Klezmerson

¿Qué les puedo decir? Hace poco escuché en vivo a Klezmerson. Desde hacía un par de meses había escuchado su segunda producción discográfica (Klezmerol, 2009), y había quedado encantado. Sin embargo, en vivo son mucho mejores.

Klezmerson, como su nombre lo dice, interpreta música klezmer (música judía de los países de Europa del Este), y la fusiona con otros estilos, esencialmente jazz, rock, son y otros ritmos.

La dotación instrumental que tienen se asemeja un poco a la del Bar Kokhba Sextet de John Zorn, sin que en ningún momento se pierda la originalidad de la banda.

Es la única agrupación mexicana de klezmer que conozco. Esperemos que el proyecto siga creciendo, y que otros músicos mexicanos se interesen por este género musical que sigue expandiéndose en todo el mundo.

[Más adelante hablaré de Alamaailman Vasarat, banda de klezmer finlandesa que se presentó en el FIP]

Por lo mientras escuchen a Klezmerson.

Y si les gustó, chequen esta página, donde pueden bajar el disco.

Black Angels de George Crumb

Black Angels, del compositor norteamericano George Crumb, es uno de los cuartetos de cuerda más singulares de todos los tiempos.

Para empezar es denominado cuarteto de cuerdas electrónico, pues requiere la amplificación de los instrumentos, además del uso de otros elementos sonoros poco convencionales en una pieza de esta naturaleza.

George Crumb le pide a los intérpretes que además de hacer uso de técnicas extendidas de los instrumentos de cuerdas (como tocar con el lado contrario del arco), que toquen algunos instrumentos de percusión, como un gong, tam-tams, copas con agua, maracas, y además de esto que canten y hasta griten (por eso les coloca micrófonos a cada uno).

También cabe destacar que la pieza posee una connotación bien clara, pues se trata de un grupo de piezas fúnebres, danzas, pavanas y trenos o lamentos fúnebres, inspirados en la Guerra de Vietnam, pero también con claras alusiones místicas y religiosas. Como lo dice el blog oficial del compositor, el nombre Black Angels hace referencia a la figura del ángel caído, pero también hay referencias simbólicas a lo largo de la obra, como las escalas descendentes que utiliza (Mi, La y Do#), que según la página del compositor representa los "proféticos" números 7 y 13. Asimismo los músicos entonan una especie de conteos rituales en diferentes lenguas, incluyendo el lenguaje Swahili.

Black Angels también hace uso de la citación musical, utilizando obras como el Cuarteto de Cuerdas No. 14 ("La muerte y la doncella") de Franz Schubert, varias referencias del cántico medieval Dies Irae (Día de ira), el uso del intervalo llamado popularmente Diabolus in musica o Tritono (la cuarta aumentada) y el Il Trillo del Diavolo (el Trino del Diablo) de Giuseppe Tartini.

La obra se divide en 3 movimientos (Salida, Ausencia y Retorno), pero cada uno de ellos a su vez se divide en partes:

1. DEPARTURE
   1. Threnody I: Night of the Electric Insects
   2. Sounds of Bones and Flutes
   3. Lost Bells
   4. Devil-music
   5. Danse Macabre
2. ABSENCE
   1. Pavana Lachrymae
   2. Threnody II: Black Angels!
   3. Sarabanda de la Muerte Oscura
   4. Lost Bells (Echo)
3. RETURN
   1. God-music
   2. Ancient Voices
   3. Ancient Voices (Echo)
   4. Threnody III: Night of the Electric Insects

Black Angels de George Crumb, interpretado por Arsis4

Parte 1

Parte 2

Parte 3

60 X 60 a circle of sound

Counting Time

Urcloud.com

La idea es similar a lo que realizó Guy Livingston con Don't panic, 60 seconds for piano (que ya había posteado anteriormente). Sesenta compositores crean una obra de un minuto o menos. Sin embargo, a diferencia del proyecto de Livingston, éste fue pensado para ser un concierto, y más adelante se editó un disco con todas las piezas.

De acuerdo con lo que dice la página de la casa productora del disco (Vox Novus), el material está hecho para escucharse de tres maneras (muy estilo Rayuela): en primera instancia, como está dispuesto, es decir, en el orden de los tracks; la segunda de forma aleatoria; y por último, escuchar cada pieza por separado y de forma repetida, para descubrir los métodos compositivos de cada autor.

El disco es una especie de composición en colectivo, y aunque en realidad es bastante ecléctica, es inevitable percatarse de los estilos diversos de los creadores de cada pieza.

El proyecto en sí es bastante interesante, no sé si el resultado será el esperado, pues un disco jamás causará el mismo impacto que un concierto. Aun así, me parece que vale la pena darle una oída a este proyecto.

En la página de Aula Electroacústica están las ligas para bajarlo.

Desde Cracovia...

Balkan Dance

Urcloud.com

La Bester Band, antes llamada The Cracow Klezmer Band, es una agrupación de cuatro virtuosos que han llevado la música Klezmer, así como el folclor de su país natal y los Balcanes, a extremos inigualables.

Este cuarteto, además, ha participado en el proyecto colectivo de John Zorn y otros músicos judíos, conocido como Masada.

La música de estos intérpretes polacos guarda el misticismo de una tradición musical de cientos de años, combinada con la improvisación y la manufactura virtuosa de cada instrumento, desde el acordeón inigualable de Jarosław Bester, así como el violín, el clarinete, el contrabajo y las percusiones.

Todos sus discos han sido editados por el sello Tzadik, de John Zorn.

