¿Quieres ser parte de la primera orquesta sinfónica creada en y para la internet? Pues entra a la página de la Orquesta Sinfónica de YouTube, sigue las instrucciones y toca junto a otros intérpretes internacionales en el Carnegie Hall, la Internet Symphony No. 1 "Eroica" (sí, como la 3a de Beethoven) del compositor chino Tan Dun.
Creo que más allá de lo que podamos esperar de la pieza creada por este multifacético compositor (para mí lo que compuso en los Juegos Olímpicos fue totalmente decadente y pirotécnico rayando en lo circense), lo interesante radica en la forma en se están seleccionando los intérpretes.
A grandes rasgos el intérprete entra a dicha página, elije su instrumento, baja la partitura, la ensaya, la graba en video, la sube a youtube y espera a que los jueces den el veredicto. Una vez elegidos a todos los intérpretes (quién sabe cuál será el criterio de elección... esperemos que de verdad elijan a los mejores intérpretes).
Partitura para los violines primero de la Sinfonía de Tan Dun.
Un rasgo interesante es que podrán ser dirigidos por el mismo Tan Dun en video para ensayar la obra (aunque ¿de verdad sus gesticulaciones servirán de guía?):
La voz, el instrumento musical prodigioso que se dice es el primero de toda la humanidad, es en realidad una herramienta casi siempre poco aprovechada.
Cuando digo que es poco aprovechada no sólo me refiero a que la mayoría de nosotros no posee un aparato fonador apto para cantar, sino que en casi todos los casos, ni siquiera los cantantes aprovechan los recursos sonoros de su organismo. Pocos cantantes, en especial cantantes hombres, han usado su capacidad vocal al máximo como lo hizo en su efímera carrera (murió a los 34), el italiano Demetrio Stratos, conocido por ser el vocal de bandas de rock progresivo de culto, como I Ribelli y AREA.
I Ribelli / Pugni chiusi
Stratos comenzó sus estudios y experimentos vocales al percatarse, con su hija Anastassia (cuando no había aprendido a hablar), que los bebés poseen una capacidad vocal y sonora muy amplia, la cual irán perdiendo conforme aprenden un lenguaje. Es por esta razón que muchas de las canciones de Stratos no poseen palabras, con lo cual el sonido deja de estar supeditado al vocablo y al fonema para asumir toda la libertad que requiere.
De acuerdo a información de Wikipedia, Demetrio Stratos podía cantar a una frecuencia de 7,000 Hz, cuando un tenor promedio alcanza los 523 Hz, y una soprano, en la nota Do6, los 1,046; lo cual no significa que fuera un fenómeno, sino que había desarrollado técnicas extendidas de la voz muy diferentes a los de un cantante convencional. De hecho era capaz de crear multifónicos con su voz, hasta cuatro sonidos a la vez.
La importancia de las indagaciones de Demetrio Stratos se pueden apreciar en varios niveles de la música contemporánea, tanto en cantantes académicos como en cantantes de música popular como Badi Assad, entre otros.
Cometa Rossa
O titziras o mitziras
Pueden bajar el libro de Janete El Haouli, Demetrio Stratos en busca de la voz-música (PDF) en esta página.
Hace poco, vagando por el youtube, me topé (no recuerdo exactamente cómo) con una agrupación italiana que me pareció bastante peculiar porque se trata de un dúo, y por el hecho, también interesante, de que uno de los intérpretes (Ferrucio Spinetti) es un contrabajista (ándele, ese que toca un monstruo llamado contrabajo... algunos lo llaman tololoche, aunque según Wikipedia, este último es más pequeño que su primo europeo... ), y una cantante (Petra Magoni), que de verdad hace bien su papel. La agrupación se hace llamar Musica Nuda.
