Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe se casan

Liliana Felipe interpreta "Tienes que decidir"

Me acabo de enterar que Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe, por fin, han consumado su matrimonio. Me alegro, no tanto por ellas (aunque qué chingón), sino por el movimiento que han representado y el que tanto tiempo y esfuerzo le ha costado a muchos activistas (y a muchos #bugaprogay, como yo).

Yo sé que a ellas el acto de casarse ni les va ni les viene, ellas no necesitan un papelito para estar juntas, trabajar juntas y hasta quererse. ¿Después de como 30 años de ser pareja no hasta parece un estorbo eso del matrimonio? Yo sólo opino y juzgo de acuerdo a lo que he escuchado en sus declaraciones.

Además de ellas, otras 4 parejas, han logrado casarse por el nuevo estatuto civil que hace poco entró en vigor en el Distrito Federal, el de los matrimonios del mismo sexo (#matrimoniosgay o #matrimoniodf).

Aún queda mucho por hacer, por ejemplo, que en el IMSS se modifique la ley para que estas parejas tengan las mismas prerrogativas que un matrimonio heterosexual; también hay que tomar en cuenta las disposiciones que salgan del recurso de inconstitucionalidad promovido por la PGR; y bueno, las que vayan saliendo.

Ustedes se preguntarán, qué hace este comentario en un blog de música. Si usted es un lector ducho (como sé que lo es), sabrá que Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez, además de activistas, son excelentes artistas. A Liliana Felipe la tengo en especial estima porque es una magnífica cantante, pianista y compositora.

Hace poco tiempo las vi en "Diálogos entre Darwin y Dios", obra teatral de tipo monólogo, el cual conjuga las excelentes caracterizaciones de Jesusa, y la genialidad musical de Liliana; yo me atacaba de la risa, así como todo el auditorio.

Se dice que Jesusa, al subir al carro de boda (una esplendorosa bicitaxi) gritó: ¡Viva la Igualdad!

Y sí, hoy estamos contentos porque somos más iguales que antes, ¿que iguales a quién?... eso sí quién sabe, pero ya es hora de que todo esto se vaya extendiendo en nuestro país, así como todas las leyes que aún marginan, discriminan y degradan a grupos de la población, por muy pequeños que estos sean.

Photo by Pajaropolitico

Celia Inside (The Cardigans)

Esta canción en especial (no sé la razón) me revitaliza un poco cada vez que la escucho. La línea "so you should give them just what they need water and poetry" (así que deberías darles justo lo que necesitan agua y poesía), me parece tan cierta e ideal, tan simple y encantadora como la voz de Nina Persson.

En general me gusta The Cardigans, y no me cuesta trabajo aceptarlo; creo que la música de esta banda sueca es mucho más que lo poco que han presentado de ellos MTV o VH1. Incluso muchos consideran que son un One Hit Wonder.

Esta vez sólo me guiaré por el placer que me causa su música, y omitiré cualquier tipo de análisis.

Pues bien, gócenla:

The Cardigans, Celia Inside (en vivo)

you don't want the sun to shine in

so you turn the curtains down

your eyes still don't show me a thing

and you don't feel it's sunny outside

you don't want no joy for a while

but you stay up late at night

it hurts you that she's still alive

so you'll raise flowerbeds inside

but she, she will not get bothered at all

she's just watching the water at fall

so you should give them just what they need

water and poetry

cause she will not bother at all

she's just watching the water at fall

you should give them just what they need

cause she will not bother at all

but you won't say you're not adored

by her beauty... Celia inside

you don't want to feel her at all

but who's that fellowman of hers

with who, your dear Celia moved

and they'll sleep happily inside

... but you won't say you're not adored

by her beauty

and her purity

and her lovely.... Celia inside

Chopin y Liszt*

[en el bicentenario de Chopin]

Chopin tenía gran facilidad para hacer imitaciones tan fieles al original que, entre sus anécdotas, se cuenta que, un día, copió a Liszt en su manera de vestir, hablar y tocar, con tal exactitud que un ingenuo admirador de provincias que asistía a la representación, al encontrarse unos días después con el auténtico Franz Liszt, le dijo indignado: «¡Ah! ¡No, Chopin, esta vez no me engañará usted!»

[...]