Bester Quartet y la Sinfonietta de Cracovia

Orquesta Sinfónica de YouTube

¿Quieres ser parte de la primera orquesta sinfónica creada en y para la internet? Pues entra a la página de la Orquesta Sinfónica de YouTube, sigue las instrucciones y toca junto a otros intérpretes internacionales en el Carnegie Hall, la Internet Symphony No. 1 "Eroica" (sí, como la 3a de Beethoven) del compositor chino Tan Dun.

Creo que más allá de lo que podamos esperar de la pieza creada por este multifacético compositor (para mí lo que compuso en los Juegos Olímpicos fue totalmente decadente y pirotécnico rayando en lo circense), lo interesante radica en la forma en se están seleccionando los intérpretes.

A grandes rasgos el intérprete entra a dicha página, elije su instrumento, baja la partitura, la ensaya, la graba en video, la sube a youtube y espera a que los jueces den el veredicto. Una vez elegidos a todos los intérpretes (quién sabe cuál será el criterio de elección... esperemos que de verdad elijan a los mejores intérpretes).

Partitura para los violines primero de la Sinfonía de Tan Dun.

Un rasgo interesante es que podrán ser dirigidos por el mismo Tan Dun en video para ensayar la obra (aunque ¿de verdad sus gesticulaciones servirán de guía?):

Bueno, quizá suene exagerado (eso lo sabremos hasta que se estrene la obra), pero como dicen: Sé parte de la historia de la música.

Demetrio Stratos

Demetrio Stratos (1945-1979)

La voz, el instrumento musical prodigioso que se dice es el primero de toda la humanidad, es en realidad una herramienta casi siempre poco aprovechada.

Cuando digo que es poco aprovechada no sólo me refiero a que la mayoría de nosotros no posee un aparato fonador apto para cantar, sino que en casi todos los casos, ni siquiera los cantantes aprovechan los recursos sonoros de su organismo. Pocos cantantes, en especial cantantes hombres, han usado su capacidad vocal al máximo como lo hizo en su efímera carrera (murió a los 34), el italiano Demetrio Stratos, conocido por ser el vocal de bandas de rock progresivo de culto, como I Ribelli y AREA.

I Ribelli / Pugni chiusi

Stratos comenzó sus estudios y experimentos vocales al percatarse, con su hija Anastassia (cuando no había aprendido a hablar), que los bebés poseen una capacidad vocal y sonora muy amplia, la cual irán perdiendo conforme aprenden un lenguaje. Es por esta razón que muchas de las canciones de Stratos no poseen palabras, con lo cual el sonido deja de estar supeditado al vocablo y al fonema para asumir toda la libertad que requiere.

De acuerdo a información de Wikipedia, Demetrio Stratos podía cantar a una frecuencia de 7,000 Hz, cuando un tenor promedio alcanza los 523 Hz, y una soprano, en la nota Do6, los 1,046; lo cual no significa que fuera un fenómeno, sino que había desarrollado técnicas extendidas de la voz muy diferentes a los de un cantante convencional. De hecho era capaz de crear multifónicos con su voz, hasta cuatro sonidos a la vez.

La importancia de las indagaciones de Demetrio Stratos se pueden apreciar en varios niveles de la música contemporánea, tanto en cantantes académicos como en cantantes de música popular como Badi Assad, entre otros.

Cometa Rossa

O titziras o mitziras

Pueden bajar el libro de Janete El Haouli, Demetrio Stratos en busca de la voz-música (PDF) en esta página.

Musica Nuda

Hace poco, vagando por el youtube, me topé (no recuerdo exactamente cómo) con una agrupación italiana que me pareció bastante peculiar porque se trata de un dúo, y por el hecho, también interesante, de que uno de los intérpretes (Ferrucio Spinetti) es un contrabajista (ándele, ese que toca un monstruo llamado contrabajo... algunos lo llaman tololoche, aunque según Wikipedia, este último es más pequeño que su primo europeo... ), y una cantante (Petra Magoni), que de verdad hace bien su papel. La agrupación se hace llamar Musica Nuda.

No es común que un contrabajo tenga un papel tan importante dentro de un ensamble musical; aunque también es menester decir que a partir del siglo XX, el contrabajo tuvo un desarrollo técnico impresionante. Y de hecho, fueron los contrabajistas italianos como Fernando Grillo y Stefano Scodanibbio algunos de los que llevaron al contrabajo a un virtuosismo antes no conocido. Todo esto sin tomar en cuenta las capacidades técnicas de algunos contrabajistas de la escena de jazz como Jimmy Blanton, Paul Chambers, Ray Brown, Christian McBride. y algunos otros hitos de este instrumento.

Stefano Scodanibbio

También hay que recordar la labor maravillosa que hace Víctor Flores cuando acompaña a Horacio Franco en ese, también peculiar, dueto entre una flauta barroca o de pico y un contrabajo (como si de opuestos se tratase).

Horacio Franco y Víctor Flores

Pero regresando a nuestro tema en cuestión, el dueto Musica Nuda merece un punto y aparte, porque entregan bastante en el escenario (como se puede constatar en sus videos), y no sólo una calidad interpretativa digna de mencionar, sino una suerte de teatralidad, así como una interacción con el público que rara vez se ve en otros artistas. Quizá sea mejor que lo juzguen ustedes mismos.

Couleur Café

Para bajar su último disco, dirigirse a esta página.

Revista Pauta No. 105

Luego de un largo año de espera, llega a nuestra librería EDUCAL de confianza, una de las revistas que ha sobrevivido a todas las crisis (económicas y culturales) del país, Pauta, Cuadernos de Teoría y Crítica Musical. Digo que ha sido un largo año, porque el número que hace algunas semanas salió a la venta es el número 105, correspondiente a los meses Enero a Marzo de este año que agoniza; y digo que ha sobrevivido a todas las crisis, porque desde hace más de 25 años esta revista ha llegado a manos de algunos de los melómanos y lectores melómanos más prominentes de este país. (Si usted se considera dentro de esta rara categoría, pues vaya a su librería EDUCAL de confianza, sólo requerirá de 35 pesitos).