No es común que un contrabajo tenga un papel tan importante dentro de un ensamble musical; aunque también es menester decir que a partir del siglo XX, el contrabajo tuvo un desarrollo técnico impresionante. Y de hecho, fueron los contrabajistas italianos como Fernando Grillo y Stefano Scodanibbio algunos de los que llevaron al contrabajo a un virtuosismo antes no conocido. Todo esto sin tomar en cuenta las capacidades técnicas de algunos contrabajistas de la escena de jazz como Jimmy Blanton, Paul Chambers, Ray Brown, Christian McBride. y algunos otros hitos de este instrumento.
Stefano Scodanibbio
También hay que recordar la labor maravillosa que hace Víctor Flores cuando acompaña a Horacio Franco en ese, también peculiar, dueto entre una flauta barroca o de pico y un contrabajo (como si de opuestos se tratase).
Horacio Franco y Víctor Flores
Pero regresando a nuestro tema en cuestión, el dueto Musica Nuda merece un punto y aparte, porque entregan bastante en el escenario (como se puede constatar en sus videos), y no sólo una calidad interpretativa digna de mencionar, sino una suerte de teatralidad, así como una interacción con el público que rara vez se ve en otros artistas. Quizá sea mejor que lo juzguen ustedes mismos.
Couleur Café
Para bajar su último disco, dirigirse a esta página.
Luego de un largo año de espera, llega a nuestra librería EDUCAL de confianza, una de las revistas que ha sobrevivido a todas las crisis (económicas y culturales) del país, Pauta, Cuadernos de Teoría y Crítica Musical. Digo que ha sido un largo año, porque el número que hace algunas semanas salió a la venta es el número 105, correspondiente a los meses Enero a Marzo de este año que agoniza; y digo que ha sobrevivido a todas las crisis, porque desde hace más de 25 años esta revista ha llegado a manos de algunos de los melómanos y lectores melómanos más prominentes de este país. (Si usted se considera dentro de esta rara categoría, pues vaya a su librería EDUCAL de confianza, sólo requerirá de 35 pesitos).
Esta revista, dirigida por Mario Lavista y cuyo jefe de redacción es Luigi Amara (por este cargo ha pasado Juan Villoro y Luis Ignacio Helguera), se destaca de otras revistas musicales, porque su formato es muy diverso, en ella colindan de manera armoniosa los ensayos y críticas musicales, con las referencias literarias, así como poesía escogida por su contenido musical y filosófico. Además de esto, cabe destacar que cada número cuenta con la participación de un ilustrador distinto, que crea "pautas" para cada artículo de la revista.
Pautas para el No. 105 de Jonathan Farr
Este número cuenta con los siguientes artículos, ensayos y poemas:
La música callada de Eduardo Chillida / Mauricio Sotelo
Dos poemas / José Ángel Valente
Un espectro en el bosque. Rescatando a Sibelius del silencio / Alex Ross (no confundir con un greñudo panzón que cantaba Welcome to the Jungle)
De azul esta campana / Myriam Moscona
A partir de cero: John Cage / Vivian Abenshushan (este artículo pueden leerlo en el blog de la autora: Escritos para desocupados)
Patios serenos: Gabriela Ortiz en la cada de Luis Barragán / Mónica Sánchez Escuer
Villancicos del Santo Niño de las Quemaduras / Luis Felipe Fabre
Peter Sloterdijk: ¿Dónde estamos cuando escuchamos música? / Adolfo Vásquez Rocca
Dos poemas / Lucian Blaga
Concierto para violín y orquesta en la mayor, Op. 11 de Rodolgo Halffter / Jorge Barrón Corvera
Y como cada número, las Notas sin música (reseña de libros y discos), así como la irreverente Musa Inepta, ambos escritos por Juan Arturo Brennan.
Creo, y sin miedo a represalias, que Yann Tiersen es un compositor remarcable. La mayoría de nosotros lo conoció por el film francés Amélie; sin embargo, su creatividad va más allá de los soundtracks (aunque ya había participado en Good Bye Lenin). En lo personal creo que sin la música de Yann Tiersen, las películas que han usado algunas de sus obras no hubieran tenido el impacto deseado.