En esa jungla de intereses y envidias que es cualquier profesión, Chopin y Liszt se llevan por entonces de forma ejemplar con mutuo respeto hacia sus respectivas habilidades. Así nace la bonita anécdota que ningún director de cine ha dejado de utilizar al filmar sus biografías.

Era una noche de mayo y los invitados estaban reunidos en el salón de la casa. Liszt tocaba un Nocturno de Chopin, pero, siendo él mismo compositor, no se limitaba a interpretarlo tal y como estaba escrito. Así intercalaba variaciones de todas clases, saliendo y entrando a su capricho de la partitura. Todos estaban admirados de su habilidad... menos Chopin que no podía ocultar su nerviosismo al ver tratar su obra con tanta libertad. Por fin se acercó al piano y dijo:

—Querido amigo, si me haces el honor de tocar algo mío, toca lo que está escrito; sólo Chopin puede corregir Chopin.

Liszt se levantó, un poco molesto.

—De acuerdo. Tócalo tú, entonces.

—Con mucho gusto.

Cuando Chopin se sentaba, una mariposa se acercó al quinqué y se quemó en la llama, apagándolo. Alguien quiso reavivar la llama, pero el músico se opuso.

—Al contrario. Apagad también todas las velas. Me basta la luz de la luna. Debió ser el sueño de todos los melómanos del mundo. Chopin tocando sus obras durante una hora iluminado únicamente por los rayos que entraban por la ventana. Cuando terminó, los presentes se levantaron entusiasmados; el primero fue Liszt, que le dijo, abrazándole:

  —Querido amigo, tenías razón..., las obras de un genio como tú son sagradas, y quien se atreva a corregirlas comete una profanación. Chopin le tranquilizó, Liszt, dijo, era capaz de tocar temas de cualquiera, ya fuere Weber o Beethoven, como nadie, y volvieron a abrazarse entre los aplausos del público. La anécdota corrió por todos los salones de París, y Chopin la repetía con la satisfacción de quien ha ganado una partida difícil. Días después, en el mismo salón donde había ocurrido la pugna anterior, rogó a su amigo que se sentara al piano mientras ordenaba a un criado que apagase todas las luces para que el ambiente fuese más íntimo; esa vez sin siquiera la luz de la luna. Ya a oscuras la sala, y cuando Chopin iba a empezar, Liszt le dijo al oído que le dejara la banqueta; el otro, imaginando que se trataba de una broma, se deslizó silenciosamente hasta la butaca vecina. Entonces Liszt procedió a interpretar todas las composiciones que Chopin había tocado en la velada famosa, y lo hizo con tal pureza que los emocionados asistentes creían que el polaco repetía su concierto anterior. De pronto, se detuvo, prendió una cerilla y encendió las velas que había encima del piano.  Asombro en la sala. ¡Creíamos que era Chopin!, a lo que el bromista contestó, saludando: «Como veis, Liszt puede ser Chopin cuando quiera, pero Chopin, ¿podría ser Liszt?» Nunca se supo, porque Chopin, tal vez por temor, quizá por orgullo, no aceptó el desafío, con lo que la pugna quedó en tablas.

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* Texto tomado del libro George Sand y Frédéric Chopin. Parejas que hicieron historia (1999), de Fernando Díaz-Plaja, Plaza & Janés

En el sitio del diario La Nación se puede encontrar otra versión del mismo relato

De cronopios melómanos

[Hoy hace 26 años falleció Julio Cortázar]

Si hay un escritor dedicado a su arte tanto como a la música ese quizá es Cortázar. En efecto su talento narrativo trascendió sus habilidades musicales. Como se sabrá fue un trompetista amateur y un melómano como pocos. Algunas anécdotas señalan que Cortázar además tocó el clarinete y el piano.

En textos como El Perseguidor o en la monumental Rayuela, nos demuestra su enorme sapiencia musical, así como su gusto refinado por el jazz.

Sin embargo, sus conocimientos y gustos musicales no sólo se quedan estancados en el jazz. Cortázar era un genuino conocedor del arte musical, y no sólo del entorno academista clásico, también del contemporáneo. Esto último puede corroborarse con la enorme cantidad de datos musicales que abundan en Rayuela y en otros tantos textos compilados en La Vuelta al Día en Ochenta Mundos.

Para no ir muy lejos, esta vez quisiera señalar un texto que me ha llamado mucho la atención. Se trata del cuento inédito (publicado ahora en Papeles Inesperados) titulado Manuscrito hallado junto a una mano, en el cual Cortázar nos muestra al gran narrador que fue, pero también al gran melómano.