Esta revista, dirigida por Mario Lavista y cuyo jefe de redacción es Luigi Amara (por este cargo ha pasado Juan Villoro y Luis Ignacio Helguera), se destaca de otras revistas musicales, porque su formato es muy diverso, en ella colindan de manera armoniosa los ensayos y críticas musicales, con las referencias literarias, así como poesía escogida por su contenido musical y filosófico. Además de esto, cabe destacar que cada número cuenta con la participación de un ilustrador distinto, que crea "pautas" para cada artículo de la revista.

Pautas para el No. 105 de Jonathan Farr

Este número cuenta con los siguientes artículos, ensayos y poemas:

La música callada de Eduardo Chillida / Mauricio Sotelo

Dos poemas / José Ángel Valente

Un espectro en el bosque. Rescatando a Sibelius del silencio / Alex Ross (no confundir con un greñudo panzón que cantaba Welcome to the Jungle)

De azul esta campana / Myriam Moscona

A partir de cero: John Cage / Vivian Abenshushan (este artículo pueden leerlo en el blog de la autora: Escritos para desocupados)

Patios serenos: Gabriela Ortiz en la cada de Luis Barragán / Mónica Sánchez Escuer

Villancicos del Santo Niño de las Quemaduras / Luis Felipe Fabre

Peter Sloterdijk: ¿Dónde estamos cuando escuchamos música? / Adolfo Vásquez Rocca

Dos poemas / Lucian Blaga

Concierto para violín y orquesta en la mayor, Op. 11 de Rodolgo Halffter / Jorge Barrón Corvera

Y como cada número, las Notas sin música (reseña de libros y discos), así como la irreverente Musa Inepta, ambos escritos por Juan Arturo Brennan.

El «Giro Extraño» del Tango

Juguete Rabioso/La Chicana

El Tango es algo así como la música que respira soledad, agonía, desprecio, arrogancia, felonías, traiciones y quizá por último muerte.

Ha pasado tanto por el tango y el tango ha pasado por tantos rincones del mundo, que a la hora de tratar de hacer un recuento de los hechos y los daños, es probable que vayamos dando tumbos de un lado a otro sin sacar conclusiones verosímiles.

La mitología del tango vive ahora y sin embargo, ya no es sino una parodia de la vida misma, una mueca de la boca que ironiza la tragedia de vivir esta vida que no aguanta tanta muerte.

Y ahora, el giro, el extraño viraje que ha dado el tango en el nuevo milenio que se ha quedado sin Astor o algún otro astro que brille con tanta intensidad por estos lares.

Es un giro extraño pues hay otros pequeños satélites del tango en este mundo de idilios perniciosos.

La Chicana es un vuelco tremendo al tango, es una vuelta, un retorno y un volver a la tragedia anónima y vivaz. Es una música que canta y una voz que hechiza. Es un bandoneón, guitarra y pulmones que invitan al canto y al baile de arrabal.

Es un respirar.

Acho Estol y Dolorés Solá, un dueto que le ha dado un nuevo respiro a la canción argentina, y sin duda, mucho, mucho de que hablar... y cantar.

Un Giro Extraño


Ayer hoy era mañana/La Chicana

en el pasado todo el tiempo dura igual
un mal segundo una década normal

Gotan Project: Diferente

No eran buenas esas épocas,

malos eran esos aires.

Fue hace 25 años, y vos existías,

sin existir todavía.

Épocas, de la Revancha del Tango

Hace tiempo hice una pequeña reseña [pinchar aquí] sobre esta agrupación que ha sabido mezclar el tango rioplatense con la música electrónica, los samplers y los dj's.

Esta vez simplemente dejo este video para que disfruten como yo lo he hecho.

Gotan Project, "Diferente", del disco Lunático (2007)

¿El tango de Gotan es en verdad diferente?, es posible que quizá se parezca un poco a lo que Libedinsky hace con Narcotango o Santaolalla con Bajofondo Tango Club, pero me parece que Gotan Project ha ido un poco más allá, apostándole a la composición y no sólo al sampleo, a la reinterpretación y no al simple remix.

Amélie-les-crayons

Recomiendo escuchar a Amélie-les-crayons; en lo personal creo que se trata de música que alegra el corazón.

Esta agrupación surge en Lyon, Francia, en el 2002, y esta compuesta por Amélie (voz), Laurent (contrabajo), Heiko (piano, clarinete, tuba y saxofón) y Michel (acordeón), y en realidad cada integrante representa un personaje de una historia que protagoniza Amélie. Cada disco es parte de la historia, y cada canción representa un fragmento que además retrata la personalidad de los personajes.

Ta P'tite Flamme

quand je suis loin je pense à toi

à ta p'tite flamme à tes yeux

et je me sens mieux

quand je suis loin je pense à toi

à ta p'tite flamme à tes yeux

et je me sens deux

Cuerdas silentes

"...y las sombras,
el eco de las sombras"
Juan Rulfo

Un espejo desierto
refleja el
eco de mi sombra

y el fractal
deseo de
un instante
por detener
al infinito /

las cuerdas
silentes de
un piano roto

retumban
en mi oído

y vibran
incesantes /

las horas
perdidas
entre los
dedos

entre la llama
y el hielo

entre el dolor
y la sangre /

las huellas
que dejaron
tus manos

aún se ciñen
en la nada /

y el sonido
que era sombra

se refleja
en el espejo

se adormece
en mis oídos /

tañido
de mi cuerpo
___________

Murmullos del Páramo, o de lo sonoro en Rulfo

La ópera del compositor mexicano Julio Estrada, titulada Murmullos del Páramo, supone una adaptación del sonido que propone Juan Rulfo en su novela Pedro Páramo. A lo que me refiero es que la ópera de Estrada no es propiamente una adaptación "literaria", porque dentro de su obra, trata de interpretar una serie de elementos sonoros que componen la atmósfera (soundscape) que el escritor plasmó en su fantástica historia. Como lo cita el compositor en su website:

«Los textos de Juan Rulfo muestran su tendencia característica a convocar la presencia de lo sonoro a través de sus descripciones, sutiles sugerencias que parecen buscar un eco interior en la sensibilidad y memoria auditivas de cada lector. Leer Pedro Páramo es, desde la escucha íntima, una experiencia casi musical que tiene lugar al darse el juego entre las diversas sonoridades convocadas por la novela y la respuesta ante ellas. Ese mismo proceso dialéctico entre el texto de Rulfo y el oír individual es el germen de la ópera Pedro Páramo».

Hago esta recomendación, no sólo porque Murmullos del Páramo es una de las propuestas musicales más interesantes de los últimos años en México, sino también por el excelente elenco que ha representado esta ópera en diversas locaciones.

En la versión que tengo (interpretada en Stuttgart, Alemania), estos son los intérpretes:

Fátima Miranda (Doloritas)
Sarah Maria Sun (Susana San Juan)
Suzanne Leinz (murmullos de Susana)
Andreas Fischer (Pedro y Bartolomé)
Neue Vocalsolisten Stuttgart
Llorenç Barber (Ruidista)
Stefano Scodanibbio (Contrabajo)
Mike Svoboda (Trombón)
Ko Ishikawa (Shô)
Magnus Andersson (Guitarra)
Guillermo Anzorena (Miguel)
Julio Estrada (director musical, voz de Abundio)
Sergio Vela (dirección escénica)

Algunas voces hacen representaciones textuales de algunas partes fundamentales de la novela, pero resulta singular el despliegue de sonidos, especialmente los que realizan Fátima Miranda y Fischer (con su voz), Scodanibbio (al contrabajo), Svoboda (con el trombón), Ishikawa (con el organillo Shô), y quizá de manera fundamental Llorenç Barber (que con diferentes elementos crea sonoridades durante gran parte de la obra).

Sin duda ésta no es una ópera convencional, por lo que quizá resulte un poco extraño para el escucha acostumbrado a la ópera tradicional. En lo personal creo que estas representaciones tienen un gran valor; no sólo por la calidad de su realización, sino porque por sí misma, la obra de Julio Estrada tiene su propio peso en el panorama musical contemporáneo.

Links de Interés

Website de Julio Estrada, donde hay más detalles de esta obra: http://julioestrada.net/?page_id=21

En esta página, que es el podcast de Zael Ortega (Artes Electroacústicas), podrán escuchar el programa radiofónico dedicado a Murmullos del Páramo de Julio Estrada, así como fragmentos de la obra: http://arteselectroacusticas.podomatic.com/entry/eg/2006-12-10T14_07_50-08_00

Nota
Otro disco interesante, dedicado a Juan Rulfo, y editado hace no mucho tiempo por Quindecim, es Rumor de Páramo, en el que la pianista Ana Cervantes pide a diversos compositores de varios países (la mayoría mexicanos), que realicen una composición pianística, con reminiscencias Rulfianas. Los resultados son muy interesantes, y eclécticos, ya que la manera en que cada compositor aborda el tema es muy personal, sin embargo, me parece que cada uno cumple su cometido. Esta es la lista de compositores que participan en este disco (con la nacionalidad incluida):

Georgina Derbez (México)
Charles B. Griffin (EUA)
Jack Fortner (EUA)
Tomás Marco (España)
Horacio Uribe (México)
Eugenio Toussaint (México)
Vicente Barrientos (México)
Anne Lebaron (EUA)
Federico Ibarra (México)
Carlos Cruz de Castro (España)
Mario Lavista (México)
Stephen McNeff (Reino Unido)

Los cuartetos de Silvestre Revueltas

Silvestre Revueltas, en una breve pero productiva vida (murió a los 39, igual que Chopin), se convirtió en uno de los compositores más importantes y originales de nuestro país. Es probable que junto a Julián Carrillo, Revueltas sea uno de los hitos más destacables de la música mexicana; no sólo por la exquisitez y embriaguez auditiva que producen sus composiciones, sino porque logró exaltar las cualidades de la estética musical popular, y las técnicas compositivas de entonces, sin hacer un uso indiscriminado de las temáticas nacionales, como lo hicieron algunos de sus contemporáneos.

La naturaleza combativa de Revueltas, su carácter "jacarandoso", y su aparente rechazo por las convenciones, se pueden advertir en casi todas sus obras. Como lo señala Yolanda Moreno:

El uso nunca textual de los temas populares, la violencia e irregularidad rítmica, el refinamiento armónico, la flexibilidad formal y su experimentación con grupos orquestales poco usuales, hacen de la obra de Silvestre Revueltas, un caso único en la historia de la música mexicana, Pero acaso donde mejor se palpa la prosapia moderna de su música sea en la extraordinaria serie de sus cuartetos (1930-1932). Los trs primeros, purgados de toda sugerencia folclorista, llegan a una abstracción del material sonoro y a una concentración tan profunda del discurso que tendrían como único símil posible esa culminación de la escritura para cuerdas que son los cuartetos de Béla Bártok (Moreno, Y., 1996, p. 48).