Como sea, es agradable escuchar esta música, y también interpretarla. Existe algo de sencillez, incluso de minimalismo; y en algunas ocasiones, como cuando toca al lado Shannon Wright, un toque de rock bastante artístico (tipo Elysian Fields).
El Tango es algo así como la música que respira soledad, agonía, desprecio, arrogancia, felonías, traiciones y quizá por último muerte.
Ha pasado tanto por el tango y el tango ha pasado por tantos rincones del mundo, que a la hora de tratar de hacer un recuento de los hechos y los daños, es probable que vayamos dando tumbos de un lado a otro sin sacar conclusiones verosímiles.
La mitología del tango vive ahora y sin embargo, ya no es sino una parodia de la vida misma, una mueca de la boca que ironiza la tragedia de vivir esta vida que no aguanta tanta muerte.
Y ahora, el giro, el extraño viraje que ha dado el tango en el nuevo milenio que se ha quedado sin Astor o algún otro astro que brille con tanta intensidad por estos lares.
Es un giro extraño pues hay otros pequeños satélites del tango en este mundo de idilios perniciosos.
La Chicana es un vuelco tremendo al tango, es una vuelta, un retorno y un volver a la tragedia anónima y vivaz. Es una música que canta y una voz que hechiza. Es un bandoneón, guitarra y pulmones que invitan al canto y al baile de arrabal.
Es un respirar.
Acho Estol y Dolorés Solá, un dueto que le ha dado un nuevo respiro a la canción argentina, y sin duda, mucho, mucho de que hablar... y cantar.
Un Giro Extraño
Ayer hoy era mañana/La Chicana
en el pasado todo el tiempo dura igual un mal segundo una década normal
Donde quiera que estemos lo que más oímos es ruido.
Cuando lo ignoramos nos molesta.
Cuando lo escuchamos nos parece fascinante.
Música es sonidos, sonidos alrededor nuestro, así estemos dentro o fuera de las salas de concierto.
El silencio es la posibilidad de ser música.
People have two ears. They should be able to listen in at least two different ways
The material of music it's sound and silence, integrating these is composing: I have nothing to say and I am saying it.
Le seul problème avec les sons, c'est la musique.
Cuando oigo lo que llamamos música, tengo la impresión de que se trata de alguien más que me habla, y que habla de sus sentimientos, o de sus ideas sobre las relaciones, pero cuando oigo la circulación, el sonido de la circulación [the sound of traffic], aquí, en la Sexta avenida, no tengo la impresión de que alguien me hable. Tengo la sensación de que el sonido actúa [the sound is acting], y amo la actividad del sonido; es más fuerte o menos fuerte, más agudo o más grave, y esto me satisface completamente. No tengo la necesidad de que el sonido me hable. (…) La gente espera de la escucha que ésta se más que una escucha y, a veces, emplea expresiones como «la escucha interior» o «el significado del sonido». Cuando hablo del sonido, la gente termina por comprender que hablo del sonido, que no tiene significado, que no es «interior» sino «exterior» [it’s non inner, but it’s just «outer»]. Amo los sonidos tal como son. Los que lo entienden acaban por decir «¿quiere decir que no son más que sonidos?» y piensan que lo que no es más que un sonido es inútil [useless]. (…) Amo los sonidos tal como son; no quiero que los sonidos pretendan ser otra cosa, que un sonido pretenda ser un presidente, o que está enamorado de otro sonido. Sólo quiero que sea un sonido, y no soy tan tonto.
