo de obras para acordeón vale la pena señalar la Sequenza XIII de Luciano Berio dedicada a Teodoro Anzellotti; De Profundis y Bajo el signo de escorpión, de Sofia Gubaidulina; esta última para acordeón y orquesta.

Teodoro Anzelloti es uno de los intérpretes más destacados del acordeón, e incluso él ha realizado numerosos arreglos de piezas para piano u otros instrumentos, para interpretarlas con su acordeón. Entre las más destacadas están Rrrrrrr de Mauricio Kagel, Musica Ricercata de György Ligeti, varias piezas de John Cage, como Cheap Imitation, Imaginary Landscape No. 1, Dream, etc. Uno de los discos más interesantes de Anzellotti es en el que interpreta varias piezas originales para piano de Eric Satie.

Otros de los intérpretes importantes del acordeón son Stefan Hussong, Eva Zöllner, Jaroslaw Bester y Mie Miki, quienes al igual que Anzellotti, han expandido las fronteras interpretativas del Acordeón.

Teodoro Anzellotti interpreta las primeras tres piezas de Musica Ricercata de György Ligeti

Algunas otras piezas para acordeón

Joheol (fragmento), de John Zorn, interpretado por Jaroslaw Bester (miembro del Klezmer Cracow Band)

Road Runner, de John Zorn, interpretado por Mie Miki

Sequenza XIII (fragmento) de Luciano Berio, interpretada por Teodoro

Anzellotti, a quien está dedicada esta pieza

Gnossiene No. 5 (original para piano) de Satie, interpretada por Teodoro Anzellotti

Rosalie (Rrrrrrr) de Mauricio Kagel, interpretada por Teodoro Anzellotti

El Pueblo Unido Jamás Será Vencido

Frederic Rzewski interpreta El Pueblo Unido Jamás Será Vencido

Una de las frases de protesta más famosas de la historia tiene sus orígenes en 1973, cuando la agrupación chilena Quilapayún toma dicha consigna para hacerla canción. Más adelante, otra agrupación de raíces folcloristas, Inti-Illimani popularizó la canción, sobre todo durante su exilio en Italia.

El compositor estadounidense Frederic Rzewski viaja a Chile donde conoce la canción de Quilapayún. En 1975 decide componer una obra para piano tomando como tema El Pueblo Unido Jamás Será Vencido. La pieza de Rzewski cuenta con 36 variaciones del tema original, lo cual la hace una pieza muy larga en extensión, pero además una obra muy demandante en cuestión interpretativa, pues contiene muchos pasajes virtuosísticos y otros donde se apoya de técnicas compositivas contemporáneas así como del lenguaje extendido para la interpretación pianística, como el uso constante de armónicos, golpear la tapa del piano, silbidos, hacer sonidos con la voz, etc.

Variación 12, donde se le pide al pianista que silbe

Algunos han comparado esta pieza con las Variaciones Goldberg de Bach, y las Variaciones Diabelli de Beethoven, ya que más allá del simbolismo de la obra, es una pieza de gran valor musical y artístico.

Existen unas 4 grabaciones de esta obra, la de Ursula Oppens (a quien está dedicada la partitura), la de Stephen Dury, la del virtuoso canadiense Marc-André Hamelin, y la del mismo compositor en una integral de 7 discos donde interpreta toda su obra pianística.

Rzewski, al igual que George Crumb, es uno de los compositores más comprometidos de los Estados Unidos, es por eso que casi todas sus obras poseen algún contenido simbólico con relación a temas sociales, y de hecho esta pieza la dedica también al pueblo chileno, en un momento que él consideraba que existía una enorme injusticia.

El Pueblo Unido Jamás Será Vencido, por Inti-Illimani

La música de Pollock

A veces los sonidos son

transmitidos por una

fuerza que lo repele todo,

esa fuerza, que elude

al mismo oído,

parece que encontró

un nicho perfecto

en los cuadros

de Pollock...

Hablar de Pollock no es sólo hablar de pintura, o de arte abstracto, o de la revolución plástica que devino con su curiosa forma de proyectar sobre el lienzo la pintura.

Entonces, cuando nos referimos a Pollock, hay algo de su obra que se escapa de la mirada y debe ser percibido por el resto de los sentidos. Es decir, si Pollock pintaba de una manera tan inusual, ¿por qué tendríamos nosotros que apreciar sus cuadros de la misma manera que vemos a Millet o a Van Gogh?