En esta ocasión les quiero presentar los "Cuartetos de Cuerda", que si bien sólo han sido grabados de manera integral por el Cuarteto Latinoamericano, se podrían considerar junto a los Cuartetos de Chávez, el Cuarteto en Re de Carlos Jiménez Mabarack, las Cuatro Miniaturas de Ponce, los Cuartetos de Nancarrow, la Música de Cámara para Cuerdas de Julio Estrada, las obras para cuarteto de cuerdas y conjuntos de cámara de Manuel Enríquez, Mario Lavista, Javier Álvarez, Arturo Márquez, entre otros, como fundamentales en repertorio camarístico en México.

De acuerdo a lo que señala Saúl Bitrán, primer violín del Cuarteto Latinoamericano, para la agrupación de la que forma parte, los Cuartetos de Revueltas han sido desde 1982, básicos para el repertorio con el que cuentan, siendo el cuarto, más conocido como "Música de Feria", el más interpretado.

De hecho, "Música de Feria" se encuentra en varios discos de diversas agrupaciones, como el del Cuarteto de la Ciudad de México, donde interpretan también obras de Ponce, Mabarack, Márquez, Moncayo, entre otros.

La originalidad de este cuarteto, quizá se pueda percibir al visualizar en la partitura los complejos ritmos que el compositor plasmó. Pero el sonido que se produce es aún más caótico que lo que se puede advertir en la partitura. El mismo tema con que inicia el cuarteto es retomado numerosas veces, sin embargo, siempre con variaciones que quizá resulten imperceptibles en la primera audición. De acuerdo a lo que declara Saúl Bitrán:

Supongamos que un cuarteto de cuerdas emprendedor y osado, estimulado por el creciente prestigio internacional de Silvestre Revueltas y su música, decide aprender y poner en su repertorio Música de Feria. Los músicos se sentarán, afinarán sus instrumentos y tras un enfático gesto del primer violín, explotarán en una caótica y estridente cascada descendente. Aun en el hipotético y optimista caso de que los dos violines y la viola lograran tocar sus quintillos juntos, me temo que tendrán que detenerse al finalizar el primer compás, pues para entonces el cellista pensará que ya está irremediablemente perdido, hojeando la partitura y corroborando si, en efecto,
está tocando la misma obra que sus colegas (Bitrán, S., 2001, p. 72).

Y para rematar, les dejo el link de los mencionados cuartetos de cuerda de Silvestre Revueltas, interpretados por el quizá más importante cuarteto de cuerdas de América Latina, y el conjunto camerístico que más ha propagado la música de nuestras tierras en todo el mundo, el Cuarteto Latinoamericano.


Por cierto que hace como dos años vinieron a Puebla, en el Auditorio Julio Glockner, y nos deleitaron, no sólo con Silvestre Revueltas, sino también con el Cuarteto No. 3 de Dmitri Shostakovich (y yo que pensé que nadie igualaba la versión del Borodin Quartet). Por supuesto que no me iba a quedar sin mi autógrafo:

El mismísimo Cuarteto Latinoamericano (nótese la firma del cellista [segundo de izquierda a derecha], Álvaro Bitrán, ¡tiene una clave de fa!

Sé que es difícil encontrar los discos del Cuarteto Latinoamericano; bueno, relativamente; éste lo compré en un concierto, pero otros que tengo, como los Cuartetos de Chávez y Five for Tango (el autografiado), los he visto en las librerías Conaculta, en Gandhi, en el "Mezcladito" (citando a Emmanuel y Diego) y es probable que también esté en el Tower Records. Así que si pueden, apoyen este tipo de música comprándola (los discos son una ganga, alrededor de $100.00).

Link para descargar el disco (40 mb, apróx.): http://rapidshare.com/files/113348778/Silvestre_Revueltas_-_String_Quartets_-_Cuarteto_Latinoamericano.rar.html

PD. Benjamín solicitó este disco cuando vio el post de Homenaje a Revueltas. Ver también: Favor de no dispararle al violinista.

La Misa Tango de Luis Bacalov

En música, una misa es una composición de carácter sacro empleada para la ceremonia católica que lleva el mismo nombre.

De acuerdo a Manuel Valls Sorina (1981, p. 49), una misa es "un acto fundamental del culto católico romano. Por lo que se refiere a la música, es una composición escrita sobre las cinco partes del «ordinario de la misa», a saber: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei."

En música, el tango es una composición de carácter profano (urbano); esencialmente se trata de una danza que, a pesar de poseer un compás de 4/4, tiene un ritmo binario. Debido a su origen rioplatense (Buenos Aires y Montevideo), las letras del tango están tradicionalmente escritas con el argot local conocido como lunfardo.

De acuerdo a lo declarado por Borges en Evaristo Carriego (1930), el tango posee un origen incierto; en realidad los orientales aseguran que fue escrito en Montevideo y los bonaerenses insisten que fue en los barrios de Buenos Aires. A pesar de estas incongruencias históricas, nadie descarta la idea de que todo comenzó en los lupanares y los barrios bajos, como una alegoría a las antiguas peleas entre gauchos; es por esto que al inicio sólo lo bailaban los hombres, aunque según se cita: "...en las esquinas lo bailaban parejas de hombres, porque las mujeres del pueblo no querían participar en un baile de perdularias" (Borges, J. L., 2005, p. 170).

¿Por qué una misa-tango?

La relación del tango con la tradición católica es quizá evidente si se considera que el Bandoneón, instrumento indispensable para el tango como lo conocemos, nació en Alemania como un órgano portátil, es decir, tenía la función de evangelizar de forma itinerante.

Antes de la llegada del Bandoneón a Buenos Aires (en 1900, apróx.), los instrumentos esenciales del tango eran la guitarra y la flauta [escuchar Histoire du tango, de Piazzolla], por lo que la llegada del nuevo instrumento provocó cambios sustanciales en la fisonomía de este tipo de composición. En lo personal creo que la sexualidad, misoginia y violencia del tango antiguo se transformó en sensualidad, misterio y un toque de decadencia. Otra característica que propició el bandoneón fue la actual forma de bailarlo: en pareja.