Puesto que antes había tomado por verdadera la razón para componer música que me había transmitido Gita Sarabhau de su maestro en la India, según la cual hay que serenar y tranquilizar la mente a fin de que sea receptiva a las influencias divinas, en respuesta a la lección de Suzuki determiné, antes que ir hacia adentro, ir hacia fuera, a fin de usar las operaciones del azar como una disciplina en mi música, una disciplina que confiaba era equivalente a sentarse con las piernas cruzadas en posición de loto, con la fe de que la estructura de la mente es en efecto oval (una estructura continua), y que mis composiciones musicales serían resultado no de la expresión de mi yo, sino de la alteración de mí mismo.
La música no comunica realmente a la gente. O si lo hace es en una manera muy, muy diferente de la que existe de persona a persona.
El significado esencial del silencio es la pérdida de atención... el silencio no es acústico. Es un cambio de mentalidad. Un punto de vuelta
Mítica náhuatl sobre el origen divino de la música*
El dios Tezcatlipoca, Espejo humeante, llamó a Ehécatl, Dios del viento y le dijo: Vete a la Casa del Sol, el cual tiene mucha gente con sus instrumentos como los de las trompetas con que le sirven y cantan. Y una vez llegado a la orilla del agua, llamarás a mis criados Acapachtli, Acíhuatl y Atlicipactli y les dirás que hagan un puente para que tú puedas pasar, para traerme de la Casa del Sol a los que tocan con sus instrumentos.
Tezcatlipoca
Y esto dicho, Tezcatlipoca se fue sin ser más visto. Entonces Ehécatl, Dios del viento, se acercó a la orilla del mar y llamó por sus nombres a los criados de Tezcatlipoca. Ellos vinieron luego e hicieron un puente por el que pasó.
Ehécatl, Dios del viento
Cuando lo vio venir el Sol dijo a sus servidores que tocan sus instrumentos: He aquí al miserable, que nadie le responda, porque el que le conteste se irá con él. Los que tocan sus instrumentos están vestidos de cuatro colores, blanco, rojo, amarillo y verde. Y habiendo llegado Ehécatl, Dios del viento, los llamó cantando. A él respondió enseguida uno de ellos y se fue con él y llevó consigo la tlatzotznaliztli, la que usan ahora en sus danzas en honor de los dioses.
*Tomado del artículo de Miguel León-Portilla: La Música en la Literatura Náhuatl
Tlatzotznaliztli, es el arte de hacer resonar, viene del verbo Tlatzotzona que significa dar golpes o hacer resonar, y asimismo genera el vocablo Tlatzotzonalli, que se podría traducir como música o instrumento musical. ____
La mitología náhuatl de la música —aunque análoga a la tradición griega en la que las musas, siendo la Euterpe ("La que deleita"), la portadora de este arte, propagaron el sonido entre los hombres—, se ha ido desvaneciendo, en parte porque hay pocos códices que den testimonio de la forma en que se interpretaban los instrumentos prehispánicos (ólmaitl, teponaztli, huéhuetl, ayacachtli, etc.).
Conocer cómo concibieron los antiguos pobladores de mesoamérica lo que ahora llamamos con un vocablo griego, música, nos ayudará a preservar a nuestro propio pueblo.
Xochipilli (sí, el que está atrás de los billetes de 100 pesos),
Altardemuertos es una obra para cuarteto de cuerda que ronda entre el sincretismo de las culturas prehispánicas y el ritual del día de muertos actual, así como entre el advenimiento de las nuevas técnicas de interpretación instrumental y la música folclórica.
Como lo dice Benjamín Juárez Echenique:
La tradición del Día de Muertos en México, sirve de pretexto para realizar una obra en la que las ideas musicales reflejen una búsqueda interna entre lo real y lo mágico, a través de la búsqueda y exploración de lo que es la concepción de la muerte en México desde su pasado remoto hasta el presente.
La obra está dividida en cuatro partes: 1) Ofrenda, 2) Mictlán, 3) Danza macabra y 4) La Calaca.