La estructura del cuento está explicada en el mismo título. La historia contada es un manuscrito que (hipotéticamente) es hallado junto a la mano del escritor y nosotros somos los descubridores de ese texto. Desde ahí empieza la complejidad narrativa de Cortázar, la cual nos recuerda a otro cuento célebre, Continuidad de los parques.

Otro aspecto que es de llamar la atención es la enorme cantidad de referencias musicales, en especial a violinistas de alto calibre. Los violinistas que conforman el cuento son, quizá, algunos de los más grandes de todos los tiempos:

Nathan Milstein

Ruggiero Ricci

Isaac Stern

Arthur Grumiaux

Zino Francescatti

Yehudi Menuhin

Ricardo Odnoposoff

Christian Ferras

Ivry Gitlis

Jascha Heifetz

Leonid Kogan

David Oistrakh

Narrarles el cuento y la relación de los violinistas antes mencionados con los hechos de la historia, sería arruinarles toda la sorpresa. En 6 páginas, Cortázar hace gala de su gran capacidad de unificar hechos ficticios con eventos y personajes reales, y luego arrancarnos una sonrisa, el mismo placer que quizá él haya sentido al escuchar a este grupo de violinistas reunidos, con la brevedad, la ironía y el virtuosismo de un Capricho de Paganini.

Nathan Milstein interpreta "Paganiniana"

Doce razones por las que no escucho ópera (de Eusebio Ruvalcaba)

Como cada diciembre, un gordo llega y nos colma de regalos, ¿no es así?... bueno, no; pero yo sí les dejo un regalito que descubrí en un libro de Eusebio Ruvalcaba, genial escritor, ensayista, poeta, pero sobre todo, melómano; ya que además fue hijo de músicos, su padre fue el gran violinista (primer violín del Cuarteto Léner), Higinio Ruvalcaba.

El siguiente texto lo añado textual porque me parece muy entretenido e informativo, además porque me sentí extrañamente aludido e identificado en él. Dice así:

Doce razones por las que no escucho ópera*

Para Aída Aguilar

1. Por ignorante.
2. Porque cuando le preguntaron a Brahms la razón por la que no había compuesto ópera, respondió sin más: «Hay dos cosas que nunca haré: casarme y componer una ópera». Como mero escucha, yo me sumo a las preferencias brahmsianas, aunque demasiado tarde en cuanto al matrimonio.
3. Porque no creo nada de lo que está pasando en el escenario.
4. Por que no tengo paciencia para escuchar una historia que avanza a pasos de tortuga.
5. Porque musicalmente la ópera nunca me dará lo que me da la música de cámara: la intimidad, el recogimiento y el alborozo individual, ni tendrá jamás esa inmutable capacidad de permitirme mirar hacia dentro de mí, gozar la música en el sentido más profundo, reconciliarme con la vida y agradecer el hecho de estar vivo. Algo que solamente leyendo El sermón en la montaña es posible obtener, en mi caso.
6. Porque el mundillo de la ópera inequívocamente me remite al taurino.
7. Porque, por regla general, las sopranos son incapaces de sentarse a escuchar respetuosamente un cuarteto de cuerdas -bueno, ni siquiera irrespetuosamente.
8. Porque la voz la prefiero un millón de veces a través del género lied o bien de la música sacra, géneros antitéticos de la ópera.
9. Porque las oberturas me parecen tan increíblemente bellas, digamos perlas en las que está concentrado todo el arte de la música; creo que las oberturas son la mejor puerta de entrada a la música. Las oberturas me dan todo. Su unidad es perfecta, principian y terminan de un modo expedito, nada en ellas sobra o falta. Por lo que me pregunto: ¿cómo voy a ser capaz de ponerme a escuchar una ópera, que musicalmente constituye lo opuesto de la obertura? En otras palabras, ¿cómo podría pasar de un poema a una telenovela sin alterar mi sistema nervioso, terminar psicotizado, salir a la calle y asesinar a una piadosa ancianita?
10. Porque los atrilistas de una orquesta sinfónica no tienen nada que ver con el divismo de los cantantes; antes bien, los tenores y sopranos que se dignan dirigirles la palabra a los músicos del foso se cuentan con los dedos de la mano. Desde luego, esto no tiene nada que ver conmigo, porque ni soy músico ni toco en una sinfónica, pero lo saco a colación nomás por no dejar.
11. Porque solamente se puede gustar de un género como la ópera -o como cualquier género- cuando se lo mama desde niño, desde el vientre materno, y en mi casa nunca se escuchó más que música de cámara.
12. Porque prefiero vivir con esa laguna en mi cultura. Después de todo, no deja de ser excitante saber que hay una puerta cuyo umbral uno nunca se atreverá a cruzar.