Luis Bacalov

Es un compositor argentino, pero reconocido internacionalmente, esencialmente por las composiciones que ha realizado para algunos soundtracks, como: Il Postino (El Cartero "de Neruda"), Django y la Pasión Según San Mateo.

Al escuchar el magnífico soundtrack de Il Postino se puede constatar que Bacalov ya estaba muy empapado por el tango y el bandoneón.

Misa-Tango y el panteísmo

Para la composición de esta singular obra, que nos recuerda a las Misas herejes de Evaristo Carriego y la Misa Criolla de Ariel Ramírez, Luis Bacalov cambió el texto de la liturgia tradicional, eliminando todas las alusiones directas a Jesús, para que así esta misa fuera una obra para todas las creencias Abrahámicas: Judaísmo, Cristianismo e Islamismo. Incluso el credo dice: "Creo en un único dios todopoderoso".

Los Intérpretes

Las voces solistas seleccionadas para la grabación de esta obra fueron las de Plácido Domingo (tenor) y Ana María Martínez (mezzo-soprano), así como a Héctor Ulises Passarlla en el bandoneón.

Cabe destacar que en este disco se encuentra Tangosain, del mismo Bacalov; y dos obras de Astor Piazzolla con excelentes arreglos: Adiós Nonino y Libertango.

Dirige a la Rome Santa Cecilia Academy Orchestra, el afamado conductor koreano Myung-Whun Chung, quien también ha hecho un magnífico trabajo dirigiendo obras del compositor francés Oliver Messiaen, quien estuvo muy relacionado con la tradición litúrgica en la música.

Escuchen esta obra, se los recomiendo bastante.

Bibliografía

• Borges, J. L., (2005). Obras Completas Vol. 1. Emecé: Argentina
• Valls Sorina, M. (1981). Diccionario de la música. Alianza Editorial: Madrid
• http://www.musicweb-international.com/film/2001/Apr01/bacalov.html
• http://en.wikipedia.org/wiki/Luis_Bacalov

Inti-Illimani en Puebla

Sábado 18 de noviembre a las 20:00 hrs.



Zócalo de Puebla abarrotado por todo tipo de personas, entonando un sólo himno, una sola voz que retumbaba: "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido".



A pesar del pleito judicial que la agrupación chilena Inti-Illimani tiene por el uso del nombre, -ya que solamente Jorge Coulon permanece como miembro creador, en tanto de Horacio Salinas, Horacio Durán y José Seves, entre otros, se retiraron hace algún tiempo y crearon una agrupación alternativa llamada Inti-Illimani Histórico-, los poblanos lo pasaron por alto para reunirse entorno a la música que marcó un hito dentro de la histora, no sólo por el contenido social y el colorido artístico, sino por la relevancia de esta agrupación dentro de los sucesos ocurridos en Chile en 1973, más específicamente, el golpe de estado al gobierno de Salvador Allende.



Inti-Illimani, como es bien conocido, permanecieron exiliados durante 15 años en Italia, país donde desarrollaron su carrera de músicos y activistas sociales; difundiendo la música folclórica latinoamericana al mismo tiempo que aprendían y mezclaban los estilos de la música étnica del país adriático.



El concierto se desarrolló de manera magistral, con la ya bien conocida capacidad técnica de sus integrantes, especialmente en el charango, ya que cada que empezaba el rasgueo de este instrumento, la gente arremetía con júbilo y emoción. Las canciones más coreadas, quizá, fueron "El Aparecido" de Víctor Jara, "Sobre tu Playa", "Samba Landó" y, con especial énfasis, "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido" de Quilapayún. Cabe destacar, asimismo, que desde el principio del concierto la gente pedía, casi con ansiedad, esta última pieza, ya que Inti-Illimani fue quien difundió este himno internacional de protesta. La interpretación de "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido", fue similar -con un solo de guitarra al principio- al del disco en vivo, Viva Italia, que conmemora el 30 aniversario de la agrupación, y de la misma manera, el concierto concluyó con "La Fiesta de San Benito".



Este es uno de los conciertos más emotivos a los que he asistido en mi ciudad. Hay que reconocer la calidad de los músicos, pero también el calor que irradian sus canciones, la unidad que provocan en la gente, y esa fuerza que a pesar de los años no desiste: la resistencia.



Nota: Esuché a mucha gente pedir el himno "Venceremos"; de hecho Ricardo, Emmanuel, Alfredo y yo, gritamos al unísono ¡VENCEREMOS!; sin embargo, a veces el esquema de los conciertos no se rompe. También hay que entender que Inti-Illimani quiere dejar un poco atrás el pasado, sobre todo las canciones que apelan directamente a la resistencia, a la protesta, y que ellos sean recordados principalmente por su música, lo cual es entendible.



Nota2: En la actualidad hay dos agrupaciones de Inti-Illimani, como lo comenté al principio: Inti-Illimani Histórico, y la que escuchamos, Inti-Illimani Nuevo, nombre que tienen que usar en tanto la corte da un fallo para derechos del nombre; sin embargo, ellos se niegan a usarlo. A pesar de todo, la fuerza de la agrupacion esta latente, esperemos que cualquier decisión que se tome en el futuro sólo sea para bien de la música.

Gotan Project - Del arrabal al lounge

Y un día el bandoneón se puso de moda…

Cuando Astor Piazzolla inauguró el Nuevo Tango, tal vez no imaginaba los alcances que tendría el añejo sonido del bandoneón en todo el mundo. Una cosa es cierta, y lo confirma Borges en Evaristo Carriego, el tango (sea bonaerense, oriental o platense [nadie se pone de acuerdo]) nació en los lupanares, entre duelos y dagas, canciones y guitarras, entre hombres valientes y desalmados; pero sobre todo, entre la soberbia y la muerte. Esos muertos viven: en el tango (El tango, poema musical, de Borges y Piazzolla).