La obra fue un encargo del famoso ensamble Kronos Quartet, aunque también ha sido interpretada y grabada por el Cuarteto Latinoamericano junto a otras obras de Gabriela Ortiz: Baakkah, para soprano y cuarteto de cuerdas; y Seis piezas a Violeta, para piano y cuarteto de cuerdas.
El Cuarteto Latinoamericano interpreta
el 3er movimiento (Danza macabra)de Altar de muertos
Kronos Quartet interpreta el 4to movimiento (La Calaca) de Altar de muertos
Julián Carrillo (1875-1965), creador del concepto "Sonido 13"
¿Qué es el "sonido 13"?
La música occidental como la conocemos se puede denominar como temperada o afinada, debido a que utiliza 12 sonidos progresivos, siendo su unidad mínima un semitono.
Julián Carrillo, como buen ejecutante del violín, comenzó a experimentar con las cuerdas, con lo cual descubrió que había más sonidos entre cada semitono. Primero descubrió los cuartos de tono, luego los octavos, los dieciseisavos, etc. En ese momento se percató que la música que hasta ese momento había aprendido estaba limitada, y por el contrario, la gama de sonidos disponible era casi infinita. Jean-Etienne Marie (uno de los promotores de Carrillo en Francia) se atrevió a decir que este hallazgo era semejante al de Cristobal Colón, y quizá por esta razón una de las primeras obras microtonales de Carrillo se tituló Preludio a Colón.
Es así que nace el Sonido 13, un hecho que debiera sorprendernos y llenarnos de orgullo por haberse tratado de un mexicano uno de los desarrolladores de la microtonalidad; sin embargo, hasta la fecha, Julián Carrillo es uno de los compositores más soslayados de la historia.
Entre 1959 y 1964, Carrillo compuso una de sus obras más interesantes para el nuevo sistema microtonal, las Casi-Sonatas en cuartos de tono para violonchelo solo. Sin embargo, como casi todas las obras de Carrillo, fue olvidada por los intérpretes y rara vez llegó a los oídos de algún melómano interesado.
A pesar de las adversidades que ha tenido el Sonido 13 a lo largo de su existencia, algunos intérpretes se han atrevido a reivindicar a una de las figuras más representativas del entorno musical mexicano, siendo Jimena Giménez Cacho quien audazmente ha tenido la iniciativa de interpretar estas maravillosas obras para violonchelo, que sin duda podrían ser la contraparte microtonal de las Suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach, debido a su enorme complejidad técnica, sus pasajes contrapuntísticos y su maravilloso color. Una obra indispensable en el catálogo de los amantes de este instrumento.
Franz Liszt escribe Nuages Gris,S. 199, en 1881, al final de su carrera como compositor; en una afán por experimentar nuevas armonías y escalas que no se habían usado hasta ese momento en la música europea. Esta pieza, junto a Bagatelle sans tonalité, significa el comienzo de la escala cromática, y los primeros esbozos de la música atonal.
El día de hoy se conmemora el natalicio de Franz Liszt.
Masada es un conjunto de agrupaciones y piezas con influencias de jazz y otras manifestaciones musicales populares, especialmente de la tradición judía. Los principales fundadores y miembros de Masada son John Zorn (líder), Joey Baron, Greg Cohen y Dave Douglas, sin embargo, cuentan con un nutrido número de miembros, todos ellos grandes intérpretes de jazz.
Algunas de las composiciones que interpretan se encuentran en un libro de música titulado: The Book of Angels, cuyes piezas tienen como título nombres de ángeles. Estas composiciones fueron iniciadas en el 2003 y en ellas han participado numerosas agrupaciones e intérpretes reconocidos como: Jamie Saft, Masada String Trio, Mark Feldman y Sylvie Courvoisier, Uri Caine, Marc Ribot, Erik Friedlander, etc.
La mayoría de los integrantes de Masada comparten el origen judío, y seguramente con estas magníficas composiciones y arreglos ayudarán a que sobreviva el legado cultural y musical de sus antepasados, así como la reputación que tiene el pueblo hebreo de ser magníficos intérpretes musicales.