Pollock tuvo una relación estrecha con algunos de los compositores norteamericanos más importantes del siglo XX, como lo son John Cage y Morton Feldman. Para éste último, Pollock representó un colega y un mentor, cuyas motivaciones estéticas fueron paralelas. El mismo Feldman deja este testimonio:

Poco después de conocer a Rauschenberg, conocí a Jackson Pollock, quien me pidió que escribiera música para una película cuya realización acababa de concluirse. Yo me sentí muy complacido por esto, pues me hallaba en los inicios de mi carrera. Pollock vivía a las afueras de Long Island y sólo venía a la ciudad de manera esporádica, lo cual dificultaba que estableciéramos una continuidad real en nuestra relación. Al pensar en aquella época, me doy cuenta del gran paralelismo que existía entre las ideas musicales que yo tenía en 1951 y el modo de trabajar de Pollock. Él colocaba sus lienzos en el piso y pintaba al caminar sobre ellos. Yo ponía hojas de papel cuadriculado en la pared; cada hoja enmarcaba la misma duración temporal y era una verdadera estructura rítmica visual. Lo parecido a Pollock era mi enfoque de cobertura total (all over) de ese lienzo temporal. En lugar del típico pasaje que atraviesa la página de izquierda a derecha, aquí la cuadrícula horizontal del papel representa el tempo —donde cada cuadro equivale a una pulsación preestablecida— y a la cuadrícula vertical era la instrumentación de la composición.

Los paralelismos no se quedan ahí, el poeta Frank O'Hara también dijo algo similar con respecto a la pintura de Pollock, pero con relación a Anton Webern

…si hacemos una analogía entre ciertas pinturas en “allover” de Jackson Pollock y la técnica serial de Webern, descubrimos que una obra clarifica a la otra —una pintura que parece automática comienza a verse tan astutamente controlada por la sensibilidad de Pollock en su ensamblaje de los detalles hacia una experiencia unificada como los son ciertas piezas seriales de Webern.

Extracto de una película de Pollock del año 1951, la cual muzicalizó Morton Feldman.

Lutoslawski (1913-1994)

Hace 93 años nació el compositor polaco Witold Lutoslawski.

Lutoslawski dirige su obra Chains I

Capricho Nocturno* (de Alberto Blanco)

a Witold Lutoslawski

Una calle sonámbula
flaqueada por edificios grises
a punto de quedarse dormidos
deambula en la noche
haciendo eses sin despertarse,
movida —tal vez— por algún capricho.

Dando tumbos
la calle oscura se encuentra
con un farol solitario
haciendo guardia...
vacila al cruzarse,
se miran de soslayo...
mas no se dirigen la palabra.

A pesar de haber vivido
juntos tanto tiempo,
la calle nunca ha sabido
qué hace allí despierto un farol solitario
en las altas horas de la noche,
de la misma manera
en que el farol no comprende
los caprichos de una calle dormida.


*Blanco, A. (2005). Música de Cámara Instantánea. México: CONACULTA.
El título Capricho Nocturno alude al segundo movimiento del Concierto para Orquesta de Lutoslawski, Capriccio notturno ed Arioso

Al Piano en Pánico

A Guy Livingston

Sesenta segundos después
un rayo azotó
las compuertas derribadas

la ciudad del sueño
clamó el despertar
en el claro
de los ojos

tengo miedo a
que preguntes
por el fragmento
de mi alma

qué tal si
sólo se ha
demorado
en salir de la tapa

a un segundo
del último
teclazo

se levanta
y rechina las
cuerdas
silenciadas

Guy Livingston es un pianista bastante polifacético que hace algún tiempo se le ocurrió la idea de hacer un álbum en el que incluyera piezas para piano solo que duraran en promedio 60 segundos. Naturalmente el número de piezas incluidas en el disco también sería de 60 (para promediar una hora en total); y para que el asunto fuera aun más ecléctico e innovador, pidió a 60 compositores diferentes, de 60 ciudades distintas alrededor del mundo, componer una pieza de dicha duración para este proyecto en particular.

El resultado es sencillamente fascinante, un deleite para los amantes del piano, pero también para los interesados en la música contemporánea.

Tengo que reconocer que casi no conocía a ninguno de los compositores que participaron en el proyecto, pero al parecer fueron muy bien seleccionados, pues todas las piezas ofrecen un abanico de posibilidades en el piano impresionantes. Algunas piezas están compuestas con técnicas de composición contemporáneas como el serialismo, otras se van al estilo romántico, al minimalista, algunos emplean los recursos extendidos del piano (como accionar directamente las cuerdas con las manos), e incluso la utilización de la voz y los recursos electroacústicos, por lo que recomiendo bastante el disco.

En este sitio, de Aula Electroacústica, pueden bajar el disco completo.

Ketty Nez (San Francisco)- Moondrunk; esta pieza tiene reminiscencias del Claro de Luna (Moonlight) de Beethoven, y un poco de Debussy

Daniel Landau (Den Haag)- Losing it again (pieza para piano y cinta)

James Baiye (Regina)- Database of Desire (para piano y voz recitada)