Tengo que ser honesto, cuando supe que había grupos haciendo tango con DJ’s, no pude hacer otra cosa que criticar dicha acción, pero en aquel instante pensé que estaba siendo tan injusto como aquellos clásicos tangueros que calificaron a Piazzolla como un hereje. Después de escuchar y crear una opinión más o menos objetiva, debo decir que el trabajo de algunos intérpretes, como Carlos Libedinski, o Piazzolla Remixed, donde colaboraron múltiples artistas; son remarcables, y hasta saludables para la evolución del tango como género universal (hace muchos años sobrepasó las fronteras criollas). Para constatar esto habrá que identificar las nacionalidades que componen a Gotan Project, ya que está integrada por un DJ francés (Philippe Cohen Solal), un músico suizo (Christoph H. Müller) y un intérprete argentino de bandoneón y guitarra (Eduardo Makaroff); un grupo de genealogías tan diversas, como la música que han creado y moldeado.

En la actualidad, y con el éxito en las manos, pueden presumir una discografía envidiable (4 álbumes, 3 de estudio y 1 en vivo) para los cinco años que llevan como agrupación. Si no conocen a Gotan Project (nótese que Gotan hace la misma alusión que creó Daniel Viglietti en No tan gotán) yo les recomiendo que escuchen el disco que los llevó al éxito, La Revancha del Tango. Los ritmos sugerentes, las melodías decadentes, el bandoneón con su melodía erótica, la nostalgia que supone cada una de las letras, así como un discurso contestatario, marca la pauta de este maravilloso álbum. Para que los disfruten los adictos al tango, y asimismo, los entusiastas del lounge.

Gotan Project (web site en español)

La musa inepta en la Angelópolis

La musa, contenta de su non-esbelta figura, visitó esta vez la muy heroica ciudad de Puebla, para darse vuelco en un agasajante y festivo evento, que continúa las celebraciones de los 475 años de la fundación de esta magnánima ciudad.

Siempre atenta a la cultura, la musa que ya había partido plaza al visitar la ciudad en la presentación de ópera, “Operissima”, se pregunta ¿por qué no presentan una ópera entera y sólo cachitos?

Pero esta vez, nuestra regordeta amiga, quiso darse un taco de ojo (y de paso de oreja), porque el tenor Fernando de la Mora se presentaba en Puebla, con todo y voces de Ángeles. Tal vez cuando se presenta en Toluca lo hace con las voces del coro de Mefistófeles.

El estudiado programa, como sucede siempre en Puebla (¿recuerdan a la OSEP tocando con la Sonora Margarita?), recorrió diversos estilos musicales, desde la Ópera, los Boleros, y hasta Mariachi. Tan variada fue la velada, que la primera parte (Tres preludios y tres arias de la ópera “Carmen”) estuvo coreada por bostezos, y al final todo mundo cantaba, gritaba, y chiflaba junto al Mariachi Gama 1000.

La musa llegó muy temprano al Complejo Cultural Siglo XXI, pues el boleto sugería llegar con harta puntualidad (45 minutos antes); no faltó, por supuesto, quien llegó 5 minutos tarde. Mientras esperaba, con su regordeta figura dispuesta en su asiento, leía con admiración el programa que las señoritas edecanes (a las que nos les envidiaba nada), le habían obsequiado. Se asombra por el despliegue artístico de De La Mora, que además de haber trabajado bajo la batuta de directores de la talla de: Zubin Mehta, Ricardo Muti, Sir John Pritchard, Richard Bonynge, Lorin Maazel, Charles McKerras, Enrique Patrón de la Rueda y Eduardo Mata, tiene un repertorio insólito. Para remarcar esto, la musa prefiere citar textualmente.

“Su repertorio incluye principalmente ópera francesa e italiana como Hoffmann (Los Cuentos de Hoffmann), Werther (Werther), Romeo (Romeo y Julieta), Fausto (Fausto), Don José (Carmen), Des Grieux (Manon), Gerard (Lakmé), Rodolfo (La Bohème), Rodolfo (Luisa Millar), Alfredo (La Traviata), Pinkerton (Madama Butterfly), El Duque de Mantua (Rigoletto), Leicester (Maria Stuarda), Nemorino (Elixir de Amor), Mario Cavaradossi (Tosca), Macduff), Roberto Devereux (Roberto Devereux), Percy (Ana Bolena), Paco (La Vida Breve), etc.”.

La musa se cuestiona, malhumorada, ¿es el compositor entre paréntesis o la obra?, ¿o quizás sean personajes de la ópera?. Pero aún así, confundida, prefiere no resolver este acertijo.

Así mismo, se percata que el tenor será acompañado por una dama, la soprano Irasema Terrazas, quien también cuenta, de acuerdo al programa, con un repertorio interesante. Se citará textualmente una vez más.

“…interpretando roles en óperas del repertorio tradicional, tanto como en estrenos internacionales: Leïla, Amor, Inés, Venus, Adina, Eurídice, Micaela, Flor, Silvia, Maria, Pamina, Amy, Arianna, Estela, Paulina; y a Freia, Helmwige, Waldvogel y Woglinde en la Tetralogía de Wagner: Der Ring des Nibelungen”.

Lo último que faltaba, ahora también los personajes de ópera se rebelan y no quieren responder a su autor. Resulta que esta soprano también hace papeles en obras de teatro conocidas, como Christine, ¿alguien conoce al autor?, la musa tampoco.