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* Tomado de Con los oídos abiertos. Aproximaciones al mundo de la música (2002). Paidós Amateurs.

Eusebio Ruvalcaba

Este post no es para desdeñar a la ópera, yo mismo he intentado escuchar diversas óperas y, en ocasiones, lo he logrado. He visto al menos media docena de óperas en formato DVD, y quizá dos o tres no me han conducido al reino de Morfeo.

También existen algunas óperas contemporáneas cuyo trama es mucho más interesante que aquellas óperas decimonónicas. 

Quizá es por eso que la mayoría de los cantantes y productores de ópera, programen más conciertos con las Arias aclamadas y concidas, que esas costosas producciones a las que sólo asiste gente con muchos recursos, pero con pocas covicciones con respecto al arte y la música.

Ligeti: Trois études

Pierre-Laurent Aimard interpreta tres estudios para piano del primer libro de György Ligeti. Los estudios son: Étude I: Désordre; Étude III: Touches bloquées; y Étude VI: Automne à Varsovie

En este sitio podrán encontrar el disco György Ligeti Edition Vol. 3, donde se encuentran los 15 estudios para piano y Música Ricercata, obras interpretadas por el pianista francés Pierre-Laurent Aimard

Sinfonía Vapor

El sábado pasado (28 de noviembre), y como ya había mencionado), se llevó a cabo el concierto denominado Sinfonía Vapor.

El concierto se denomina así porque conmemora una obra del compositor Melesio Morales -la homónima Sinfonía Vapor-, que fue compuesta ex profeso para la inauguración de la estación de ferrocarriles de la Ciudad de Puebla en el año 1869. Dicha estación es actualmente el Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos.

El concierto tuvo una duración aproximada de una hora, con una afluencia enorme de gente, ya que esta vez la difusión fue muy amplia. 

La Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, dirigida por Antonio Tornero, dio una cátedra de cómo debe interpretar una orquesta sinfónica profesional. Las obras interpretadas no fueron sencillas, y la ejecución en general fue de alto nivel. 

Les dejo un par de fotos del concierto.

 

Música de Ferrocarriles

Si están en Puebla este sábado (28 de noviembre) les recomiendo ampliamente asistir a este concierto, donde se interpretarán las siguientes obras:

• Música Para charlar de SILVESTRE REVUELTAS
• Máquina Férrea (Tocatta Ferrocarrilera) de LEONARDO CORAL
• Las Cuatro Estaciones Férreas de ARTURO MÁRQUEZ
• Sinfonía Vapor de MELESIO MORALES

El concierto corre a cargo de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, dirigida por Antonio Tornero, quienes además anunciaron este año realizar la primera grabación de la Sinfonía Vapor de Melesio Morales, junto a las obras antes mencionadas, como ellos mismos anunciaron en su blog.

Todas las obras del concierto son alusivas a los ferrocarriles. y de ahí que la interpretación de las mismas sea en el Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos. 

Este repertorio ya ha sido interpretado en este sitio desde hace varios años, y conmemora el hecho de la inauguración de la estación ferroviaria en Puebla en 1869. De hecho la pieza de Melesio Morales, la cual utiliza una locomotora real, fue compuesta para aquella ocasión.

Melesio Morales

Para más información, consultar la cartelera cultural del MNFM.

Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos
11 Nte. 1005, Col. Centro. C.P. 72000 Puebla, Pue

Alamaailman Vasarat

"It's all about art and its absence."

¿Alguna vez conocieron un ensamble con esta dotación instrumental? Un saxofón soprano, una trombón, dos cellos amplificados y/o distorsionados, y sintetizador.

Si has escuchado un ensamble así, seguramente se trataba de Alammailam Vasarat (Martillos del Inframundo).

Ellos se autodenominan como una banda de kebab-kosher-jazz-film-traffic-punk-music, y quizá ni con esa gran denominación podrían cubrir todas las gamas sonoras que logran con su peculiar estilo.