A continuación una interpretación del Masada String Trio (violín, cello y contrabajo) con la pieza «Meholalot».
Y ahora otra interpretación de «Meholalot», donde se puede apreciar el sax de John Zorn.
Para bajar el álbum de Marc Ribot, «Asmodeus: Book of Angels Vol. 7», ir aquí.
A uno lo desvaneció un padecimiento pulmonar, al otro el delirium tremens,
no hay rasgo que los vincule más, que su genialidad creativa, y su prematura muerte.
De esto último hay que señalar la coincidencia fatídica de las fechas;
ambos poetas —porque ambos lo fueron—, murieron el mismo mes: octubre; del mismo año: 1849.
Sin embargo, aquí no terminan las coincidencias,
las vidas de estos hombres, aunque distantes, sucumbirían ante el paralelismo que los mortales —como nosotros—, hacemos de aquellos personajes que la divinidad y la gracia (ya sea de la Euterpe o Terpsícore) los alcanzó sin desprecio.
Ambas vidas, de ambos poetas —reitero que ambos lo fueron—, colmadas de desventuras, en especial en cuestión de amores, fue sustituida por el ingenio y la creación de innumerables obras maestras.
Tanto Poe como Chopin, fueron expertos en la brevedad del arte,
los nocturnos son a los poemas, como lo son las baladas a los cuentos.
Un aire de misterio rodea a las obras de estos magníficos artistas.
[…]
La pequeña silueta del poeta se desvanece en las sombras, se pierde ante mis ojos, se escurre en las baldosas de la vida.
El pequeño cuerpo no soportó el peso de un espíritu tan grande…
…la sombra de Poe y Chopin se funden en la noche, en el viento, en otoño, en octubre, y aguardan a que el tiempo sea el poema que escribieron tan distantes…
Hace tiempo hice una pequeña reseña [pinchar aquí] sobre esta agrupación que ha sabido mezclar el tango rioplatense con la música electrónica, los samplers y los dj's.
Esta vez simplemente dejo este video para que disfruten como yo lo he hecho.
Gotan Project, "Diferente", del disco Lunático (2007)
¿El tango de Gotan es en verdad diferente?, es posible que quizá se parezca un poco a lo que Libedinsky hace con Narcotango o Santaolalla con Bajofondo Tango Club, pero me parece que Gotan Project ha ido un poco más allá, apostándole a la composición y no sólo al sampleo, a la reinterpretación y no al simple remix.
Recomiendo escuchar a Amélie-les-crayons; en lo personal creo que se trata de música que alegra el corazón.
Esta agrupación surge en Lyon, Francia, en el 2002, y esta compuesta por Amélie (voz), Laurent (contrabajo), Heiko (piano, clarinete, tuba y saxofón) y Michel (acordeón), y en realidad cada integrante representa un personaje de una historia que protagoniza Amélie. Cada disco es parte de la historia, y cada canción representa un fragmento que además retrata la personalidad de los personajes.
Ni una sola palabra
[dos minutos después abandona la sala el 50% de los asistentes, que eran 20]
La era del poema ha
concluido.
[Un minuto 33 segundos después, el resto de los asistentes sale desolado en compañía del fértil poeta, como después de un buen partido de futbol sin goles]
PLAYBACK
Nada nuevo esplende bajo nuestro sol.
Cada vez que empuñamos la pluma
o abrimos la gran boca de arrogantes
poetas
suena alguna otra voz a nuestra
espalda
Intentamos cantar cierta inédita
tonada
y ya retumba en el oído memorioso
el timbre de algún grande heldentenor.
Sólo hacemos play back,
Play Bach, Play Bartok y Play Brahms.
No nos deja cantar la grande música
de fondo
que ruge como un mar tras de nosotros.
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