Luis Alvaz
13 – diciembre – 2006

NOTA: La musa inepta es una sección de la revista Pauta, que en la actualidad escribe el escritor y musicólogo Juan Arturo Brennan, a quien personalmente admiro muchísimo. Antes, un gran hombre de letras alternaba con Brennan la redacción de esta divertida sección, Luis Ignacio Helguera, quien falleció hace pocos años. A ambos dedico este pequeño sortilegio, no sin antes invitar a todos a crear una conciencia crítica en los eventos culturales que se presentan en la ciudad de Puebla. En lo personal jamás he estado en contra de la difusión cultural (yo mismo me dedico a eso), sin embargo, nuestra ciudad capital del Estado (por ende, gobierno estatal y municipal), tiene una extraña forma de hacernos llegar la “cultura”. Algunos la llaman Alta Cultura (High-Cult); un término bastante controversial. Yo quisiera que el mundo viera al arte como una cosmovisión, no sólo como un escaparate o un desencuentro con la realidad cotidiana. El arte está mucho más allá de lo que nos presentan en un escenario, el arte está en ti y está en todos. Este mensaje no es unilateral, si quieren compartir sus opiniones conmigo, yo estoy dispuesto a escucharlas y leerlas. Muchas gracias por su atención.

Stockhausen Helikopter Streichquartett

Sound Director: André Richard
© 2003, approx. 32 mins. + subsequent discussion,
a co-production with Red Bull & Salzburg Festival

Karl-Heinz Stockhausen’s "Helicopter String Quartet" is one of the most complex musical works to put on stage. BFMI took the exciting challenge to realize this piece – being a part of Stockhausen’s oeuvre "Mittwoch" from "Licht" at the occasion of the opening of Hangar-7 at Salzburg Airport on August 22, 2003. Commissioned by Salzburg Festival in 1991, this unique sound experience, written for a string quartet ensemble playing separately in 4 helicopters and their pilots accompaigned by 4 sound engineers, 4 video transmitters, 4 x 3 sound transmitters and an auditorium with 4 video screens and 4 loudspeaker’s towers, the sound director and a moderator, finally in Salzburg, was performed for the second time on Stockhausen’s 75th birthday.

Not hearing each other, only able to synchronize through the reference of the beat time provided by a click-track, the strings mostly play tremoli that blend so well with the timbre of the rotor blades’ rhythms that they sound like music instruments. Therefore, the pilots of the Austrian Airforce flying Black Hawk helicopters became instrumentalists too. As they play, the four musicians are transmitted by cameras and microphones to four towers of television screens and four towers of loudspeakers at the ground station for an audience. During this – through the glass cockpits of the helicopters – also the world can be seen from above.

From BFMI’s point of view, this project is one of the most important ones in terms of what can be accomplished technically to a grand scale. The performance furthermore, was recorded for television as well. However, due to the composer’s restraints, the extraordinary "Helikopter Streichquartett" will also remain unique in a superior meaning: it was reserved exclusively to the live-audience to experience the staging of Stockhausen’s dream coming true that day.

"Helikopter-Streichquartett ist allen Astronauten gewidmet."
("The Helicopter String Quartet is dedicated to all astronauts.")

Karl-Heinz Stockhausen

Angela Hewitt plays Oliver Messiaen

Apenas logré adquirir un disco que está genial, en verdad. No sé que pasa en mí cuando escucho un piano con estas características. No es lo mismo escuchar a Bach, a Beethoven, Chopin o Liszt al piano; mucho menos a un Prokofiev o Scriabin; muchísimo menos si se trata de Schoenberg o Boulez. Sin embargo Messiaen me ha fascinado. Pareciera como si se tratara de una apoteosis a la interpretación.
Este disco ese para el sello inglés Hyperion, del cual he conseguido bastantes grabaciones, la mayoría de una calidad extraordinarias. Angela Hewitt esta vez hace una labor extraordinaria y nos demuestra que su calidad interpretativa no sólo es apreciable en Bach, para el cual ha realizado numerosas interpretaciones.
Si alguien lee este comentario espero que pueda comprar el disco y apreciarlo tal como yo lo hice.
Éste es el link: http://www.hyperion-records.co.uk/details/67054.asp
Estos son los tracks del disco:

Préludes 1928/9
No 1 La colombe [2'22]
No 2 Chant d'extase dans un paysage triste [7'17]
No 3 Le nombre léger [2'06]
No 4 Instants défunts [5'01]
No 5 Les sons impalpables du rêve... [5'08]
No 6 Cloches d'angoisse et larmes d'adieu [10'13]
No 7 Plainte calme [2'55]
No 8 Un reflet dans le vent... [5'21]
from Quatre Études de rythme 1950
No 1 Île de feu 1 [2'29]
No 4 Île de feu 2 [4'41]
from Vingt Regards sur l'Enfant-Jésus 1944
No 4 Regard de la Vierge [5'57]Innocence et tendresse ... la femme de la Pureté, la femme du Magnificat, la Vierge regarde son enfant ...
No 15 Le Baiser de l'Enfant-Jésus [12'30]À chaque communion, l'Enfant-Jésus dort avec nous près de la porte; puis il l'ouvre sur le jardin et se précipite à toute lumière pour nous embrasser ...
No 10 Regard de l'Esprit de Joie [9'32]Danse véhémente, ton ivre des cors, transport du Saint-Esprit ... la joie d'amour du Dieu bienhereux dans l'âme de Jésus-Christ

[Por cierto, el pianista noruego, Håkon Austbø, que ya me había deslumbrado con su maravillosa interpretación de Piezas Líricas de Grieg, ha grabado la integral de música para piano (incluye el Catálogo de Aves) de Oliver Messiaen, para el sello discográfico Naxos; quizá aún más recomendable que el disco de Hewitt.]