Dejo este video (con un toque surrealista), para que deleiten sus oídos.

Si quieren escuchar un poco más de esta peculiar agrupación, quizá puedan empezar con Maahan, del 2007.

Klezmerson

¿Qué les puedo decir? Hace poco escuché en vivo a Klezmerson. Desde hacía un par de meses había escuchado su segunda producción discográfica (Klezmerol, 2009), y había quedado encantado. Sin embargo, en vivo son mucho mejores.

Klezmerson, como su nombre lo dice, interpreta música klezmer (música judía de los países de Europa del Este), y la fusiona con otros estilos, esencialmente jazz, rock, son y otros ritmos.

La dotación instrumental que tienen se asemeja un poco a la del Bar Kokhba Sextet de John Zorn, sin que en ningún momento se pierda la originalidad de la banda.

Es la única agrupación mexicana de klezmer que conozco. Esperemos que el proyecto siga creciendo, y que otros músicos mexicanos se interesen por este género musical que sigue expandiéndose en todo el mundo.

[Más adelante hablaré de Alamaailman Vasarat, banda de klezmer finlandesa que se presentó en el FIP]

Por lo mientras escuchen a Klezmerson.

Y si les gustó, chequen esta página, donde pueden bajar el disco.

Lección de música (de Douglas F. Hofstadter)

Otra vez el Ismo* 

Cage ha encabezado un movimiento dirigido a anular los límites entre arte y naturaleza. En música, la noción correspondiente es que todos los sonidos son iguales: una especie de democracia acústica. Así, el silencio tiene exactamente la misma importancia que los sonidos organizados. Leonard B. Meyer, en su libro Music, the Arts, and Ideas, ha denominado "trascendentalismo" a este movimiento musical, y afirma:

Si la distinción entre arte y naturaleza es errónea, la evaluación estética carece de pertinencia. No hay mayor fundamento para juzgar una sonata para piano que para juzgar una piedra, un trueno o una estrella de mar. "Los enunciados categóricos tales como correcto e incorrecto, bello y feo, típicos del pensamiento racionalista de la estética tonal", escribe Luciano Berio, "ya no son útiles para comprender por qué ni cómo un compositor actual trabaja con las formas audibles y la acción musical".

Más adelante, Meyer expone la posición filosófica del trascendentalismo:

... Todas las cosas, en todo tiempo y espacio, están inextricablemente conectadas entre sí. Todas las divisiones, clasificaciones y distribuciones asignadas al universo son arbitrarias. El mundo es un acontecimiento complejo, continuo y único.

Creo que "trascendentalismo" es una denominación excesivamente abultada para este movimiento. En su lugar, yo lo llamaría "ismo". Tratándose de un sufijo sin prefijo, sugiere una ideología sin ideas, lo cual, pese a lo que pueda interpretar el lector, quizá sea el caso. Y, puesto que "ismo" abarca lo que sea que fuere, es una denominación perfectamente adecuada. Ismo es el espíritu del zen en el campo del arte; y, así como el objetivo central del zen es el desenmascaramiento del yo, el problema central del arte de nuestro siglo parece ser el descubrimiento de qué es el arte mismo. Todos estos estremecimientos son parte de sus crisis de identidad.

Ya hemos visto que la dicotomía uso-mención, cuando es desarrollada, se transforma en el problema filosófico del dualismo símbolo-objeto, el cual, a su vez, se vincula con el misterio de la mente. A propósito de su cuadro La condición humana I, Magritte escribió:  

Frente a una ventana, vista desde el interior de una habitación, coloqué una pintura que representaba exactamente la parte del paisaje que quedaba oculta por la propia pintura. En consecuencia, el árbol representado impide la visualización del árbol situado detrás suyo, fuera de la habitación. Por así decir, el árbol existe de dos formas simultáneas en la mente del espectador: dentro del cuarto, en la pintura y fuera del cuarto, en el paisaje real. Y esto se asemeja a la manera en que vemos el mundo: lo consideramos exterior a nosotros, pese a que no es sino una representación mental de nuestras experiencias internas.

_____________________
* Hofstadter, Douglas F. (2007). Gödel, Escher, Bach. Un Eterno y Grácil Bucle. Fabula Tusquets Ediotores. Págs. 785 y 787. 

Uti vår hage

 

Uti vår hage (En nuestro jardín), canción popular sueca, interpretada por Ana Laan (del disco Orégano)

Uti vår hage

Viento (de Frank O'Hara)

Snow Falls (fragmento de Three Voices), de Morton Feldman, basado en el poema de O'Hara

A Morton Feldman

Quién hubiera pensado
                                que la nieve
girando siempre en círculos
como un pensamiento
                                 en la esfera de vidrio
cerca de mí y mi oso

El encierro
               entonces me pareció bello
el giro de la nieve
                            nunca nada cayó
ni mi pequeño oso
                            malos pensamientos
cautivos en el vidrio

la belleza cedió su sitio al mal

Y la nieve sólo gira
                            en vientos fatales
brevemente
                            después cae

siempre aborreció el encierro
                                            bestias
amo el mal 

 

Joan La Barbara

Confianzas (de Juan Gelman y Gotan Project)

se sienta a la mesa y escribe
«con este poema no tomarás el poder» dice
«con estos versos no harás la Revolución» dice
«ni con miles de versos harás la Revolución» dice

y más: esos versos no han de servirle para
que peones maestros hacheros vivan mejor
coman mejor o él mismo coma viva mejor
ni para enamorar a una le servirán

no ganará plata con ellos
no entrará al cine gratis con ellos
no le darán ropa por ellos
no conseguirá tabaco o vino por ellos

ni papagayos ni bufandas ni barcos
ni toros ni paraguas conseguirá por ellos
si por ellos fuera la lluvia lo mojará
no alcanzará perdón o gracia por ellos

«con este poema no tomarás el poder» dice
«con estos versos no harás la Revolución» dice
«ni con miles de versos harás la Revolución» dice
se sienta a la mesa y escribe

Gotan Project, Confianzas, electrotango y poesía de Juan Gelman

Mirada sonora

Hay un pedazo de mí que se escapa de la música...

ese trozo de silencio absorbe con sus ojos las melodías adversas del tiempo

traza una melodía torpe que marcan los pasos en la banqueta

se consume mientras los otros caminan en cadencias sinuosas y tangentes

en una bicicleta sin ruedas volamos por veredas invisibles

heridos por el viento de las voces que no callan

zigzagueamos zigzagueamos zigzazigzazigza...

como el sonido que no cabe en los oídos

Elysian Fields: Jack in the Box

Algún buen samaritano subió este video de una de mis canciones favoritas de Elysian Fields. Disfruten la belleza de Jennifer Charles, pero sobre todo su voz, que es maravillosa.

Elysian Fields, Jack in the Box

Tres peras y el gusanito de la música* (de Alberto Blanco)

 

Esto no es una pera, es Satie detrás de una pera detrás de Magritte

(la imagen original fue tomada de Wikipedia, pero la idea es de otra blogger)

a Eric Satie

I

Perdido

ventanas

abiertas

a la luz

retirándose 

del corazón

II

Más allá

todo espacio 

genera

toda especie

III

La certeza

de no tener

certeza

fruto

de la luz

madura

___________________
*Blanco, A. (2005). Música de Cámara Instantánea. México: CONACULTA.

Eric Satie, "Trois morceaux en forme de poire" (Tres piezas en forma de pera), interpretadas por Aldo Ciccolini

 

Satie por Joan Miró

Intervalo vacuo

Del ruido

                al silencio

hay un

               fragmento

de la

                nada

en ese abismo

                  de

                     sombras

pernocta

              un murmullo

que no

                sale

de tu

                 boca

Del ruido

                al silencio

hay un

          intervalo

                        vacío

es un

        sonido

                  inconexo

que sólo

           escuchan

                los ciegos

Oliver Messiaen, Quatuor pour la fin du temps, III. Abîme des oiseaux, interpretado por el Cuarteto Messiaen

Helikopter Streichquartett (documental)

Rara vez hago reseñas de documentales, pero creo que éste vale la pena.

Una de las obras musicales que más me ha impresionado por su realización es el Cuarteto de los Helicópteros de Karlheiz Stockhausen. Pero no sólo por la obra en sí (que por supuesto es genial), sino porque el proyecto implica un trabajo técnico notable.

Según mi información la interpretación de esta obra se ha llevado a cabo una sola vez conforme a los estrictos lineamientos del compositor. Aunque también cabe señalar que el ambicioso proyecto es parte de una obra titulada Mittwoch Aus Licht (Miércoles de Luz), ópera que, a su vez, es parte del ciclo Licht, la obra musical más ambiciosa y de mayor envergadura de Stockhausen.

Para que esta obra se pueda llevar a cabo se necesita un cuarteto de cuerdas, cuatro helicópteros, cuatro excelentes pilotos y una infraestructura para proyectar audio y video en vivo lo que acontece dentro de los artefactos voladores mientras se interpreta la obra, pues consiste en el sonido de los instrumentos de arco junto con el sonido de los rotores de los helicópteros; es decir, el sonido de cada intérprete, en cada helicóptero, es transmitido en vivo a una audiencia que puede escuchar en 4 canales de audio el sonido en conjunto, además de que 4 cámaras al mismo tiempo, transmiten toda la acción.

Stockhausen no estaba convencido en componer una obra para cuarteto de cuerdas, a pesar de la insistencia de los organizadores del Festival de Salzburgo, ya que le parecía un tanto anacrónico; sin embargo, como él lo señala, luego de tener un sueño en el que un cuarteto de cuerdas tocaba en el interior de cuatro helicópteros a pleno vuelo, se convenció. Sin embargo, no todo fue tan simple, porque en el Festival de Salzburgo no les pareció viable la idea de Stockhausen; por lo que fue hasta 4 años después (1995), cuando pudo interpretarse esta pieza, en el Festival de Holanda, a cargo del cuarteto de cuerdas contemporáneo más emblemático de nuestros días, el Arditti String Quartet.

Sin duda esta pieza es una oda al ingenio y la tecnología, pues el discurso es muy claro, combinar los instrumentos tradicionales con máquinas modernas, el posmodernismo en su máxima expresión.

Este documental está disponible en el blog Aula Electroacústica (click aquí).

Rohan de Saram abordando al helicóptero número 1 (no le crean a la picture, en realidad su violoncello no es tan psicodélico)

Black Angels de George Crumb

Black Angels, del compositor norteamericano George Crumb, es uno de los cuartetos de cuerda más singulares de todos los tiempos.

Para empezar es denominado cuarteto de cuerdas electrónico, pues requiere la amplificación de los instrumentos, además del uso de otros elementos sonoros poco convencionales en una pieza de esta naturaleza.

George Crumb le pide a los intérpretes que además de hacer uso de técnicas extendidas de los instrumentos de cuerdas (como tocar con el lado contrario del arco), que toquen algunos instrumentos de percusión, como un gong, tam-tams, copas con agua, maracas, y además de esto que canten y hasta griten (por eso les coloca micrófonos a cada uno).

También cabe destacar que la pieza posee una connotación bien clara, pues se trata de un grupo de piezas fúnebres, danzas, pavanas y trenos o lamentos fúnebres, inspirados en la Guerra de Vietnam, pero también con claras alusiones místicas y religiosas. Como lo dice el blog oficial del compositor, el nombre Black Angels hace referencia a la figura del ángel caído, pero también hay referencias simbólicas a lo largo de la obra, como las escalas descendentes que utiliza (Mi, La y Do#), que según la página del compositor representa los "proféticos" números 7 y 13. Asimismo los músicos entonan una especie de conteos rituales en diferentes lenguas, incluyendo el lenguaje Swahili.

Black Angels también hace uso de la citación musical, utilizando obras como el Cuarteto de Cuerdas No. 14 ("La muerte y la doncella") de Franz Schubert, varias referencias del cántico medieval Dies Irae (Día de ira), el uso del intervalo llamado popularmente Diabolus in musica o Tritono (la cuarta aumentada) y el Il Trillo del Diavolo (el Trino del Diablo) de Giuseppe Tartini.

La obra se divide en 3 movimientos (Salida, Ausencia y Retorno), pero cada uno de ellos a su vez se divide en partes:

1. DEPARTURE
   1. Threnody I: Night of the Electric Insects
   2. Sounds of Bones and Flutes
   3. Lost Bells
   4. Devil-music
   5. Danse Macabre
2. ABSENCE
   1. Pavana Lachrymae
   2. Threnody II: Black Angels!
   3. Sarabanda de la Muerte Oscura
   4. Lost Bells (Echo)
3. RETURN
   1. God-music
   2. Ancient Voices
   3. Ancient Voices (Echo)
   4. Threnody III: Night of the Electric Insects

Black Angels de George Crumb, interpretado por Arsis4

Parte 1

Parte 2

Parte 3